Mansão Roswell

Look at me

2010-05-08T23:53:00.001-03:00

Television is a drug. from Beth Fulton on Vimeo.

Se Nada Mais Der Certo

2010-04-29T22:25:00.001-03:00

Até hoje não consigo pensar numa razão clara e coerente para explicar não ter gostado de A Concepção (2005), do diretor José Eduardo Belmonte, e os motivos que me sobram são pessoais demais, com argumentação baseada mais em gosto do que conhecimento. A proposta da história era interessante. Um homem simplesmente chamado de X propõe à um grupo de jovens a anulação de suas identidades, para só assim conseguirem sobreviver e desestruturar os sistemas sociais conservadores sob os quais todos vivemos. Uma atitude radical? Possivelmente, mas há na atitude de queimar RGs também algo de imaturo, ingênuo, quase infantil. A ideia de revolução está lá, assim como as festas, o álcool e o sexo. A juventude dos personagens (no buraco dos 20 e poucos anos) potencializa isso. E quando as coisas dão errado, emerge algo que se assemelha a uma lição de moral. Belmonte quis chocar, mas castigou seus filhos depois. O resultado contraditório acabou ferindo o filme mais do que deveria.
Pulo para 2009 e encontro um filme que ainda discursa política, mas que faz desse discurso uma ferramenta de auxílio para o desenvolvimento de uma história que poderia ocorrer em qualquer grande metrópole do mundo. Sai o pedantismo ideológico, entra um lirismo consciente.
Se Nada Mais Der Certo traz três personagens centrais, assim como em A Concepção (se excluirmos X da lista). Léo (Cauâ Reymond) é jornalista desempregado que cuida de Angela (Luíza Mariani), - e a relação dos dois nunca fica clara - viciada e com um filho pequeno. Ele vive de freelas pelos quais nunca é pago e descarrega todas as suas criticas e angústias em relação ao mundo em cartas que nunca envia à um amigo. Wilson (João Miguel) é taxista. Típico trabalhador de classe baixa, passa por um período de depressão (ele parece nem fazer ideia de onde vem a tristeza que sente) e vive obcecado por uma arma, herança com a qual seu pai se suicidou. E por último, Marcin, talvez um dos personagens mais complexos do cinema recente. Distribuidor de drogas pelos "buracos" paulistanos, como a baixa Augusta, Marcin vive de seus "corres" e da boa relação que tem com cafetões, prostitutas, traficantes e o que mais conseguir. Marcin não é Márcio e nem Marcinha, é simplesmente Marcin. É algo que parece caminhar muito além da androginía e durante boa parte do filme, realmente nos faz esquecer de taxá-lo de alguma forma, aceitando-o exatamente como é. Todos os méritos à excelente atuação de Caroline Abras. Aliás, o trio de atores está impecável.
É Marcin quem consegue drogas para Angela, que numa noite de loucuras acaba perdendo sua bolsa com todos os documentos dentro, que vai parar nas mãos de um travesti importante e barra pesada. Cabe a Léo tentar resgatar a bolsa e aqui o destino dos personagens se cruzam.
Depois de muita discussão, Léo, Wilson e Marcin acabam fechando um "esquema". A boa aparência de Léo, o táxi de Wilson e os contatos de Marcin fazem com que consigam dinheiro fácil através de ações ilícitas. A felicidade da renda repentina não dura muito e eles logo se sujeitam novamente a situações extremas.
Se em A Concepção a destruição da identidade propunha o verdadeiro estado de liberdade humana, aqui são os roubos que se fazem solução, a classe média em decadência, e o que era liberdade se torna simplesmente instinto de sobrevivência. Na impossibilidade de se ver seguindo uma ética, seja moral ou política, os personagens se entregam da forma que podem ao que lhes parece ser a única saída.
É a partir daqui que percebemos a beleza do filme de Belmonte, principalmente porque essa entrega só é percebida nos momentos de calmaria, nos entreatos. É na filosofia barata do bar, seja num boteco ou num puteiro regados a álcool. É numa viagem à praia, no canto desafinado, no abrir o peito. É na comemoração no apartamento, na bebida, no sorriso do menino, no rock´n roll, na dança desajeitada, na tensão sexual dos corpos. Se Nada Mais Der Certo é um filme onde os corpos tem função essencial. São corpos em constante movimento, em clima intenso e febril, medo e busca por salvação. São corpos indefinidos, sem sexo como o de Marcin, e mesmo assim extremamente sexuais. E diferente do hedonismo de A Concepção, o sexual aqui surge como pulsão na única cena de sexo do filme.
Há a política e seu circo absurdo também. Há literalmente discursos políticos e ideológicos. A trilha de Os Saltimbancos, de Chico Buarque, cai como uma luva de tão bem utilizada. E se você perguntar, o diretor vai dizer que seu filme é uma crítica e blá-blá-blá..., como já o vi fazendo.
Talvez ele prefira esse aspecto de seu filme e não tenha percebido que só alcançou isso ao se dedicar ao outro lado: as relações humanas, a vida em sociedade, o amor e a luta diária por sobrevivência. Tudo isso está no filme e gosto de acreditar que é o que realmente importa ali. Acho que é tão pessoal como os motivos de não gostar de A Concepção, é mais paixão e admiração pela obra do que análise racional.
Mas, por ora, me permito isso e deixo a sugestão de filme. De minha parte, guardo as imagens das belas cenas de uma São Paulo enfim filmada de uma maneira interessante e, como diz Léo lá nos últimos minutos, "e é isso que vou sempre guardar comigo, se nada mais der certo".

Festival Cinesesc Melhores Filmes 2010

2010-04-13T11:23:00.002-03:00

No próximo dia 8, começa no Cinesesc mais um Festival Sesc Melhores Filmes 2010.

Até olhar a lista, eu estava concluindo que 2009 foi um ano de bons filmes, mas de pouquíssimos filmes que ficaram na mente por mais de dois ou três dias (alguns se foram em pouquíssimas horas!). A impressão de que não houve “O” filme.

Durante todo o ano eu tive a impressão de que não havia muitas opções no cinema, partindo do principio de que, como foi um ano cheio, eu só ia para ver filmes pelos quais eu depositava algum interesse específico – na verdade é bem raro que eu assista a um filme sem ter um mínimo de informação prévia (história, atores, diretor, etc.).

Mas ao olhar a lista, percebi que assisti a grande maioria, ou seja, é possível que o ano não tenha sido tão defasado qualitativamente falando, ou que a maioria dos filmes seguiu estiveram dentro de uma média.

Decidi então fazer pequenos comentários sobre os filmes que vi. Talvez, posteriormente, eu escreva mais detalhadamente sobre alguma (s) das produções, mas por hora, deixo minhas rápidas impressões.

É se programar e aproveitar, já que ver bons filmes a preços em conta já se tornou uma distante realidade. Enjoy.

Anticristo (Antichrist), de Lars Von Trier

Dia(s) 08/04, 17/04, 29/04

Quinta, às 19h; Sábado, às 19h e Quinta, às 17h

Casal (Charlotte Gainsbourg e Willian Dafoe) perde o filho pequeno num acidente e a mulher não consegue superar a perda. O marido psicólogo decide tratá-la ele mesmo, levando-a para uma casa no meio da floresta e testando nela os métodos que usa em seus pacientes.

A sinopse parece de filme de terror, e de fato parte do marketing do filme pareceu querer vender essa ideia. Mas é um filme de Von Trier, e ele não vai oferecer algo de mão beijada, nem mesmo um filme de terror. Anticristo foi escrito num momento de depressão do diretor, que disse ter colocado ali muitos dos seus medos e angústias. Assistir ao filme tendo conhecimento desses fato pode dar uma perspectiva interessante sobre o resultado final do filme. É no mínimo de se louvar a criatividade e o trabalho do diretor em transformar seus delírios em imagens. Tirando belas cenas em que o diretor parece querer dizer “Olha, fiz um estardalhaço com o Dogma 95, mas sei filmar, hein!!”, se Anticristo não será um dos filmes da sua vida, com certeza será um daqueles que sempre vão emergir nas conversas de bar, gostando-se dele ou não. Sadismo, simbolismos, misoginia, mutilação de genitais e animais falantes, está tudo lá. E o caos reina!

Bastardos Inglórios (Inglorious Basterds), de Quentin Tarantino

Dia(s) 08/04, 17/04, 26/04

Quinta, às 14h; Sábado, às 21h30 e segunda, às 14h

Esse é o filme que o Tarantino dizia que ia fazer desde o final da década de 90 e virada dos anos 2000, deixando ansiosos os leitores da extinta revista Herói. Lá atrás, seu elenco dos sonhos reuniria a santíssima trindade dos filmes de ação Sylvester Stallone, Arnold Schwarzenegger e Bruce Willis (porque convenhamos, o Van Damme nunca engrenou de vez em Hollywood). Quase dez anos depois, Brad Pitt encabeça o grupo de soldados judeus americanos que aterroriza toda a comunidade militar alemã. Some a isso um outro núcleo do filme, uma história de vingança e a longuíssima (e tensa) sequência do bar e temos tudo o que os adoradores do diretor queriam: um tipo de “e se Tarantino decidisse o fim da guerra?”. O final do filme, que mais parece um orgasmo do próprio Tarantino, é um misto dos aspectos que marcaram sua carreira, e um sinal de que, assim como outros, Tarantino vem se tornando um refém de sua própria cinematografia. Bastardos não é fodido, mas é mais um exemplar de filme-pra-se-discutir-a-partir-da-segunda-cerveja, e convenhamos, isso hoje em dia já diz muito.

É Proibido Fumar, de Anna Muylaert

Dia(s) 08/04, 17/04, 23/04

Quinta, às 17h; Sábado, às 17h e sexta, às 21h30

No segundo longa da diretora de Durval Discos (que eu não vi, mas que por algum motivo me traz sempre à lembrança o Alta Fidelidade, apesar de me dizerem que os dois não tem nada a ver), dois quarentões de nome Max e Baby (Paulo Miklos e Glória Pires, e que deveriam se chamar anacrônicos) começam a se envolver num romance que parecia ser a salvação de suas vidas. Mas há reviravoltas. Bom, isso explica bastante o filme, mas não porque seja mais um representante de algum gênero romântico, mas porque realmente há reviravoltas no filme. O que também não quer dizer que isso seja bom. Ficou a tentativa.

Se Nada Mais Der Certo, José Eduardo Belmonte

Dia(s) 08/04, 16/04, 21/04

Quinta, às 21h30; Sexta, às 14h e quarta, às 21h30

Se nada mais der errado, minha intenção é dedicar um post só para esse filme. Sim, ele é bom e eu gostei muito.

A Festa da Menina Morta

Dia(s) 09/04, 15/04, 25/04

Sexta, às 21h30; Quinta, às 21h30 e domingo, às 19h

Escrevia sobre esse filme aqui. E continuo não gostando...

É, eu também não gostei do texto...

Abraços Partidos (Los Abrazos Rotos), de Pedro Almodóvar

Dia(s) 09/04, 21/04, 25/04

Sexta, às 14h; Quarta, às 19h e domingo, às 14h

Um diretor de cinema se apaixona pela atriz principal de seu filme, que é casada com o principal financiador. Catorze anos depois esse mesmo diretor, agora cego, ganha a vida escrevendo e vendendo roteiros, assinando Harry Caine, porque seu nome verdadeiro, Matteo Blanco, morreu há catorze anos (?!). Achou estranho? Nem é tanto. Dizem que é um Almodóvar menor, pejorativamente mais preguiçoso. Gostei bastante de Volver, mas não sou um conhecedor do diretor. Além do citado, não gostei muito dos outros que vi. Esse Abraços... fica no meio do caminho. O visual do filme é fascinante e Penélope Cruz de Audrey Hepburn é mais ainda. As famosas cores do diretor estão todas lá, só que talvez um pouco mais sombrias. E tem a metalinguagem, provavelmente a grande qualidade do filme. Mas um Almodóvar fazendo metalinguagem pode ser um pouco demais. É auto-referência demais...

Simonal – Ninguém Sabe o Duro Que Eu Dei, de Cláudio Manoel, Micael Langer, Calvito Leal

Dia(s) 09/04, 28/04

Sexta, às 17h e quarta, às 17h

Não consegui ver, mas deixo as datas.

Valsa com Bashir (Waltz with Bashir), de Ari Folman

Dia(s) 09/04, 24/04, 28/04

Sexta, às 19h; Sábado, às 14 h e quarta, às 14h

O diretor Ari Folman conta sua busca pela memória perdida após a Primeira Guerra do Líbano, nos anos 80, e faz isso usando uma técnica de animação de visual impressionante. O pesadelo da praia é de deixar o queixo caído. E me deu muito sono também.

Cidadão Boilesen, de Chaim Litewski

Dia(s) 10/04, 19/04

Sábado e segunda, às 17h

Desejo e Perigo (Se, Jie / Lust, Caution), de Ang Lee
Dia(s) 10/04, 13/04
Sábado, às 21h30 e terça, às 14h

Ang Lee gosta de uma boa novela, um melodrama de ponta. Tenho essa impressão em quase todos os seus trabalhos que assisti. Este Desejo e Perigo não foge a regra, mas tem algo a mais que faz bastante diferença. Na década de 40, uma jovem integrante da resistência se aproxima de homem importante do alto escalão para tentar assassiná-lo. Mas a forte segurança ao redor do homem, aliados à própria postura rígida e inalterável dele levam a garota a buscar no mais profgundo de si mesma os meios para furar esse bloqueio. Claro que eles acabam se envolvendo. As famosas cenas de sexo nem são lá tão impressionantes assim (o alvoroço que causaram nos festivais não eram pra tanto, como geralmente nunca é). Quando assisti ao trailer do filme, pensei que Ang Lee estaria dando uma de Wong Kar Wai, ainda mais com Tony Leung (espetacular no filme) no seu elenco. Mas não, ainda que seja melhor que suas últimas produções, essa volta as origens ainda é a boa e velha novela Ang "Leeana".

500 Dias Com Ela (500 Days of Summer), de Marc Webb
Dia(s) 12/04, 18/04
Segunda e domingo , às 17h

Rapaz e garota se apaixonam, vivem um relacionamento e terminam. A velha história da humanidade. O que torna então esse filme diferente? Aqui, é ele quem acredita no amor, não ela, que faz questão de deixar claro que tal coisa não existe. Tudo bem, é possível que também já tenhamos visto isso em algum lugar. O que sobra então no filme do diretor Marc Webb (famoso por seus videoclipes e o novo responsável pela franquia do Homem-Aranha no cinema) é uma edição bem esperta (a cena musical é ótima) conduzida por uma mais espertíssima trilha sonora. Some-se a isso seus dois protagonistas. É impossível não simpatizar com o personagem de Joseph Gordon-Levitt ou não se apaixonar porZooey Deschanel. Usar There Is a Light That Never Goes Out, dos Smiths, é uma boa sacada, ainda mais sendo a banda um dos porta-vozes dos sentimentos de paixão e desilusão juvenis. Mas isso também cria um problema, na medida em que às vezes tudo soa ingenuo e juvenil até demais. É muito fácil gostar do filme pelo seu visual moderno, mas se fosse para sugerir um filme de dor-de-cotovelo de nós homens, prefiro Prova de Amor, de David Gordon Green (por coincidência, com a mesma Deschanel arrasando outro coração). É menos oportunista. É mais duro, e por isso mesmo, mais real.

Avatar, de James CameromDia(s) 12/04, 22/04, 26/04
Segunda, às 14h; Quinta, às 14h e segunda, às 21h30

Um trabalho técnico refinadíssimo, divisor mesmo de águas quanto ao uso da tecnologia no cinema, frutos de um trabalho quase obssessivo de Camerom. Uma história batida, que utiliza o mito do herói entre outras coisas, mas que nem por isso desqualificam o empenho do trabalho visual. Smurfgs gigantes se encontram com Dança Com Lobos. O que dizer mais sobre o filme sobre o qual todos já disseram demais?

Moscou, de Eduardo Coutinho
Dia(s) 12/04, 29/04
Segunda, às 19h e quinta, às 14h

Não consegui assistir a esse documentário do Coutinho, mas, ao que parece, ele continua as experimentações que começou em Jogo de Cena. Mas só por ser um filme dele, já valeria a conferida.

Zico na Rede, de Paulo Roscio
Dia(s) 12/04, 27/04
Segunda, às 21h30 e terça, às 17h
Não assisti a esse doc sobre o Galinho Zico e suas proezas nos tempos de Flamengo.

Hotel Atlântico, de Suzana Amaral
Dia(s) 13/04, 23/04
Terça, às 17h e sexta, às 19h

Se o trailer de Desejo e Perigo dava a impressão de que Ang Lee foi beber da água de Wong Kar Wai, o desse Hotel Atlântico quase me fez pensar que a octogenária Suzana Amaral tinha adorado Cão Sem Dono, de Beto Brant. A presença de Julio Andrade como protagonista só reforçavam essa idéia (assim como a de Tony Leung no filme de Lee). Engraçado como os dois filmes são inferiores as obras as que comparei. Gosto de filmes que vão do nada a lugar nenhum, só não gosto quando pretensão é vendida como análise. E esse é um filme pretencioso, muito menor do que julga ser. Filme para chatos. Ou isso, ou vai ver eu não entendi nada mesmo.

Apenas o Fim, de Matheus Souza

Dia(s) 15/04, 20/04

Quinta, às 17h e terça, às 17h

Escrevi sobre esse filme aqui.

Milk – A Voz da Igualdade (Milk), de Gus Van Sant

Dia(s) 15/04, 18/04

Quinta, às 14h e domingo, às 19h

Sean Penn vive um momento da trajetória de Harvey Milk, que nos anos 70 se tornou o primeiro gay assumido a ser eleito para um cargo político. Com boas atuações, mas nada mais do que isso, ganhou o Oscar de melhor roteiro e tirou de Mickey Rourke e seu O Lutador o de melhor ator (e o próprio Penn percebeu isso). Gus Van Sant volta à um tipo de filme mais “convencional”, menos experimental, na verdade, segue a cartilha até demais. Ao menos escolheu um período específico ao invés de uma biografia que só reforçasse algum mito. Não faz muito diferença esperar para ver na TV.

Polícia, adjetivo (Politist, adjetiv), de Corneliu Porumboiu

Dia(s) 10/04, 15/04, 26/04

Sábado, às 19h; Quinta, às 19h e segunda, às 17h

Tentei ver na Mostra e quando estreou, não consegui e perigo não conseguir ver de novo. Mas sempre há a internet (será que deveria ter escrito isso?). A sinopse é bem interessante.

A Partida (Okuribito), de Yojiro Takita

Dia(s) 16/04, 20/04

Sexta, às 19h e terça, às 21h30

A surpresa vencedora do Oscar de Melhor Filme estrangeiro do ano passado nem é tanto assim (por isso a surpresa geral na época), mas que não é ruim de maneira alguma. Rapaz quer ser violoncelista profissional, mas quando tudo parece que se encaminha bem, a orquestra na qual trabalha se dissolve e ele decide retornar com a esposa para sua cidade natal, começando um novo emprego nada convencional, ao menos aos olhos ocidentais. Começa a ajudar um senhor a “preparar mortos”, espécie de agente funerário de beleza. Eles banham, trocam as roupas, dão à pessoa que acaba de morrer o visual mais belo e leve que conseguem, tudo isso feito num ritual lento, de paciência, respeito e compaixão. O filme se desenvolve devagar, até por conta do ritual de preparação, que é o grande centro do filme. Imagens bonitas, belos enquadramentos, canção tocante, está tudo lá, bem tradicional, bem japonês (sem nenhum sentido pejorativo), mas o filme às vezes parece destoar um pouco da realidade. Aquela ideia de um Japão que vive em conflito entre o moderno e o tradicional não funciona mais há algum tempo, e se um cara tocando violoncelo na beira de um penhasco parece uma ideia ultrapassada demais, brega até, imagine ver uma imagem assim hoje em dia. É confundir tradição com anacronismo.

Divã, de José Alvarenga Jr.

Dia(s) 16/04, 22/04

Sexta, às 21h30 e quinta, às 17h

Enfim...

Gran Torino, de Clint Eastwood

Dia(s) 16/04, 20/04, 28/04

Sexta, às 17h; Terça, às 14h e quarta, às 21h30

Eastwood vive aqui Walt Kowalski, aposentado que trabalhava na indústria automobilística e lutou na Guerra da Coréia, ou seja, o velho durão, conservador, patriota, somados os atributos dos personagens que Clint se acostumou a interpretar nos últimos anos, ranzinzas e inflexíveis. Mas, mesmo com todo o preconceito, acaba se aproximando dos vizinhos, uma família de imigrantes asiáticos, e, da amizade que surge entre ele e um jovem dessa família, Eastwood trabalha os temas que lhe são caros como ética, moral e compaixão pelo ser humano. Numa espécie de despedida desse tipo de personagem (é como se estivéssemos diante de um Dirty Harry no fim da vida), o diretor faz um epílogo para seus anti-heróis, assim como já o fizera no belíssimo Os Imperdoáveis. E o melhor é que ele tem total consciência do passar do tempo e das consequências disso, pois, entre um Indiana Jones que já passa dos sessenta e tenta esconder a falta de fôlego e um velho Dirty Harry que já passa dos 80 mas respeita nossa inteligência como espectadores, vou sempre escolher o bom e velho (mestre?) Clint, mesmo que ele às vezes parece classicista demais.

Loki - Arnaldo Batista, de Paulo Henrique Fontenelle

Dia(s) 18/04, 21/04

Domingo, às 21h30 e quarta, às 17h

Documentário sobre o excêntrico e genial integrante dos Mutantes.

A Era do Gelo 3 (Ice Age: Dan of the Dinaossaurs), de Carlos Saldanha

Dia(s) 11/04, 17/04, 25/04

Domingo, às 14h; Sábado, às 14h e domingo, às 17h

Terceira parte da série do diretor brasileiro que já pareceu perder o fôlego na segunda. Não vi, mas passou pelos cinemas em versão 3D.

Up – Altas Aventuras (Up), de Peter Docter

Dia(s) 10/04, 18/04, 24/04

Sábado e domingo, às 14h e sábado, às 17h

Até a metade de Up, eu não conseguia parar de me perguntar como a Pixar conseguia fazer aquilo, como seria nunca errar feio? O filme é ótimo até a metade, quando cai um pouco, mas mesmo assim, nunca é ruim. Foi assim também com outros (poucos) filmes como Vida de Inseto, Carros e, numa opinião particular, Ratatouille, os quais o único problema era serem “apenas” bons filmes. Após a morte da esposa, o velho Carl decide realizar o sonho dela (e não perder a casa de bandeja) e a enche de balões, voando até um local perdido na América do Sul. Ele só não contava com a presença do pequeno Russel, garotinho que reflete muito do que era o próprio Carl em sua juventude. Bastante melancólico em muitos momentos, o filme é colorido e os personagens são simpáticos, mas a história arrasta um pouco na segunda metade, e só reforça a impressão de que Wall-E era uma obra-prima do cinema. O alarde ao redor de Up parece só uma desculpa pelo descaso com a produção anterior, mais ou menos o que Avatar significa para O Cavaleiro das Trevas.

Besouro, de João Daniel Tikomiroff

Dia(s) 19/04, 27/04

Segunda, às 21h30 e terça, às 19h

No recôncavo baiano do início do século passado, a lenda do capoeirista, que, dizem, de tão bom era capaz de voar. Alguns bons momentos de lutas bem coreografadas, mas há algo de errado nos corpos bonitos e sempre milimetricamente suados dos negros, e o que deveria transparecer sensualidade, não passa de uma enxurrada de estereótipos, fora o clímax que se anuncia desde o início, e que nunca chega. Uma amiga achou que a intenção era essa mesma. É uma possibilidade...

A Onda (Die Welle), de Dennis Gansel

Dia(s) 13/04, 19/04

Terça, às 19h e segunda, às 19h

Para tentar ilustrar melhor aos seus alunos como foi possível a aceitação do nazismo na Alemanha, professor institui um regime semelhante dentro da sala de aula, criando um micro universo que logo sai do controle e toma proporções perigosas. É um filme denso, sério, não só pelo tema nem por ser um filme alemão, mas pelo próprio exercício de tentar entender o nazismo (ou mesmo outros regimes autoritários) dentro da sociedade e como isso talvez pudesse ter acontecido em qualquer lugar, o que de fato aconteceu, mudando-se alguns nomes e particularidades. Um filme a ser revisto mais algumas vezes, e, se possível, discutido bastante.

Entre Os Muros da Escola (Entre les murs), de Laurent Cantet

Dia(s) 19/04, 27/04

Segunda, às 14h e terça, às 21h30

Escrevi sobre o filme aqui.

Deixa Ela Entrar (Lat den räte komma in / Let the Right One In), de Thomas Alfredson

Dia(s) 11/04, 20/04, 23/04
Domingo, às 19h; Terça, às 19h e sexta, às 14h

Outro que em breve deve ganhar um texto próprio.

Lua Nova (New Moon), de Chris Weitz

Dia(s) 11/04, 21/04, 24/04

Domingo, às 21h30; Quarta, às 14h e sábado, às 21h30

Bons tempos em que vampiros não eram criaturas castas. Me recuso a ver.

Ervas Daninhas (Les Herbes Folles), de Alain Resnais

Dia(s) 14/04, 22/04

Quarta e quinta, às 21h30

Com mais de oitenta, mas com fôlego de garoto, o nome de Resnais ainda soa forte no cinema mundial, mesmo que Medos Privados Em Lugares Públicos dê sono. Não vi este, mas é bem recomendado.

Julie & Julia, de Nora Ephron

Dia(s) 14/04, 22/04

Quarta, às 14h e quinta , às 19h

Último da diretora que é especialista em comédias-românticas-para-mulheres-que-ainda-acreditam-em-contos-de-fada.

Jean Charles, de Henrique Goldman

Dia(s) 11/04, 23/04

Domingo, às 17h e sexta, às 17h

O onipresente Selton Mello vive Jean Charles de Menezes, que em 2005 foi assassinado pelo serviço secreto britânico ao ser confundido com um terrorista. Com um elenco de não-atores recrutados entre os brasileiros que residem em Londres (alguns conviveram com o próprio Jean Charles), o filme peca por alguns defeitos técnicos, principalmente o som, e a diferença entre o elenco profissional e o amador comprometem demais a fluência do filme, devido a um naturalismo que nunca é atingido de fato. Mas Vanessa Giácomo está muito bem, só não é mesmo melhor do que Selton Mello, que deixa um pouco de lado alguns maneirismos costumeiros, talvez porque, de acordo com o próprio ator, passava por um momento de fortes indecisões e uma depressão profunda durante as gravações do longa, em Londres.

À Deriva, de Heitor Dhalia

Dia(s) 14/04, 24/04, 29/04

Quarta, às 19h; Sábado, às 19h; Quinta, às 21h30

Nina tinha uma primeira metade promissora, mas se perdia assim como sua protagonista no final do filme. O Cheiro do Ralo, de tão “cool” que queria ser, morria na praia, mas com certeza não na mesma praia deste À Deriva. Nessa praia, menina de classe média alta está de férias com sua família perfeita, com amigos perfeitos, com os hormônios a flor da pele e as descobertas da adolescência, mas não tardará a descobrir as durezas da vida, como a família que na verdade está a um fio de se estilhaçar, ou as desilusões amorosas. A velha história de crescimento, rito de passagem para a vida adulta, ou algo próximo disso. Nada contra o tema. Há excelentes exemplos desse tipo de filme. O problema do filme de Dhalia é que ele mostra isso muito plasticamente. Tudo é bonito demais, os cenários, os enquadramentos, a praia, as pessoas. Típico filme feito para ser mostrado em festivais internacionais, como na Cannes onde foi apresentado pela primeira vez. Ou seja, reflexão para burguês ver. Foi a terceira chance que dei, e Dhalia ainda não me convenceu.

A Erva do Rato, de Júlio Bressane

Dia(s) 26/04, 29/04

Segunda e quinta, às 19h

No Meu Lugar, de Eduardo Valente

Dia(s) 13/04, 28/04

Terça, às 21h30 e quarta, às 19h

Filme de estréia do respeitável crítico Eduardo Valente, um dos responsáveis pela Revista Cinética, obrigatório para quem gosta de ler sobre filmes.

Amigo é pra isso mesmo

2010-03-30T03:52:00.000-03:00

By prsgrangeiro | View this Toon at ToonDoo | Create your own Toon

Amantes, de James Gray

2010-03-30T03:47:00.001-03:00

* O filme foi visto em 2009.

Na primeira cena de Amantes, filme mais recente de James Gray, vemos Leonard (Joaquim Phoenix) numa tentativa de suicídio. A cena não só é bela plasticamente (o movimento suave da câmera e as imagens filmadas em scope) como dá o tom do resto do filme. Gray tem um jeitão de esteta, um artesão herdeiro da Era de Ouro do cinema americano. Como apontam muitos críticos, seu equivalente no cinema atual é ninguém menos que uma das entidades sagradas de Hollywood: Clint Eastwood. Para quem está acostumado à filmografia do eterno Dirty Harry (principalmente a recente, década de 00), deve perceber que, seja quando acerta em filmes sobre reflexões profundas no interior humano como em Sobre Meninos e Lobos ou Gran Torino, ou quando escorrega em dramas insossos como A Conquista da Honra e A Troca, Eastwood filma como se estivesse em meio à produção dos Houston e Hawks da vida, ou mesmo de seus dois grandes mentores: Don Siegel e Sergio Leone. Se não fosse bem mais novo e não estivesse apenas em seu quarto filme, seria possível pensar que Gray sofre mesmo do mesmo “mal” de Clint.

Leonard vive com os pais, ajudando-os em seu negócio de lavanderia. Mas sua estadia não é opcional e a tentativa de suicídio do início não foi gratuita. Logo descobrimos que não foi a primeira vez que ele tenta isso e que sofre de problemas emocionais. Os pais tentam ajudar o filho apresentando-o à Sandra (Vinessa Shaw), moça de boa e rica família, o que também os ajudaria, pois o pai da moça está interessado em comprar a lavanderia, além de garantir um bom lugar para Leonard em sua empresa como uma forma do rapaz garantir alguma estabilidade na vida.

Ao mesmo tempo, Leonard conhece Michelle (Gwyneth Paltrow), uma nova vizinha com a qual também consegue se comunicar pela janela de seu quarto. Não tarda para que ele se veja dividido entre a aventura que a moça linda, extrovertida e menos culta poderia oferecer e a segurança e proteção que a tímida menina rica traria para sua vida. E se para o sensível Leonard isso já seria conflito suficiente, soma-se os fatos de que Michelle namora um cara casado que vive a iludi - lá e que o casamento com Sandra também ajudaria seus pais, o que o coloca numa posição de obrigação.

O que poderia terminar num melodrama típico se revela num poderoso (e doloroso) exemplar de história de amadurecimento e autoconhecimento, menos em relação ao que se é, mas mais a que atitudes tomamos ao percebermos que, afinal, não existem contos de fadas. E aqui a atuação de Phoenix se faz essencial à orquestra de Gray (não por coincidência, a opera é trilha frequente do filme).

Num primeiro momento e, principalmente, quando não consegue deixar de se apaixonar pela menina-maluca, Leonard mais parece um menino mimado. Na verdade ele o é, mesmo quando descobrimos o verdadeiro motivo de sua tristeza. O contraste entre a tentativa de parecer mais cool para Michelle e a segurança com que se aproveita dos sentimentos de Sandra ressaltam não só sua imaturidade, mas sua própria indecisão em relação à vida, de quem quer ser e como quer agir.

Esse é de longe o melhor trabalho de Phoenix, que depois pirou e largou o cinema para tentar emplacar uma bizarra carreira como cantor de Hip Hop (difícil não rir e se questionar sobre a “cena do rap” que Leonard protagoniza no carro, que foi filmada muito tempo antes da piração do ator). Há excelência em seus olhares, na postura de constante incomodo, nos pequenos detalhes de suas expressões. Exemplar é quando ele descobre sobre o namorado de Michelle, tendo que engolir a tristeza para continuar sendo o ombro amigo da garota.

James Gray fez em Amantes o cinema do não-dito, da não-palavra, e diretamente faz um jogo entre imagem e o olhar, porque não faltam momentos em que só entendemos o que está de fato acontecendo se prestamos atenção aos olhares dos personagens. Há o olhar voyeur da janela de Leonard (que se faz também o nosso olhar, pois sempre estaremos no ponto de vista dele, nunca dela, que continuará “acima” de tudo). Há a esperança nos olhos do pai e há ternura nos olhos da noiva, mas há olhares que fazem de Amantes um grande filme: o desconcertante olhar de melancólica compreensão da mãe em um momento chave do clímax, e outro olhar que se repete em dois momentos distintos: de Michelle quando transa com Leonard no telhado e o de Leonard, no último instante do filme. Um olhar que parece dizer “não me julguem, essa é a única saída. Vocês viram tudo o que aconteceu”. Pesado porque somos cúmplices de tudo e, assim como os personagens, não temos certeza se as decisões foram corretas.

Mas não haveria mesmo outra forma de terminar o filme. Como um maestro, Gray regeu sua obra com obsessiva finura e o tempo todo pediu nossa atenção. Àqueles que conseguiram manter o exercício durante toda a projeção, o final aberto não significa menos do que um imenso respeito à inteligência do espectador, tal qual o fazia aqueles mestres do cinema nos quais o diretor costuma se inspirar. Bom trabalho James Gray.

Um novo exercício

2010-03-19T16:21:00.001-03:00

A partir de hoje, semanalmente começarei a postar alguns exercícios de tiras em quadrinhos.

Segue o primeiro.

By prsgrangeiro | View this Toon at ToonDoo | Create your own Toon

Onde? Quem? Quando?

2009-06-30T12:03:00.010-03:00

Há algumas semanas, o site da Revista Bravo! publicou um artigo a respeito de uma nova leva de cineastas que têm surgido, mais ou menos no mesmo período. A reportagem exaltava os realizadores, comparando-os aos cineastas da Nouvelle Vague, movimento do cinema francês da virada da década de 50 para 60, que influenciou de uma ou outra maneira várias gerações posteriores e que tinha em seu plantel principal François Truffaut, Jean-Luc Godard, Claude Chabrol, Eric Rohmer e Jacques Rivette.

Contudo, qual não foi meu espanto em, ao navegar pelo site Cinética, o qual costumo "frequentar", não encontro uma resposta assinada por Cléber Eduardo e Eduardo Valente à Bravo! que corrigi "alguns" erros cometidos na reportagem.

Por hora, reproduzo o texto da Bravo! (e peço a todos para seguirem o link para conferir as imagens) e a seguir a resposta dos editores da Cinética, mas adianto que é um assunto de extrema importância, principalmente para jornalistas e "aspirantes a".

Texto da Bravo!.

Nouvelle Vague Brasileira

Uma geração de jovens diretores renova a maneira de fazer filmes no país ao se espelhar nos cineastas franceses que começaram como críticos na revista “Cahiers du Cinéma”, nos anos 60

Por Caroline Rodrigues

Jean-Luc Godard disse certa vez que filmava para escrever e escrevia para filmar. A frase do diretor francês se explica: antes de criarem a Nouvelle Vague ("nova onda"), cineastas como François Truffaut, Eric Rohmer, Claude Chabrol e Alain Resnais, além do próprio Godard, eram críticos da revista Cahiers du Cinéma. A revolução promovida pelo movimento, surgido em 1959 com a estreia do filme Os Incompreendidos, de Truffaut, deriva, em grande parte, da origem de seus integrantes: para o grupo, era urgente vincular pensamento à imagem cinematográfica, de modo a subverter as regras da indústria do cinema e da narrativa clássica. Na Nouvelle Vague, as imagens são reflexivas.

Cinquenta anos depois, algo semelhante ocorre no Brasil. Críticos das revistas virtuais Contracampo e Cinética, oriundos da Universidade Federal Fluminense (UFF), do Rio de Janeiro, começam a desenhar uma geração do cinema brasileiro. Nomes como Eduardo Valente, Cléber Eduardo, Ilana Feldman, Daniel Caetano, Luiz Carlos Oliveira Jr. e Felipe Bragança. Na definição de Valente, eles fazem parte da "missão carioca", que tem como características a defesa das produções de baixo orçamento, o experimentalismo de linguagem e a criação coletiva. Ao mesmo tempo em que refletem sobre quase toda a produção mundial — estrangeiros, independentes ou vinculados à indústria —, procuram colocar suas ideias em prática, por trás das câmeras, algo próximo ao que fizeram os franceses.

Essa história começa em 2000, quando Eduardo Valente, professor de cinema da UFF, convidou o aluno Felipe Bragança para escrever na Contracampo, criada por ele, Valente, e pelo jornalista e pesquisador Ruy Garnier em 1998. Era um projeto pequeno, com a intenção de transformar uma "paixão pelo cinema" em textos críticos de ponta. Contando com recursos do Fundo Nacional de Cultura do MinC, a revista defende o cinema que não se submete às regras e à linguagem do mundo comercial. A crítica independente também se caracterizaria dessa forma, disponibilizando online uma vasta reflexão sobre cinema.

A amizade e o trabalho conjunto conduziram o professor e o ex-aluno ao set de filmagem. Felipe (como roteirista) e Valente (como diretor) fizeram os curtas-metragens Um Sol Alaranjado (2001) e Castanho (2002). O primeiro foi considerado o melhor curta-metragem no Festival de Cannes de 2002. O prêmio foi um estímulo à realização de um longa-metragem e a garantia da estreia na França. Foi o que aconteceu no mês passado, em Cannes, que exibiu No Meu Lugar (2009), com direção de Valente e roteiro de Felipe. O filme vai estrear no Brasil em julho.

Considerando-se mais crítico do que cineasta, Valente diz que o filme nasceu de um desejo de falar algo íntimo e coletivo ao mesmo tempo: sua relação com o Rio de Janeiro, onde nasceu e vive até hoje. Seria uma forma de expor e se contrapor às visões do Rio estabelecidas no cinema de cinco anos para cá — que mostram uma cidade em guerra entre traficantes e policiais —, assunto amplamente comentado em seus textos. Partindo dessa temática, mas tentando mudar o foco, No Meu Lugar retrata o enlaçamento de personagens a partir da montagem de três tempos diferentes, na história de um trágico encontro entre um policial, um assaltante e seu refém, resultando na morte deste.

Felipe também acaba de estrear um longa como diretor, A Fuga da Mulher Gorila (2009), feito em parceria com Marina Meliande, outra ex-aluna da UFF. Em janeiro deste ano, o filme ganhou o prêmio do Júri da Crítica da Mostra de Cinema de Tiradentes, em Minas Gerais. A produção se pautou em um processo criativo muito curioso: a equipe conviveu por oito dias dentro de uma Kombi — casa e veículo da personagem mulher gorila e sua assistente. O filme, uma espécie de road movie sobre o subdesenvolvimento dessa arte performática meio circense, reflete o apreço pelo "cine-guerrilha", de baixíssimo orçamento e ousadia na linguagem, que Felipe defendeu em muitos textos de crítica.

Em 2006, Valente e Felipe trocaram a Contracampo pela Cinética, outra revista virtual que milita em defesa da produção independente, mas de forma menos acadêmica, com entrevistas com diretores antes do lançamento de seus filmes no circuito, agenda de cinema e cobertura de festivais, mesmo os grandes como o de Cannes — neste ano, feita por Eduardo Valente. Para a Cinética também foi, na ocasião, o casal Cléber Eduardo e Ilana Feldman, críticos que são parceiros de criação cinematográfica: ambos codirigiram os curtas Almas Passantes (2008) e Rosa e Benjamin (2009). Sobre a parceria, Ilana comenta: "É um exercício de diálogo, de negociação e de aprendizagem fantástico, além de tornar a criação e a reflexão territórios menos solitários".

Na Contracampo, a saída de Valente e Felipe foi compensada em parte pela chegada de Luiz Carlos Oliveira Jr., outro estudante da UFF. Em um polêmico texto publicado em março de 2009, A Publicidade Venceu, ele cobrou responsabilidade dos críticos com a formação de cinematografias mais artísticas e menos publicitárias, pedindo um papel mais ativo de quem reflete sobre cinema. "A diferença entre uma atividade e outra (o mero debate e a crítica responsável), assim como a diferença entre o cinema e a publicidade, é o que precisa urgentemente ser resgatado", diz no texto. Com esse posicionamento, dirigiu um curta-metragem, O Dia em que não Matei Bertrand (2008), baseado em um conto de seu escritor favorito, Sérgio Sant'Anna.

A QUESTÃO DA AUTORIA
Na UFF também surgiu Conceição — Autor Bom É Autor Morto (2007), dirigido por cinco alunos, entre eles Daniel Caetano, crítico tanto da Contracampo quanto da Cinética. Produção coletiva, o filme questiona a ideia tradicional de autoria no cinema, não só na forma de criação, mas também pela temática: as personagens, enfurecidas com seus autores representados na narrativa, os matam no bar onde tomam a fictícia cerveja Conceição, passando a inventar suas trajetórias.

Essa questão da autoria começou, justamente, na Nouvelle Vague, como forma de afirmar diretores que desejavam fazer cinema como expressão artística, fossem contemporâneos ao movimento ou mais antigos, pertencentes à indústria do cinema ou independentes. Criou-se na Cahiers du Cinéma a "política dos autores", uma estratégia cujos efeitos foram distorcidos mundo afora, fato admitido na década de 1980 pelos próprios críticos da revista. A distorção corresponde às tentativas de enquadrar, até hoje, o que seria um cinema de autor.

Eduardo Valente prefere o termo "cinema como arte", a fim de tirar a discussão do campo intelectual e transportá-la ao "lugar da paixão", que é, segundo ele, o que realmente interessa. Fazer cinema é, no caso do grupo carioca, um encontro entre amigos, Eduardo Valente e Felipe Bragança; entre um casal, Cléber Eduardo e Ilana Feldman; entre colegas de faculdade, Daniel Caetano e Luiz Carlos Oliveira Jr., que realizaram seus filmes com a participação da turma da UFF, codirigindo com Guilherme Sarmiento, André Sampaio, Cynthia Sims, Samantha Ribeiro e Ives Rosenfeld.

O que se pode notar, para além da autoria, são os diálogos entre textos e filmes. De Eduardo Valente destaca-se a busca incansável por virtudes nas atitudes humanas, não por falhas. Em cada filme que critica, ele procura um ponto para levar uma questão adiante; nenhum filme é perdido. Em seus curtas, gestos de afeto são destacados, como, por exemplo, em Um Sol Alaranjado, em que se veem os cuidados de uma mulher para com o pai doente. Felipe Bragança, por sua vez, transmite sua militância escrita pelo cinema jovem e independente para seu modo barato de produção, o "cinema de guerrilha".

O filme de Luiz Carlos baseado no conto de Sérgio Sant'Anna se destaca por câmeras estáticas e de longa duração, na observação aflitiva de um homem que se prepara para matar outro. Trata-se de um enquadramento que dialoga com o olhar do crítico, preciso e silencioso para observar cada detalhe do que se passa na cena, que, pela longa duração, se explicita em cada canto. Essa estética pode também ser encontrada nos curtas de Valente, no longa de Felipe e em Rosa e Benjamin, de Cléber e Ilana. Neste último, o casal de diretores cria outro casal, a ser observado na intimidade da rotina doméstica.

Cada um a seu modo, nos diferentes textos e filmes, esses críticos-cineastas são grandes estimuladores da produção experimental jovem e consolidam esse estímulo também por meio da participação em festivais, cineclubes e mostras, principalmente a de Tiradentes, da qual Valente, Cléber e Luiz Carlos são curadores. Todos eles, além disso, ou dão aulas em cursos de cinema ou fazem pós-graduação na área.

Assim, a paixão pelo cinema que a "missão carioca" cultiva equivale ao sentimento transformador dos participantes da Nouvelle Vague francesa. A cinefilia atua em suas vidas como combustível para expandir, cada vez mais, a reflexão em veículo de acesso gratuito, a exibição fora de circuito tradicional e a produção independente.

Resposta dos diretores

Nouvelle Vague Brasileira: Onde, quem, quando?
Na reportagem da Bravo, a enunciação se torna enunciado
por Cléber Eduardo e Eduardo Valente

Idéias só podem ser expressas em forma de idéias. Nos meios de comunicação, regidos, segundo Gilles Deleuze, pela reivindicação imperativa da crença em palavras e imagens como a verdade sobre algo, não existem idéias. Só há palavras de ordem clamando por crença. Deveríamos saber disso quando uma parte dos integrantes de Cinética aceitou ser transformada em personagem da revista Bravo. Pauta: os críticos cineastas.

Em uma reportagem sobre alguns desses críticos, a revista classifica o grupo como “Nouvelle Vague Brasileira”. Para justificar a analogia, comete-se erros não de idéias, mas de informações mesmo: falsas objetividades, com sentidos diversos. Afirma-se que Eduardo Valente foi professor de Felipe Bragança na UFF, quando sequer é (ou foi) professor nesta universidade. Ou que Daniel Caetano é "parceiro de trabalho nos sets" de Luiz Carlos Oliveira Jr, o que nunca ocorreu. E, se Cléber Eduardo e Ilana Feldman formam um casal, eles não se conheceram na UFF – onde Cléber nunca estudou, ao contrário do suposto pela Bravo. Trata-se de ficções nada baseadas em casos reais, jamais referidas na apuração pelos entrevistados. Logo entendemos que são relações criadas a fórceps para que a pauta faça sentido. Da mesma forma, é curioso que a matéria afirme uma "missão carioca", quando três dos seis entrevistados não só moram, como foram fotografados e entrevistados em São Paulo. Se Luiz Carlos e Ilana são cariocas de origem, Cléber é tão paulistano quanto se pode ser – ainda que, sabe-se lá como, seja botafoguense. Haveria vários outros exemplos a listar, mas fiquemos só com os mais gritantes.

Os erros de informação não ficam restritos, porém, ao nível biográfico de cada personagem da reportagem, e se aprofundam no nível das informações históricas. Alain Resnais é definido como parte da ala da Nouvelle Vague/Cahiers du Cinéma (a vertente dos críticos-cineastas), quando não exerceu atividade como crítico militante e, se pode ser considerado parte da cena da NV, não era próximo do mesmo grupo formado na revista. A reportagem parece ter confundido Resnais com Jacques Rivette, talvez o mais sólido dos críticos dessa geração e dos Cahiers nos anos 50-60, embora o menos conhecido pelo senso comum – mesmo o senso com lustro, como é o caso da Bravo. Da mesma forma, Agnès Varda, também contemporânea da Nouvelle Vague, nunca foi parte de deu núcleo duro, caso da turma dos Cahiers.

Não obstante os equívocos originais sobre quem são de fato os membros de cada grupo e como se dão suas relações, talvez a maior distorção venha mesmo da junção entre as partes. Na matéria, cada um dos personagens da reportagem aparece com um quadro onde se vê o rosto de um cineasta da Nouvelle Vague, como se cada cineasta francês nas mãos dos críticos brasileiros fosse seu ídolo, ou modelo a seguir; seus patronos ou paraninfos espirituais, digamos assim. No entanto, os personagens brasileiros da matéria, ao contrário da aparência criada pela enunciação (textos + fotos), não escolheram esses cineastas para segurar em suas mãos e, talvez, nem tenham intimidade maior com esses artistas – ao menos enquanto modelos, como imagens de determinadas “idéias e ideais” de cinema e crítica. Ao contrário: quando solicitados a segurar uma superfície transparente na sessão de fotos para a Bravo, foram informados textualmente que, naquele espaço quadrado, seriam projetadas imagens oriundas de seus próprios filmes. Nunca se falou numa centralidade da relação com a Nouvelle Vague – jamais no processo das fotos, mas também não na apuração, onde o movimento francês foi citado longinquamente. A pauta versaria sobre a especificidade dos filmes dirigidos pelos críticos, e da convivência num mesmo grupo entre diferentes atividades (crítica, realização, etc) do escopo cinematográfico.

Não sejamos puristas. É óbvia a possível aproximação acrítica entre um grupo de conhecidos que são críticos e realizadores de curtas ou longas e a liderança da Nouvelle Vague. Talvez haja o compartilhamento de uma idéia entre as partes – a do cinema como campo de reflexão e de expressão em sua forma crítica e por meio dos filmes -, mas para se chegar a uma justaposição trans-histórica, em nome de um slogan (Nouvelle Vague Brasileira), sem fundamentação possível, é preciso ignorar um abismo de diferenças de contexto nesse passo. Tanto a atuação dos críticos dos Cahiers nos anos 50 quanto seus filmes na Nouvelle Vague são especificidades de uma dada contingência histórica e cultural, na crítica e na realização, na França daquele pós-guerra, sem nenhum tipo de aproximação com as contingências, os ânimos e as ambições dos críticos e realizadores retratados na Bravo. Os franceses queriam reconfigurar o cinema francês dos anos 50 – e conseguiram em grande parte nos anos 60. Os críticos brasileiros que posam na foto da Bravo, nem isoladamente, nem como grupo, têm essa pretensão (ou as condições para exercê-la, se a tivessem).

Talvez nossas atividades sejam estreitas demais como alcance para figurar nas páginas da Bravo. Para justificar nossa presença lá, é preciso dar uma importância maior às nossas ações, nos classificar com um rótulo ao mesmo tempo nobre e banalizador – não apenas para a Nouvelle Vague, mas também para o grupo que, supostamente beneficiado com a etiqueta, acaba em um papel um tanto patético: o de uma turma de cinéfilos que se acha o próprio cinema. Menos, menos.

Para quem se relaciona com enunciações como sendo enunciados, o título de Nouvelle Vague Brasileira e as fotos dos cineastas nas mãos são mais que enunciações. Como efeito, são os próprios enunciados da reportagem. Para entendedor da comunicação, nós nos consideramos a NV versão BR, a NVBR, e nós nos comparamos aos cineastas das fotos. Eduardo Valente se acha Godard, Felipe Bragança se espelha em Truffaut, Daniel Caetano se considera Varda, Ilana Feldman tem parte com Chabrol, Cléber Eduardo ambiciona ser Resnais e o contracampista Luiz Carlos Oliveira é o próprio Rohmer. A enunciação que se torna enunciado.

Diante dessa lógica da comunicação, não das idéias, as citadas deformações no nível biográfico são de prejuízo menor. O que se torna uma questão, a ser colocada de forma direta, é uma outra coisa, anterior aos erros e aos equívocos: por que, afinal, aceitamos estar na Bravo? Para tentar expressar uma idéia em um espaço regido pelo imperativo da comunicação. Uma idéia de como agimos, como pensamos a crítica, o cinema, enfim, uma idéia de como nos pensamos. Para quê? Para ganhar visibilidade em um espaço com algum nível de legitimação, mesmo se um nível questionado por nós mesmos? Para fazer o quê com essa visibilidade e com essa suposta legitimidade? Haveria pragmatismo crítico nisso? Supondo que sim, outra pergunta: fazer o quê com essa rentabilidade da visibilidade? Que rentabilidade é essa? A que nos serve? Como nos serve?

Não podemos deixar de nos colocar essas perguntas se queremos de fato lidar com os efeitos das imagens. As imagens de nossas ações e de nossas idéias não são nossas ações e nossas idéias. São imagens. Elas dizem mais respeito a quem as veicula do que diz respeito a quem está supostamente veiculado. Quando somos imagens da Bravo, somos da Bravo, somos a própria Bravo. Não somos nossas imagens, nem as imagens são nossas, e isso não pode ser ignorado. Por nós mesmos, em primeiro lugar.

Junho de 2009

I SP Terror

2009-06-28T21:43:00.001-03:00

Essa notícia chega um pouco atrasada, mas ainda dá tempo de dar uma conferida. Acontece o I SP Terror - Festival Internacional de Cinema Fantástico.

Investindo no cinema de gênero, aqui mais especificamente, no fantástico e no terror, o festival é uma boa pedida para fugir daqueles de mais de produções mais "sérias" que acontecem durante o ano.

As produções vão de "trasheiras" de ótima qualidade como o nacional "Mangue Negro" até produções que já deram o que falar nos festivais do exterior como o sueco "Deixe Ela Entrar".

Muitas valem também pelos criativos títulos, como "Yoroi: o Zumbi Samurai", "Sex Galaxy", "Curtas Crypt Show" e o vencedor "Matadores de Vampiras Lésbicas".

O festival acontece até o dia 2 na Reserva Cultural e você encontra mais informações aqui.

A seguir você confere alguns trailers e imagens das produções. A todos os que se aventurarem, um ótimo divertimento.

I SP TERROR

Postos de venda de ingressos: Reserva Cultural Die Hard na Galeria do Rock

Ingresso: R$ 13 (inteira) / R$ 6,50 (meia)

Passaporte: R$ 50

Vale para 10 filmes, exceto para a abertura e encerramento.

Apenas o Fim

2009-06-14T21:50:00.001-03:00

Matheus Souza tinha 19 anos quando decidiu fazer o longa Apenas o fim como trabalho para o curso de cinema da PUC-RIO. Levando a sua idéia a quem estivesse disposto a ouvi-lá, e com o apoio de uma professora-produtora Marisa Leão, uma verba de mais ou menos 4 mil reais concedida pela PUC, mais o dinheiro arrecadado em festas, com familiares, etc., os equipamentos da faculdade e o cenário praticamente pronto (a própria PUC), o diretor realizou um filme que, antes de qualquer coisa, parece ser um extremo exercício de tudo o que de essencial fez parte de sua formação, dos filmes a cultura pop que o cercou e, mais ainda, da nossa.

A qualidade principal do filme de Matheus Souza não está tanto na qualidade do seu filme, de sua história. Aliás, ela é bem simples. Certo dia, namorada linda-extrovertida-alegre, (Érika Mader) chega para o namorado meio nerd-geek-intelectual (Gregório Duvivier) e diz que vai embora, que já planejava isso a uns 4 meses e que eles só tem uma hora para passarem juntos. Apesar de um desconcerto inicial do namorado, eles acabam aceitando a situação e dão início a uma longa conversa sobre o seu relacionamento, seja no passado, no presente ou no futuro. Espera um pouco, isso parece Antes do Amanhecer do Richard Linklater! Parece. Parece filme do Woody Allen! Parece também. E não são só eles, parece com filme do Domingos Oliveira, do Michel Gondry (com direito a citação de frase de Brilho Eterno de Uma Mente Sem Lembranças) e de uma infinidade de diretores, a maioria do cinema alternativo.

Mas se as referências podem só ser reconhecidas em determinados e por determinados tipos de públicos, o mesmo não pode se dizer da maioria dos temas sobre os quais conversam que o casal, entre uma “DR” e outra. De Cavaleiros do Zodíaco à Britney Spears, de Star Wars à The Strokes, de Godard à Transformers, chegando à genial definição da tamanha representação dos Backstreet Boys (eles seriam praticamente Os Beatles das boy bands), Matheus escreveu um texto que fala DE e PARA toda a geração que nasceu em meados de 80 e cresceu nos anos 90 e 00, numa avalanche assustadora de referencias. É impressionante, pois mesmo que alguém não entenda a citação a Godard por não conhecê-lo, no mínimo ele vai saber quem era a Britney Spears ou o Shiryu. Ninguém fica de fora.

Apenas o Fim chegou timidamente aos festivais no fim do ano passado, onde começou o burburinho ao seu redor. E essa “modesta” participação inclui os prêmios de Melhor filme do Júri Popular & Menção Honrosa do Júri Oficial no Festival do Rio 2008 e Melhor filme do Júri Popular na 32ª Mostra Internacional de São Paulo, além de ter sido selecionado para o Festival Internacional de Rotterdam (IFFR); Festival Internacional de Miami (Competição Ibero-Americana); Festival Off Câmera, em Krakow, Polônia; Festival de Cinema Brasileiro em Paris, França; Premiere Brazil, no MoMA, Nova Iorque.

Muito além de seus problemas técnicos (e eles estão lá) e narrativos (a história arrasta um pouco depois da metade), Apenas o Fim tem dois méritos essenciais: fala para toda uma geração (eu mesmo estou incluso nela) de alguém que ainda está dentro dela, ao invés de um olhar para o passado como geralmente encontramos. A própria crítica reconhece esse fato e, apesar de nem sempre entender as citações (principalmente os críticos da velha guarda), todos souberam muito bem entender que a mensagem que eles captariam, acima de tudo, seria que ali residia força de juventude. A segunda é a ousadia de Matheus Souza de realizar seu longa, e exatamente do jeito que gostaria, falando daquilo que entendia melhor e com o material que tinha em mãos. Falou do jeito que queria, a todos nós, a todos que, como ele, cresceram nas duas últimas décadas e chegaram a casa dos vinte, vinte e poucos anos.

Com tantas dificuldades na realização de filmes atualmente no Brasil, e com as possibilidades do digital, que este seja “apenas o começo”, para todos nós que amamos o cinema.

Passado Vivo

2009-06-06T17:31:00.000-03:00

No último sábado (30/05), aconteceu a re-inauguração do Cine Marabá, último dos integrantes da Cinelândia clássica do Centro de São Paulo, nos arredores do Largo Paissandu, fechado a quase 20 meses devido às reformas.

O projeto de restauração que o arquiteto Ruy Ohtake começou a desenvolver em 1999 preservou a fachada e o saguão principal, pois o edifício do Marabá é tombado, e tais estruturas não podem ser retiradas, no máximo, restauradas. Mas isso é só o que sobrou do Marabá que freqüentei assiduamente entre 2002 e 2005.

Transformado num Multiplex da Playarte, a antiga sala única de 1665 lugares deu lugar a cinco ambientes (salas), a maior com pouco mais de 400 lugares, e a menor com 122.

Ao entrar no local para fazer algumas gravações (coincidentemente, estou gravando um documentário sobre as velhas salas de cinema do Centro), uma mistura de estranheza e nostalgia tomou conta de mim enquanto eu me escondia por trás da câmera. O saguão principal era bem parecido, mas estava reformado, mais claro, com uma bombonière bem mais brilhante do que eu me lembrava. Agora há ali também as bilheterias com telas LCD mostrando a programação. A escadaria que dava acesso ao andar de cima, antes fechado, foi reaberta, e também mantém parte do aspecto original. E só.

Basta passar o saguão principal que adentramos por corredores mais escuros e coloridos. Faixas de cor lilás, verde, vermelho, nos levam em direção às salas. Paredes espelhadas divertem as crianças. Pequenos sofás de couro preto estão espalhados por alguns cantos. Escadas que descem para salas no nível inferior. Além disso, mais uma bomboniere que muito me lembrou as que encontramos nos Multiplex dos Shoppings.

Pudemos entrar em uma sala. Poltronas vermelhas, reclináveis e confortáveis. Paredes cobertas por um pano vermelho. Luzes amarelas em lustres finos que se assemelham a quadros. Um estilo um pouco diferente, mas nada que fuja dos padrões Cinemark ou UCI.

Difícil não me recordar da sala antiga. As poltronas pretas, feitas de um tecido fino e fofo, mas já tão gastos que em muitas era possível sentir a madeira da cadeira. A grande maioria apresentava algum rasgo. As caixas de som eram horríveis. Entendia-se um filme porque, ao ler a legenda, nosso cérebro “fingia” entender também o que falavam os personagens, mas se o filme fosse dublado... Lembro-me que a inclinação não funcionava mais tão bem e, ou se deitava na cadeira para ver o filme, ou se passava a sessão toda com a cabeça levantada, e arriscava uma possível dor de pescoço. A tela era bem grande. E o teto também. Descascando, com grandes manchas de infiltração e alguns fios pendurados, não deixava de ser uma imagem majestosa deitar-se nas poltronas e simplesmente ficar olhando para cima, para o teto infinito, enquanto o filme não começava. Havia um banheiro no qual, para se chegar, atravessava-se um caminho por trás da tela. A porta era no lado direito do ecrã. Sem luz, subia-se as escadas, passava-se por um portão cheio de tábuas e correntes, subia-se mais um pouco por uma escada que ia afinando, até chegar ao banheiro, completamente vazio. Era lindo de tão assustador que era. Mas estava abandonado. A maioria dos espectadores eram pessoas buscando algum refúgio de uma hora e meia. Lugar perfeito para jovens (como eu na época) acharem-se aventureiros daquele local que, de tão decadente, tornara-se tão exótico.

Quando a sala fechou, fiquei tão triste quanto quando fecharam o Ipiranga, ali, do outro lado da rua. Não tinha muitas esperanças de que ele fosse reaberto. Mas ele foi, como um Multiplex. Fica a questão de que até que ponto esse é uma alternativa válida. Dizem que o Cinemark há anos tem projeto semelhante para majestoso Cine Marrocos. Não sei, pensar nesses cinemas, na Cinelândia, é pensar numa experiência, numa vivencia de cinema que não existe mais a não ser na memória daqueles que puderam desfrutar dessa sensação. Eu mesmo, talvez, jamais saiba como seria assistir a um filme numa sala de mais de 1500 lugares lotada.

Em 1956, as salas de cinema levavam um público de mais de 58 milhões de espectadores. Só na Cinelândia, eram mais ou menos 20 salas de cinema.

Hoje em dia isso pode parecer um absurdo, mas já foi a realidade.

O Marabá está aberto novamente. Uma memória trazida de volta a vida. Resta saber o que fazer com as outras salas que ainda não se tornaram cinemas pornôs, igreja ou estacionamento, e que se encontram fechadas há anos. São anacronismos espaciais. Muitas estão lá, podemos vê-las, mas estão mortas também, perdem-se no meio do cenário, sem brilho, sem vida, distribuindo luz apenas na memória dos poucos que viram seus dias de ouro.

Novo endereço

2009-05-25T16:17:00.000-03:00

A Mansão Roswell passa por reformulação mas já pode ser acessada num novo endereço.

http://mansaoroswell.blogspot.com/

Nos vemos lá!

Mais Cannes...

2009-05-24T22:46:00.003-03:00

Ainda sobre o Festival de Cannes, que terminou nesse domingo com a Palma de Ouro indo para Das Weisse Band, de Michel Haneke, ficam os trailers de alguns do filmes do festival. A pergunta agora é quantos deles chegarão em terras tupiniquins.

Cannes 2009

2009-05-22T12:54:00.001-03:00

Acontece até o próximo dia 24 de maio, na riviera francesa, a 62ª Edição do Festival de Cannes. Cenário deslumbrante, tradição e a "nata" do cinema mundial. Diferente da desconfiança e picaretagem que cercam o Oscar (e um glamour mais nobre e menos afetado), Cannes tem tradição de ser o festival que melhor representa o cinema dito de arte. São figuras carimbadas por lá diretores de diferentes nacionalidades e que costumam frequentar os maiores festivais de cinema do mundo.

Especialmente nesse, não há muito espaço para novatos. Estão lá Ken Loach com seu "À Procura de Eric", estrelado pelo ex-craque do Manchester United Eric Cantona, Park Chan-Wook (que já ganhou por Oldboy) com seu filme sobre um padre-vampiro "Bak-Jwi", Jane Campion, que em 1993 venceu com "O Piano", volta com "Bright Star", Quentin Tarantino (que levou um chute direto para o sucesso no Festival em 1994, com seu Pulp Fiction, trazendo junto um esquecido John Travolta) apresenta seu filme sobre nazismo em Bastardos Inglórios, entre outros.

Há ainda o monumento Alan Resnais com seu filme Les Herbes Folles.

É dito que esta edição de Cannes traz temas extremamente sombrios. Além do filme de Chan-Wook, Lars Von Trier traz Anticristo, Johnnie To apresenta Vengeance, Sam Raimi da uma folga ao Homem-Aranha e volta aos tempos de Evil Dead, mostrando seu Drag Me To Hell, além de Michel Haneke, diretor do perturbador Violência Gratuita e de Caché, que traz "Das Weisse Band".

Na mostra Um Certo Olhar (dedicada a novos realizadores), Heitor Dhalia (Nina, O Cheiro do Ralo) chega envolto a expectativas com seu filme "À Deriva", que conta com Débora Bloch e o ator francês Vincent Cassel.

Francis Ford Copolla, esnobado pela competição principal, apresenta "Tetro" na Quinzena dos Realizadores, alegando uma "volta às origens" de seu cinema independente. (sei...)

A seguir, a programação oficial de Cannes 2009:

Filme de Abertura: "Up" de Peter Docter (fora de competição)

Filme de encerramento: "Coco Chanel et Igor Stravinsky" de Jan Kounen (fora de competição)

Seleção oficial dos filmes que concorrem à Palma de Ouro

-- "Los Abrazos Rotos" de Pedro Almodovar (Espanha)

-- "Fish Tank" de Andrea Arnold (Inglaterra)

-- "Un Prophete" de Jacques Audiard (França)

-- "Vincere" de Marco Bellocchio (Itália)

-- "Bright Star" de Jane Campion (Nova Zelândia)

-- "Map of the Sounds of Tokyo" de Isabel Coixet (Espanha)

-- "A l'Origine" de Xavier Giannoli (França)

-- "Das Weisse Band" de Michael Haneke (Alemanha)

-- "Taking Woodstock" de Ang Lee (Taiwan-EUA)

-- "Looking for Eric" de Ken Loach (Inglaterra)

-- "Spring Fever" de Lou Ye (China)

-- "Kinatay" de Brillante Mendoza (Filipinas)

-- "Soudain le Vide" de Gaspar Noe (França)

-- "Bak-Jwi" de Park Chan-wook (Coreia do Sul)

-- "Les Herbes Folles" de Alain Resnais (França)

-- "The Time That Remains" de Elia Suleiman (Palestina)

-- "Inglourious Basterds" de Quentin Tarantino (EUA)

-- "Vengeance" de Johnnie To (Hong Kong)

-- "Visages" de Tsai Ming-Liang (Malásia)

-- "Antichrist" de Lars von Trier (Dinamarca)

Fora de competição

-- "The Imaginarium of Doctor Parnassus" de Terry Gilliam (EUA)

-- "Agora" de Alejandro Amenabar (Espanha)

-- "L'Armee du Crime" de Robert Guediguian (França)

Sessões da meia-noite

- "A town called panic" de Stéphane Aubier e Vincent Patar (Bélgica)

- "Drag me to hell" de Sam Raimi (EUA)

- "Ne te retourne pas" de Marina de Van (França)

Sessões especiais

- "My neighbor, my killer" de Anne Aghion (França)

- "Manila" de Adolfo Alix Jr e Raya Martin (Filipinas)

- "Min ye" de Souleymane Cisse (Mali)

- "L'épine dans le coeur" de Michel Gondry (França)

- "Petition" de Zhao Liang (China)

- "Kalat Hayam" de Keren Yedaya (Israel)

Indicados do "Un certain regard"

- "Mother" de Bong Joon Ho (Coreia do Sul)

- "Irène" de Alain Cavalier (França)

- "Precious" de Lee Daniels (EUA)

- "Demain dès l'aube" de Denis Dercourt (França)

- "À deriva" de Heitor Dhalia (Brasil)

- "Kasi az gorbehaye irani khabar nadareh" de Bahman Ghobadi (Irã)

- "Los viajes del viento" de Ciro Guerra (Colômbia)

- "Le père de mes enfants" de Mia Hansen-Love (França)

- "Amintiri din epoca de aur" de Hanno H¶fer, Razvan Marculescu, Cristian Mungiu, Constantin Popescu e Ioana Uricaru (Romênia)

- "Skazka pro temnotu" de Nikolay Khomeriki (Rússia)

- "Dogtooth" de Yorgos Lanthimos (Grécia)

- "Tzar" de Pavel Lunguin (Rússia)

- "Independencia" de Raya Martin (Filipinas)

- "Politist, adjectiv" de Corneliu Porumboiu (Romênia)

- "Nang mai" de Pen-Ek Ratanaruang (Tailândia)

- "Morrer como um homem" de Joao Pedro Rodrigues (Portugal)

- "Eyes wide open" de Haim Tabakman (Israel)

- "Samson and Delilah" de Warwick Thornton (Austrália)

- "The silent army" de Jean Van de Velde (Holanda)

- "Air Doll" de Hirokazu Kore-Eda (Japão)

Cinema Escrito

2009-05-21T09:15:00.004-03:00

Para alguém que se dedica quase que inteiramente ao estudo das imagens, sintetizar as idéias num único texto não é uma tarefa das mais fáceis. A velocidade é tamanha dentro dos fluxos de informação e as novas conexões de nosso cérebro já estão tão acostumadas com tal velocidade que o corpo praticamente grita ao menor sinal de relativa pausa.

A escrita é uma pausa, é um exercício de raciocínio e descanso. É também uma forma de expressão que passa por um momento de transição. Diante dos recursos das novas tecnologias e nas cada vez mais rápidas transformações em todo o nosso redor – e mesmo dentro de nosso micro - universo - orgânico –, fica uma interrogação para saber para onde caminha a escrita.

Meu grande assunto é o cinema e já há algum tempo sinto a necessidade de escrever sobre esse assunto. Sou estudante de comunicação e tenho o cinema como interesse específico e como grande paixão. Assisto a uma quantidade absurda de filmes, muito maior do que um espectador comum, ainda que não chegue perto dos cerca de seiscentos a oitocentos títulos que críticos como Rubens Ewald Filho ou Pablo Vilhaça assistem por ano. Fico na casa dos duzentos, mais ou menos. Diante dessa realidade, é impossível encontrar pessoas suficientes para discutir cada um dos títulos, mesmo porque nem todos são realmente dignos de alguma discussão, ainda que, mesmo com filmes “feijão-com-arroz”, haja também uma seleção.

Escolhi abrir esse espaço com um duplo objetivo. O primeiro é deixar registradas minhas reflexões a respeito do cinema, seja através de críticas e análises de filmes, de diretores, de trabalhos de cunho audiovisual, entre outros. O segundo é tentar identificar dentro do exercício da escrita, como minha visão se estabelece a respeito de meu objeto de estudo. Resumindo, é um exercício de síntese.

Para isso, convido você que está lendo a embarcar nesse exercício conjunto de mergulho no universo cinematográfico para que possamos desvendar o que existe por trás do universo das imagens e da inventiva mente de seus realizadores. Possivelmente, durante esse processo, acabemos esbarrando em nós mesmos e as surpresas desta descoberta podem acabar sendo muito prazerosas, assim como a experiência do cinema.

Bem vindo

2009-05-20T21:27:00.001-03:00

Bem vindo a todos, esta é a nova versão da Mansão Roswell. Por razãos de integração, acabei migrando para o blogspot e deixei, por ora, o endereço no wordpress em descanso.

Após algum tempo em recesso, pretendo voltar a ativa com o exercício de, no mínimo, um post por semana. A novidade vem por conta de que, provavelmente, ainda que o cinema seja o assunto principal, outros assuntos relacionados a cultura podem aparecer eventualmente.

Espero que todos gostem e continuem por aqui.

Aos filmes então.

Festival Sesc de Melhores Filmes

2009-04-13T21:38:00.000-03:00

Acontece nesse mês de abril, do dia 9 ao dia 30, no Cinesesc de São Paulo, o Festival Sesc de Melhores de Filmes eleitos pelo público e por críticos de cinema.

Também haverá uma exposição do artista visual Mike Mike: Tela e Platéia - 35 anos de melhores. O projeto de Mike Mike, intitulado "Face of Tomorrow" (A Cara do Amanhã), homenageia o público freqüentador do CineSESC ao captar uma centena de imagens de pessoas e fundi-las.

São 54 títulos e uma boa oportunidade de ver ou de rever alguns filmes que passaram pelas salas de cinema em 2008.

Entre opções conhecidas e títulos que passaram batido pelas salas de cinema, vale a pena. O único problema fica por conta do ingresso que subiu de R$ 4,00 para R$ 8,00 (estudantes, professores e idosos pagam meia).O pessoal do Cinesesc percebeu que os festivais vêm se tornando uma boa oportunidade de lucrar . Malditos... ¬¬’

Abaixo segue a programação (em negrito estão os filmes que conferi no ano passado).

35ª Festival SESC Melhores Filmes

Cinesesc

Rua Augusta, 2075, Cerqueira César

0/xx/3087-0500

De 9 a 30 de abril

Ingressos: R$ 4 a R$ 8

Passaporte 15 filmes: R$ 20 a R$ 80

Programação Completa:

9/4, quinta-feira

14h30 - Personal Che

17h – Um Beijo Roubado

19h - Era uma Vez

21h30 - Vicky, Cristina Barcelona

10/5, sexta-feira

14h30 - Quando Estou Amando

17h - Juno

19h - O Segredo do Grão

21h30 - Encarnação do Demônio

11/4, sábado

14h30 - O Garoto Cósmico

17h - Persépolis

19h - Batman - O Cavaleiro das Trevas

21h30 - Linha de Passe

12/4, domingo

14h30 - Wall-E

17h - Paranoid Park

19h - Nome Próprio

21h30 - Onde os Fracos Não Têm Vez

13/4, segunda-feira

14h30 - O Caçador de Pipas

17h - Senhores do Crime

19h - Meu Nome Não é Johnny

21h30 - Não Estou lá

14/4, terça-feira

14h30 - Falsa Loura

17h - Vicky Cristina Barcelona

19h - Luz Silenciosa

21h30 - Um Conto de Natal

15/4, quarta-feira

14h30 - Sicko

17h - Longe Dela

19h - Meu Nome não é Johnny

21h30 - Onde os Fracos Não Têm Vez

16/4, quinta-feira

14h30 - Linha de Passe

17h - Falsa Loura

19h - Não Estou Lá

21h30 - 4 Meses, 3 Semanas e 2 Dias

17/4, sexta-feira

14h30 - O Escafandro e a Borboleta

17h - Cana Quente

19h - Os Desafinados

21h30 - Ensaio sobre a cegueira

18/4, sábado

14h30 - Chega de Saudade

17h - Pecados Inocentes

19h - A Questão Humana

21h30 - Encarnação do Demônio

19/4, domingo

14h30 - Batman - O Cavaleiro das Trevas

17h - Senhores do Crime

19h - Linha de Passe

21h30 - Não Estou Lá

20/4, segunda-feira

14h30 - Serras da Desordem

17h - Vicky Cristina Barcelona

19h - Gomorra

21h30 - Leonera

21/4, terça-feira

14h30 - O Escafandro e a Borboleta

17h - Feliz Natal

19h - 4 Meses, 3 Semanas e 2 Dias

21h30 - Última Parada 174

22/4, quarta-feira

14h30 - A Questão Humana

17h - Mistério do Samba

19h - Uma Garota Dividida em Dois

21h30 - Na Natureza Selvagem

23/4, quinta-feira

14h30 - Bezerra de Menezes

17h - Pan-Cinema Permanente

19h - Batman - O Cavaleiro das Trevas

21h30 - Juno

24/4, sexta-feira

14h30 - Pecados Inocentes

17h - O Signo da Cidade

19h - Sweeney Todd: O Barbeiro Demoníaco

21h30 – Crepúsculo (??!!)

25/4, sábado

14h30 - Leonera

17h - Persepólis

19h - A Questão Humana

21h30 - Estômago

26/4, domingo

14h30 - Wall-E

17h - Uma Garota Dividida em Dois

19h - Feliz Natal

21h30 - Short Bus

27/4, segunda-feira

14h30 - Mistério do Samba

17h - Vingança

19h - Ensaio Cegueira

21h30 - Signo da Cidade

28/4, terça-feira

14h30 - Silêncio de Lorna

17h - Personal Che

19h - Cleópatra

21h30 - Short Bus

29/4, quarta-feira

14h30 - Cana Quente

17h - Senhores do Crime

19h - Serras da Desordem

21h30 - Sweeney Todd: O Barbeiro Demoníaco

30/4, quinta-feira

14h30 - Crepúsculo

17h - Feliz Natal

19h - Paranoid Park

21h30 - Última Parada 174

http://www.sescsp.org.br/sesc/hotsites/melhores_filmes/index.cfm?edicao=2009

Só uma prévia...

2009-04-06T21:16:00.000-03:00

Estão sendo dias cheios, e acabei diminuindo drasticamente o número de postagens. Mas as coisas estão se acalmando e tentarei voltar ao objetivo de, no mínimo, um post por semana.

Por enquanto, deixo um trailer que não é nada menos do que lindo. Onde Vivem Os Monstros é o novo filme do diretor Spike Jonze (de Adaptação e Quero Ser John Malkovich) baseado no livro infantil do autor Maurice Sendak. Publicado originalmente em 1963, o livro acompanha Max, um garoto malcriado mandado para a cama sem jantar. No quarto, ele começa a imaginar um mundo exótico, a terra de Wild Things, povoado por criaturas selvagens estranhas, que recebem o menino como seu regente.

Trailers não salvam filmes, aliás, não é raro passarem uma idéia totalmente errada ou serem prévias muito melhores do que seus resultados finais. Mas não custa nada sonhar, assim como faz o garotinho Max. ;-)

Entre Os Muros da Escola

2009-04-06T21:03:00.000-03:00

Saí pesado da sessão de Entre Os Muros da Escola, exausto, com dificuldade de ligar alguns raciocínios. Percebi que o filme exigira demais de mim, que por quase duas horas tentei em vão encontras certos e errados para poder dormir com a consciência tranqüila. Felizmente, eu não encontrei nenhuma resposta cômoda.

Entre Os Muros da Escola, do diretor Laurent Cantet, mostra o dia-a-dia de um professor de francês e sua turma da 7ª série de um colégio público na França. Os alunos representam a pluralidade étnica resultante tanto da globalização quanto dos tempos da França colonizadora. Nesse aspecto, o filme mostra-se bastante atual, não se esquecendo do preconceito que cada grupo expressa a respeito do outro, ainda que maquiados pela imaturidade dos jovens.

Não há muito que dizer de “história”, pois o filme se desenvolve ora por fatos específicos que desencadeiam ações posteriores, ora por fatos isolados de algum dia qualquer durante o ano letivo.

Isso reforça a opção pela imparcialidade do diretor Cantet, ainda que acompanhemos o professor François Marin por todo o filme. Na verdade, mesmo que tente seguir o rigor das regras do seu trabalho, parece que Marin é um dos poucos que consegue enxergar o outro lado, o do aluno.

É essa questão que transforma o filme num exercício tão difícil. Provavelmente, se eu o tivesse assistido há 5 anos, não seria tão difícil escolher um lado como é agora. O filme nem mesmo parece exigir isso. A proposta é de representar o pequeno universo que dentro dos muros de uma escola – a única cena exterior é a do começo do filme, quando Marin toma seu café numa lanchonete - e como se relacionam seus principais habitantes, alunos e professores, que por si só já compõe mais dois outros universos que é o dos jovens adolescentes e o dos adultos. Para explicitar essa situação: a cena do professor que entra na sala dos professores esbravejando seus alunos e desabafando sobre suas frustrações enquanto seus colegas apenas o ouvem solidariamente até que, sozinho, ele se acalma; no outro lado, os alunos se juntam em protesto contra a possível expulsão de um colega, que protagoniza momentos de céu e inferno no mesmo ano.

Existe um balanço de forças durante o filme. Se os jovens são inexperientes e imaturos, não deixam de ser cruéis em suas palavras ou ações, assim como os professores que se dedicam à educação, mas esbarram na necessidade de cumprir as leis que lhes impõe as instituições da sociedade.

O grande objetivo (e problema) da comunicação acaba mesmo sendo o “outro”, a necessidade de se fazer entender pelo outro. Se a intenção era explicitar esse imenso ruído na comunicação entre professores e alunos, na difícil tarefa de conduzir a educação nas escolas (principalmente as não-particulares), o sentido ficou bem claro.

Público de cinema

2009-03-19T08:47:00.000-03:00

Breve matéria divulgada no site da Veja (!!! não me xinguem).

Classe C e cinema: afastados pelo ingresso

Por Maria Carolina Maia

Recentemente, o cineasta Fernando Meirelles contou que, quando pensa em fazer um trabalho para o público brasileiro, prefere a TV. "Nem todo mundo pode ir ao cinema, mas quase todo mundo tem televisão em casa", explicou. A declaração reflete um dos maiores obstáculos do cinema nacional, na visão dos profissionais de mercado: o valor do ingresso dificulta o acesso do público às salas - especialmente da classe C. "E esse é um público potencial do cinema nacional", afirma Manoel Rangel, diretor-presidente da Agência Nacional do Cinema (Ancine).

Em São Paulo, por exemplo, paga-se em torno de 20 reais para ver um filme na tela grande. Quando se considera o custo do pacote transporte-entrada-pipoca, a barreira cresce.

Cinema em casa - Para Rangel, duas medidas permitiriam que o preço do ingresso caísse. Primeiro, a moralização do uso da meia-entrada, com a redução do volume de carteiras de estudantes falsificadas. Segundo, a expansão do número de salas. Além de pequeno, o parque exibidor brasileiro tem baixa capilaridade. São cerca 2.200 salas em todo o país, concentradas em três pólos, todos próximos: a cidade de São Paulo (com 10% dos cinemas), a cidade do Rio e o interior paulista. E, mesmo nesses mercados, há concentração de salas em shoppings centers.

"Quem ganha um salário mínimo nem passa perto dos shoppings, quanto mais das salas da rede Cinemark", reclama o roteirista e diretor Paolo Gregori. "Assistir a um DVD em casa com a família é muito mais barato", diz Maurício Ramos, produtor da VideoFilmes.

'Ciclo virtuoso' - Outra consequência do diminuto parque exibidor é que ele acaba por limitar a produção doméstica. Para o professor João Guilherme Barone, coordenador do Departamento de Produção Audiovisual da Pontifícia Universidade Católica do Rio Grande do Sul (PUC-RS), esse é mais um entrave para o cinema nacional. "O mercado exibidor está encolhido, só atende a 5% da população, e há um embate enorme para fazer circular os filmes brasileiros, o que é um absurdo, mas é real."

A questão, em tese, é simples: se as salas de exibição fossem mais numerosas e mais bem distribuídas, poderiam receber uma plateia maior, em todo o país. O aumento na venda de ingressos, por sua vez, permitiria uma queda no preço das entradas - viabilizando um incremento na demanda e na produção. De acordo com Ramos, da VideoFilmes, longas de ficção precisam de 150.000 espectadores para dar retorno ao produtor. Para dar lucro, é preciso passar, pelo menos, de 300.000 pagantes. Ou, com segurança, de 500.000.

Produção x crise - Rangel, da Ancine, aponta ainda outros obstáculos a serem superados pela produção cinematográfica nacional. "É preciso que os nossos produtores saibam com que parcela do público querem dialogar e os distribuidores, como atingi-la." Segundo ele, a agência não estipula metas para a participação brasileira na bilheteria, mas procura estimular a produção. No final de 2008, a Ancine lançou o Fundo Setorial do Audiovisual (FSA), que neste ano deve injetar 74 milhões de reais no mercado. Além disso, o mecanismo de incentivo - principal fonte de recursos dos produtores locais - pode irrigar o setor com cerca de 150 milhões de reais.

Esta, aliás, é uma questão que preocupa alguns representantes do mercado. Para Bruno Wainer, da distribuidora Downtown Filmes, neste ano a produção nacional pode padecer de uma redução de recursos, por conta da crise. "Se as empresas lucrarem menos, pagarão menos impostos e haverá menos dinheiro para captar", resume. A questão é um efeito do principal mecanismo de fomento do cinema doméstico: a renúncia fiscal, pela qual as empresas abatem do imposto de renda devido aos cofres públicos o montante que investem nas produções nacionais.

Lula - Rangel admite que o perigo de redução de recursos existe. Mas sustenta o discurso do governo federal, segundo o qual o Brasil, no meio da pneumonia global, vai pegar no máximo um resfriado - uma espécie de versão cinematográfica das metáforas do presidente Lula. "Há de fato a hipótese de que este ano, por causa da crise, a captação diminua. Mas, embora cresça menos, o Brasil vai continuar se expandindo. Então, as empresas vão ter dinheiro de renúncia fiscal para investir em cinema."

Ele garante ainda que há projetos que já concluíram sua captação de recursos no final de 2008, em meio à instabilidade financeira internacional. É o caso de Luz nas Trevas, a continuação de O Bandido da Luz Vermelha, produzido pela atriz e diretora Helena Ignez, viúva de Rogério Sganzerla - que rodou o longa original e escreveu o roteiro do segundo. Agora, o personagem-título é encarnado pelo cantor Ney Matogrosso. A direção é dividida entre Helena e Ícaro Martins.

O Lutador

2009-02-25T19:40:00.000-03:00

Uma das palavras que parecem vir à mente quando se lê a sinopse do filme O Lutador é a palavra redenção. Homem que já teve seus dias de glória no passado e agora caminha no esquecimento recebe uma segunda chance de reparar alguns erros e voltar ao topo. Seria uma típica história de reparação, não fosse um importante fato: a tal redenção chega sim afinal, mas para o diretor Darren Aronofsky e com ainda mais força para seu ator protagonista, Mickey Rourke. E a segunda chance do lutador do título, bem, apesar das aparências, não há segundas chances aqui.

Randy “The Ram” Robinson (Mickey Rourke) teve seu auge como lutador de wrestling (luta - livre por aqui) na década de 80, e foi caindo no esquecimento durante as décadas seguintes. Vive agora da fama do passado, respeitado por todos os companheiros e sendo aclamado nos pequenos ginásios ou ringues improvisados onde ainda consegue “atuar”. Após uma luta, Randy tem um enfarte, e é aconselhado a não lutar mais, pois seu coração, após anos de bebidas, lutas, uso de anabolizantes e tudo o mais que o instinto autodestrutivo do personagem pudesse suportar, está agora fraco demais e não se sabe até que ponto pode agüentar. Aparece aqui a oportunidade para que ele refaça sua vida, se aproximando da filha Stephanie (Evan Rachel Wood) que negligenciou durante anos, da stripper Cassidy (Marisa Tomei) e que se estabeleça em seu emprego “normal” no setor de frios e açougue de um supermercado. Mas estamos na época da comemoração de vinte anos da luta entre The Ram e o “Aiatolá”, ponto máximo de sua carreira, e um festival será organizado para oferecer a revanche. Randy vê aqui a oportunidade de resgatar os anos gloriosos.

A premissa é simples e, aparentemente, até clichê, mas ao se assistir ao filme, percebe-se estar diante de uma obra de qualidade única no cinema, a começar pelo seu personagem. Randy não está em busca de redenção, quer apenas fazer o que gosta, a única coisa que o faz se sentir vivo, mas quando o médico o aconselha a não lutar mais, ele é obrigado a olhar para a força do tempo que passa, para o próprio caminho que trilhou e para a vida que levou nos últimos vinte anos. Perceber que o personagem, ao longo do filme, vai tomando consciência de que o tipo de vida que leva e seus valores pertencem à outra época é tocante, pois Randy ama de verdade o “seu tempo”, mas é obrigado a caminhar por aí como uma relíquia, como espólio de algo que já passou. Se hoje em dia ele simplesmente vaga por aí, não há forma melhor de mostrar isso do que com a câmera na mão. Ela o segue por todos os lados, permitindo que ele escolha o caminho, o que reforça o sentimento de deslocamento, uma vez que são longos os corredores pelos quais ele costuma passar.

O contraste de O Lutador com os outros filmes da carreira de Darren Aronofsky é assustador. Se ele apostava numa linguagem extremamente fragmentada e psicológica em Pi e Réquiem Para Um Sonho, ou pela fantasia estética- visual e introspecção em Fonte da Vida, aqui o clima é mais seco, as cores, com exceção dos “colantes” dos lutadores e do sangue, são frias, tudo é excessivamente duro, tudo excessivamente pesado, como a carga que Randy carrega. Mas é ainda mais impressionante encontrar nesse cenário áspero, espaços para o simbolismo. Quando se pensa que a aposta seria em mais uma obra calcada no que parece ser lei hoje em dia, o realismo, há a cena do corredor onde The Ram veste seu “uniforme” de trabalho, atravessa os corredores escuros, se alonga fisicamente, o grito do público cresce numa constante, ele hesita por alguns instantes e... tudo se silencia, pois ao invés do ringue, temos o balcão do supermercado. Doído demais. Em 2006, Aronosky saiu injustamente sobre um mar de vaias por Fonte da Vida. Críticos de todo o mundo acusaram o jovem diretor de perder a mão (isso apenas em seu terceiro filme), que ele era pretensioso e que nunca mais faria nada na relevância de Réquiem... e Pi. Saiu em 2008 com o Leão de Ouro em Veneza e, só não foi indicado à melhor diretor e melhor filme em outras categorias porque as organizações não cessam de fazer injustiças a torto e a direito (Christopher Nolan que o diga).

Não por acaso, após Veneza, a divulgação de O Lutador se focou na interpretação de Mickey Rourke. Numa escalada freqüente de bons papéis na década de 80, trabalhando com bons diretores e sendo correto em suas atuações, o ex-galã entrou na década seguinte fazendo uma série de escolhas erradas. Abandonou a carreira no cinema para se dedicar ao boxe, fez muitas plásticas, envolveu-se em escândalos dos mais diversos e, quando tentou retornar ao ofício de ator, fez algumas escolhas equivocadas. Mas nos últimos anos, começou a ser relembrado por alguns diretores e, se o Marv de Sin City lhe rendeu certa atenção, é apenas com o filme de Aronofsky que ele retorna definitivamente a atuação, no desempenho de sua vida. Até poderia se valer da máxima de que a vida se confunde com a ficção em O Lutador, porém, Randy não é Rourke, mas Rourke sabe que poderia ser Randy. É preciso coragem para olhar para a própria vida e rever as decisões erradas que se tomou. Em seus discursos de agradecimento pelos prêmios que vêm colhendo pela sua atuação no filme, Rourke não deixa de lado o passado e reafirma que está buscando seu caminho novamente, assumindo problemas das decisões que tomou na última década. 90´s sucks! diz Randy, 90´s sucks! deve pensar Mickey Rourke. Sua entrega física ao personagem The Ram é tão impressionante quanto os limites físicos que podem chegar os lutadores de wrestling para entreter o seu público (como cortar a si mesmo). E seu olhar diz tanto quanto suas palavras, que não são menos fortes. “Sou apenas um pedaço moído de carne, e mereço ficar sozinho. Só não quero que você me odeie” diz ele a sua filha Stephanie. Ou quando ele conta sofre seu enfarte para a personagem de Marisa Tomei (linda e perfeita no papel) e ela apenas diz que vai ficar tudo bem, mas que ela tem que voltar ao trabalho. Quanto ao olhar, difícil não se comover com o terror nos olhos de Randy ao constatar, numa espécie de convenção da velha guarda da luta - livre, que seus companheiros estão todos velhos, decadentes, sozinhos, com a saúde comprometida, quase como se encarasse um espelho colocado forçadamente a sua frente.

O ritmo do filme varia entre o intenso e o pacato, mas há algo ali que conduz o espectador o tempo todo, sem que se saiba ao certo o que é isso. O brilhantismo da fita de Darren Aronofsky e Mickey Rourke espera até os seus últimos minutos para se revelar. E é num momento catártico onde, enquanto Randy se agiganta, somos colocados finalmente à distância, apenas para assistir ao momento e permitir que o personagem viva aquela emoção sozinho, que tudo o que foi mostrado até aquele momento se torna inesquecível. Não me lembro de um final tão coerente e que dê tanto sentido a tudo o que foi construído até então. É o momento de redenção do diretor, que não devia nada a seus críticos, mas deve ter tido sua auto-estima tão abalada que precisava provar algo a si mesmo. É o momento de redenção do ator, que não só precisava provar algo a si mesmo, quanto desejava agradecer a todas as pessoas que um dia acreditaram nele, além daqueles que nunca o abandonaram.

Mas não é a redenção de Randy “The Ram” Robinson. Seu tempo já passou, ele já fez demais. Só o que importa agora é aquela sensação, aquele momento, aquilo que ele sabe fazer. O que vier depois não importa. Ele nos deixa comovidos com sua presença, nos dá força, e deixa para nós a última palavra, o último grito. Pois ele é apenas um lutador.

Fica na letra da linda canção de Bruce Springsteen o que reflete o que é, desde já, um dos melhores filmes do ano e, particularmente, um dos melhores filmes que o cinema já ofereceu.

Bruce Springsteen - The Wrestler

Two, three, four

Have you ever seen a one trick pony in the field so

happy and free?

If you've ever seen a one trick pony then you've seen

Have you ever seen a one-legged dog making his way

down the street?

If you've ever seen a one-legged dog then you've seen

Then you've seen me, I come and stand at every door

Then you've seen me, I always leave with less than I

had before

Then you've seen me, bet I can make you smile when the

blood, it hits the floor

Tell me, friend, can you ask for anything more?

Tell me can you ask for anything more?

Have you ever seen a scarecrow filled with nothing but

dust and wheat?

If you've ever seen that scarecrow then you've seen

Have you ever seen a one-armed man punching at nothing

but the breeze?

If you've ever seen a one-armed man then you've seen

Then you've seen me, I come and stand at every door

Then you've seen me, I always leave with less than I

had before

Then you've seen me, bet I can make you smile when the

blood, it hits the floor

Tell me, friend, can you ask for anything more?

Tell me can you ask for anything more?

These things that have comforted me, I drive away

This place that is my home I cannot stay

My only faith's in the broken bones and bruises I

display

Have you ever seen a one-legged man trying to dance

his way free?

If you've ever seen a one-legged man then you've seen

O gigante Brando

2009-02-10T23:45:00.000-02:00

Filmes podem ser bons por diversos motivos. Uma boa direção, um bom roteiro, uma boa fotografia, uma boa cenografia, efeitos especiais... Seja lá qual for a característica, às vezes um único elemento pode ser essencial para a apreciação de uma obra. No caso dos filmes de narrativa tradicional, não há o que se negar que a atuação dos protagonistas pode influenciar decisivamente no resultado final de uma obra. Claro, existem atuações médias e fracas em bons filmes, mas existem também atuações excelentes em filmes menores.

Sindicato de Ladrões (On the Waterfront), clássico de 1954 dirigido por Elia Kazan já seria um bom filme ao abordar o tema da exploração exercida por gângsteres nas docas de Nova Iorque, mas é com Terry Malloy, personagem interpretado por Marlon Brando que o filme se trona excelente.

É na fita de Kazan que Brando, em sua melhor fase, compõe um personagem que é somente um joguete nas mãos dos gângsteres que controlam o sindicato, que precisa lidar com o peso de sua consciência e a inevitável busca por redenção. E se o olhar profundo e triste do personagem, perdido no horizonte dos telhados onde cuida dos pombos ou a crescente vivacidade de seus gestos ao se apaixonar pela ingênua Edie (Eva Marie Saint) não convencem quanto ao peso nos ombros de Malloy, é na cena do táxi, onde Terry conversa com o irmão Charlie (Rod Steiger), que Brando expressa de maneira emocionante todo o desmonte do orgulho próprio de Terry ao admitir o próprio fracasso através de sua impotência e dependência dos outros. O olhar de “tudo o que poderia ter sido” é devastador, tanto para Charlie quanto para o espectador, que nada mais pode fazer a não ser torcer para que Terry encontre um lugar em de paz.

A seguir, um link para a bela cena, mas fica a indicação para que o filme na integra possa ser assistido e apreciado.

Até a próxima.

ps: infelizmente, não encontrei uma versão legendada, mas talvez isso possa servir como mais um estímulo para se ir atrás do filme. ;-)

Juventude

2009-02-10T23:00:00.000-02:00

Aparte os vários temas abordados nos textos do último post, destaco agora um triste fato: pouquíssimas pessoas assistiram ao filme Juventude, produção mais recente do cineasta Domingos de Oliveira (dos filmes Todas as Mulheres do Mundo, A Culpa, Carreiras, entre outros).

Juventude mostra o encontro de três amigos na casa dos setenta anos, David (Paulo José), Ulisses (Aderbal Freire Filho) e Antônio (o próprio Domingos) durante um fim de semana (ou talvez, apenas um dia desse fim-de-semana, essa passagem do tempo ficou um pouco confusa para mim) na casa de David.

Há espaço suficiente para a galhofa entre os amigos, para cada um contar a história de um grande amor, para relembrar o passado, para se arrepender dos erros e, com algum custo, para olhar para o tempo que ainda lhes resta pela frente.

O texto é de uma incrível beleza, só tendo podido mesmo ter sido escrito por um artista que viveu a vida intensamente e a dedicou a arte e a busca por sentimentos de prazer e alegria, nas melhores formas que poderiam ocorrer tal busca. Penso na dificuldade que seria para um roteirista mais jovem escrever um texto com tamanha carga de experiências vividas nas costas e com uma franqueza visceral (claro que existem casos bem sucedidos desse tipo de empreitada). Os três atores dominam suas cenas, e, já gigantes naturalmente, crescem ainda mais quando a dinâmica da cena envolve os três ao mesmo tempo. Bonito ver o encontro de Paulo José e Domingos de Oliveira, mais de quarenta anos depois do filme de estréia do cineasta, o ótimo Todas as Mulheres do Mundo (1966) com Paulo José como o protagonista.

Sem dúvida há certo ar de nostalgia que permeia o filme, mais por parte de seus protagonistas que do espectador, que consegue sentir esse sentimento de maneira menos aflitiva, quase que a apreciando por ser ela o combustível para as ações e revelações dos personagens, e sabemos que quanto mais lembranças eles tiveram, mais fortes serão as conseqüências de suas auto-analises. A bonita-tristeza que envolve os homens com a velhice e uma maturidade, enfim, consciente, é a força motor desse filme simbólico desde o seu título, Juventude.

O filme é todo gravado em câmera digital e por isso, eventualmente podem ser percebidos problemas no som ou na luz da locação. Mas são problemas essencialmente técnicos, e que em momento algum prejudicam o desenvolvimento do filme, que se preocupa mesmo com o texto e com o aspecto humano de seus personagens. E se por vezes a técnica digital é falha, talvez possamos pensar que ela age aqui como seus personagens, velhos e novos ao mesmo tempo em carne e espírito, com falhas, porque são humanos, demasiado humanos.

Quando fui procurar os horários e locais onde passavam o filme a algumas semanas, encontrei-o apenas em uma sala de cinema. Se não me engano, ele estreou com talvez uma ou duas salas a mais que esse número. Uma pena, pois o filme do cineasta, ator e dramaturgo Domingos de Oliveira é de uma beleza triste e madura, uma pequena peça de experiências de vida a ser dividida com um público que, infelizmente, não pôde apreciá-la.

Velhos problemas...

2009-02-10T00:28:00.000-02:00

Reproduzo aqui três interessantes textos publicados no site da Revista Bravo! e que dizem respeito, entre outras coisas, à forma de distribuição dos filmes nacionais, das salas de cinema e do eventual fracasso do chamado "filme de arte". São dois textos de Gabriela Rassy e um texto-depoimento do cineasta Domingos de Oliveira, publicado em seu blog que também faz parte do site da Bravo!, que se complementam e acabam reafirmando alguns fatores que são realidade no que diz respeito a exibição dos filmes nacionais. Sem o intuito de defender as opiniões expressas, acredito que a leitura desses textos sirva como mais uma relevante fonte de informação para aqueles que se interessam pelo cinema nacional, sejam produtores, realizadores ou espectadores.

O Fracasso da Qualidade

O FRACASSO DA QUALIDADE

Tento compreender porque meu filme "Juventude", embora tenha sido um notável sucesso de crítica, mais que isso, junto a amigos, intelectuais e artistas, é um fracasso em número de espectadores atingindo, até hoje, 22 de janeiro de 2009, não mais que 12 mil espectadores. Tento entender como um filme que provoca uma profunda comoção, que é unânime entre as cabeças pensantes ou sensíveis, pode ser um fracasso de bilheteria! O quanto vale o famoso boca a boca no cinema brasileiro? Ele é o verdadeiro espelho do agrado do filme. Quanto vale isto? Em casos como o "Juventude", parece não valer nada. Ou será que a platéia inteligente vai, mas não recomenda? Tudo é possível.

Esse artigo não é sobre o "Juventude" e sim sobre vários outros filmes bons, onde o mesmo ocorreu. É uma tentativa de compreender o fracasso da Qualidade. É preciso, antes de tudo, entender que o mercado é absurdamente dispare. Que dada existência de patrocínios, as despesas gastas com comercialização são muito diferentes, criando, evidentemente, uma concorrência injusta e desleal com os filmes que não têm verba e propaganda. É uma luta de David e Golias, um sendo exibido no cinema ao lado do outro.

Muitas coisas levam o espectador ao cinema além da qualidade. Principalmente:

O número de cópias

O número de cinemas em que foi lançado

Se tem ou não artistas da Globo ou outros igualmente midiáticos

É evidente que esses valores acima falam a favor do chamado "filme comercial" de assunto e linguagem fáceis ou pouco criativos. Claro que há exceções dos bons filmes do divertimento como o de Daniel Filho, que é uma espécie de Monicelli brasileiro. Porém sabemos que falar de números é falar de nada. Números são manipuláveis. É evidente que o agrado de um filme é importante.

Um filme não é feito para divertir, apenas. É feito para ensinar a viver. Será necessário fazer filmes ruins num país pobre como o Brasil? É evidente que não. O necessário é fazer filmes bons. Que cheguem ao coração da platéia. Que lhes ensine a ser melhores pessoas, melhores cidadãos, tornar mais justa nossa cruel sociedade. Dificilmente esse tipo de filme pode ser feito a muitas mãos. Em geral, são filmes de um homem só, o autor, a visão de mundo de um homem que, em achando que a vida vale à pena, grita isso para os outros. Sob forma de elogio das grandes qualidades humanas, a dignidade, a honestidade, o amor, o patriotismo, a ética, ou seja, os valores que construíram essa nossa humanidade. Esses filmes valem à pena ser feitos. Os outros não. Ou melhor, devem ser feitos sem apoio do Estado.

Não há nenhum vestígio na Legislação Brasileira de Cinema de medidas que protejam decididamente esse tipo de filme: o filme de Arte. Muito pelo contrário. Cada vez mais se considera como valor magno a bilheteria bruta. Aquilo que o filme rende em dinheiro. Como se esse fosse seu único valor. A TV Globo estabelece o valor financeiro dos filmes que compra através de bilheteria. Mesmo no moderno Funcine, que é uma ótima idéia, a bilheteria dos filmes anteriores conta prioritariamente.

Bilheteria é importante, sem dúvida. Até numa obra de arte. Tudo de que eu ouvi falar até hoje chegou até mim porque deu dinheiro. Beethoven deu dinheiro. Kafka deu dinheiro. A arte é invencível. Mais cedo ou mais tarde ela alcança a todos e dá dinheiro. Na maior parte das vezes, fora do período de vida do artista. Que, por isso, produziu menos. É uma lástima.

O cinema brasileiro tem de representar o mercado internacional, na pequena faixa disponível para isso. O que tem sido tentado através de filmes que de alguma forma imitam o tipo de filme que os americanos fazem.

O filme de baixo orçamento é desprezado e o altíssimo orçamento louvado. É a máxima que dinheiro traz dinheiro. E traz mesmo. Mas é importante que as autoridades apóiem isso.

Reivindico o Ministério da Arte. Regido por artistas. Fora de qualquer suspeita, que privilegiam somente o mérito. A arte do filme. Não é preciso um ministério com grandes dotações orçamentárias. Seria o minúsculo ministério. Porém ministério. Que ajudasse a criar a importância social do cinema e que fizesse do cinema o retrato do país. Que ajudasse, na sua diversidade, tanto os escolhidos quanto os milionários. Num cinema de alto aspecto e virulência emocional. Esses filmes são os únicos que podem vencer a barreira do mercado internacional. São esses filmes que carregariam a chamada, proclamada e desejada indústria cinematográfica. Assim como a locomotiva carrega o trem. É preciso igualmente incentivar o filme independente e patrociná-lo a posteriori, se for bom. Coisa que é proibido na legislação atual que patrocina roteiros, a forma das mais difíceis de ler de toda a literatura. Preconizo a volta da meritocracia artística. Caso contrário, estaremos diante do primado da mediocridade. Da idéia inútil e repetida, da mensagem conformista. No entanto, são outros valores que, crivados de burocracia criam os editais de patrocínios. Ou dão o dinheiro diretamente.

A incompreensão das autoridades e dos burocratas responsáveis sobre este ponto fundamental é o problema do cinema brasileiro. Para completar, por favor, ninguém levante o argumento de que é difícil e subjetivo julgar o que é ou não é arte. Mentira! Mentira maliciosa! A arte brilha como sol. Dá frutos abundantes em todas as estações. É reconhecível à primeira vista. E, se não for, basta perguntar a um artista de verdade que já tenha emocionado muita gente.

Por mim, boto meu roteiro novo em mérito, a melhor coisa que já escrevi, e também minha peça nova, a melhor que já escrevi, embaixo do braço. Me armo com a lanterna da paciência e saio por aí batendo de porta em porta pedindo, com se fosse um prato de comida, uma inteligente compreensão.

Domingos Oliveira

Rio de janeiro, 22 de janeiro de 2009.

Fonte: http://bravonline.abril.com.br/blog/domingosoliveira/

Por que os filmes nacionais não são exibidos?

Leis de incentivo, sistema de cotas e co-produções com outros países. Com o auxílio dessas medidas, o cinema brasileiro se desenvolveu muito nos últimos anos. Mas a escassez de salas, a concorrência brutal e a defasada indústria da distribuição ainda dificultam a chegada de filmes ao circuito comercial.

Por Gabriela Rassy

A produção cinematográfica nacional retomou há mais de uma década sua força. Apesar disso, o cinema brasileiro ainda não conquistou proporcionalmente um público tão significativo. Muitos filmes produzidos ainda não chegam às telas. E parte das razões para isso podem ser encontradas nas próprias estratégias usadas para viabilizar a produção.

As leis do Audiovisual e Rouanet são, hoje, as maiores fontes de incentivo para os filmes brasileiros. Elas possibilitam que empresas financiem eventos culturais em troca da dedução de parte do imposto de renda. Nesses casos, o empresário investe, deduz do imposto e aposta no lucro do filme. Mas, segundo o advogado José Maurício Fittipaldi, sócio do escritório Cesnik Quintino & Salinas, especializado em entretenimento e cultura, a prática não funciona bem assim. "Raríssimos filmes dão lucro, então essa não é a preocupação do patrocinador, que investe mais pelo benefício fiscal, que é muito grande", explica Fittipaldi.

Outra alternativa para a produção que a lei permite é a associação com empresas estrangeiras. Quando um filme de outro país é exibido no Brasil, a distribuidora paga um imposto. Pela lei, a empresa pode reverter parte desse imposto para co-produzir outro filme com uma produtora brasileira. "Muitos filmes brasileiros foram viabilizados graças à participação de empresas estrangeiras. Por um lado, quanto mais as empresas estrangeiras lucrarem no Brasil, mais dinheiro elas vão ter para fazer filmes", explica. O que, como as leis de incentivo, têm um colateral. "Por outro lado, elas produzem também os principais concorrentes dos filmes brasileiros", alerta o advogado.

Retomada

O Brasil tem hoje um déficit brutal de salas de exibição e pouquíssimo incentivo à prática de exibição - apenas 9% nos municípios do país têm salas de cinema. Mesmo com a limitada infra-estrutura, é reconhecível que, desde a retomada, o número de filmes nacionais exibidos aumentou muito. "Cresceu o número de distribuidoras dos filmes nacionais e, em 2007, tivemos 82 filmes lançados no cinema. Esse ano começou bem com a estréia de Se eu fosse você 2 que é líder de renda com 4 ou 5 semanas seguidas em cartaz", aponta Pedro Butcher, editor do site Filme B, especializado em mercado cinematográfico.

Outro ponto que colabora com uma produção mais vertiginosa de cinema brasileiro é a facilidade da tecnologia digital. Com ela, o custo para fazer um filme cai consideravelmente, já que uma cópia de 35mm sai, em média, U$ 2 mil.

O crítico de cinema e produtor, Leonardo Mecchi, acredita que hoje há um descompasso entre o modo que os produtores e distribuidores pensam em exibir cinema e a forma como o espectador está consumindo esse tipo de conteúdo. "Existe uma contradição que é o aumento cada vez maior da produção exatamente no momento em que o público que frequenta as salas de cinema cai cada vez mais. Outras mídias (TV, DVD, Internet) acabam assumindo a preferência do espectador na hora de buscar uma alternativa para ver os filmes", disse Mecchi.

Para o produtor, DVDs, locadoras e até mesmo parte dos canais por assinatura estarão completamente obsoletos em um futuro não muito distante. "Você terá uma videoteca virtualmente ilimitada disponível a um toque do teclado, em tempo real e em altíssima definição. Não digo que será o fim do cinema, mas as salas escuras ficarão limitadas a uma restrita elite de apreciadores do cinema enquanto arte (da mesma forma que um museu não é tão frequentado quanto um shopping center)", considera Mecchi.

Festivais

Apesar do público não ter sido tão bom nos últimos dois anos, Butcher ainda aponta outros lados: a imensa quantidade de festivais de cinema, que dão oportunidade de uma cidade ver um filme brasileiro, e a redução dos chamados "sem tela", que são os filmes que não encontravam salas de exibição. "Muitos hoje fazem acordos prévios de exibição com distribuidoras. Os filmes que estão prontos, em geral, estão lançados ou já passaram nos festivais. Portanto, eles acabam chegando às telas, mas em poucas cidades", disse Butcher.

O Brasil possui hoje um amplo circuito de festivais que levam o cinema para mais de 2 milhões de espectadores por ano. E, além dos festivais serem acolhedores com filmes menos comerciais, têm a vantagem de levar o cinema a cidades que não possuem salas de exibição.

"Grande parte do público do cinema brasileiro simplesmente não tem acesso aos filmes - ou porque eles não possuem salas de cinema em suas cidades, ou porque os filmes não chegam a ser programados nessas salas. Além disso, quase todos os festivais brasileiros possuem programação gratuita, o que ajuda a sanar um outro grande fator que motiva a queda de público para o cinema no Brasil: os altíssimos preços dos ingressos", explica Leonardo Mecchi.

Conteúdo

Para Marcelo Dória, produtor de O Cheiro do Ralo, o problema dos filmes brasileiros está no conteúdo. "Os filmes nacionais não são bons produtos. Eles não contam as histórias que o público quer assistir. Quem vai ao cinema vai ver o Homem Aranha. Brasileiro quer fazer filme cabeça. Lá fora, filme é produto", afirmou Dória.

O produtor acredita que os profissionais fazem filmes para si próprios, sem se preocupar com o mercado ou com a qualidade. "Se alguém vai acreditar que o filme vai dar público, ele vai ser exibido, se não vai ficar 100% dependente de incentivo", declarou.

Pedro Butcher acredita que a produção brasileira começou a mudar agora. "Projetos mais comerciais estão começando, mas o perfil da produção brasileira ainda é muito baseado no conceito de filmes de autores, com temática mais difícil", disse o editor do Filme B.

Fonte: http://bravonline.abril.com.br/conteudo/assunto/filmes-nacionais-nao-sao-exibidos-cota-cinema-419218.shtml

Cotas além da fronteira

Para proteger seus cinemas nacionais, diversos países utilizam o sistema "cota de tela". A cota determina a quantidade de filmes nacionais que devem ser exibidos por ano, no país

Por Gabriela Rassy

No Brasil, a Cota de Tela foi mantida de 2007 para 2009, mas o mecanismo foi estabelecido no país em 1934. A determinação é calculada por dias em exibição, mas depende do número de salas de cada complexo. O mínimo estipulado, por exemplo, para um cinema de apenas uma sala, são dois títulos diferentes lançados ao ano, que fiquem, pelo menos, 28 dias em cartaz. Já um complexo de 11 salas, deve exibir um mínimo de 11 títulos por 506 dias. Acima de 11 salas, o número de filmes é o mesmo, mas a quantidade de dias aumenta.

A Espanha, após revisar o sistema de regulação e fomento à cinematografia em 2007, determinou que a cota fosse baseada em sessões e não mais em dias, considerando que filmes espanhóis ou da União Européia devem ser exibidos em 25% das sessões. Para os canais de televisão, que já tinham que destinar 5% de seu faturamento anual para o financiamento de filmes, a reformulação agora exige que este percentual possa chegar até 12%, mas com variações de acordo com a programação do canal.

A Coréia do Sul, país que vem firmando-se com pólo de produção audiovisual diversificada e de qualidade internacionalmente reconhecida, apresenta uma das maiores taxas de market share para filmes nacionais (cerca de 50%). A política de cota de tela, adotada a partir de 2006, reserva 73 dias anuais para produções cinematográficas nacionais, sendo que, anteriormente, esta cota era de 146 dias anuais.

Desde janeiro de 2009, a Argentina apresentou uma revisão no mecanismo de cotas. Além da quantidade mínima de um filme nacional por trimestre, para cada sala, foi estabelecida a denominada "média de continuidade". Assim, os filmes argentinos que atingirem a média mínima de público estabelecida por lei permanecerão obrigatoriamente em cartaz na mesma sala. Para isso, os títulos são divididos em categorias, de acordo com a dimensão de seu lançamento, e é considerado o tamanho da sala em que o filme foi exibido e a temporada em questão (alta ou baixa). A nova sistemática argentina determina que os filmes de estréia fiquem, no mínimo, duas semanas em cartaz. As informações são da Ancine (Agência Nacional de Cinema).

Alguns países, como a China, optaram historicamente pela adoção do modelo de "cota de importação" de filmes estrangeiros. Apesar da gradual abertura de mercado, o país ainda limita boa parte do conteúdo que vem de fora - apenas 50 títulos por ano. "É um misto de proteção com censura", disse Pedro Butcher.

O cinema francês estipula uma cota para canais de televisão. Segundo informações do site Filme B, 60% do número total de filmes exibidos por ano para cada canal deve ser obras européias, e desses, 40% precisam ser filmes falados em francês.

Fonte: http://bravonline.abril.com.br/conteudo/assunto/cotas-alem-fronteira-cinema-419217.shtml

Gomorra

2009-01-29T20:22:00.000-02:00

Logo de cara, algo me incomodou no cartaz de Gomorra, filme do italiano Matteo Garrone. Entre alguns destaques de opiniões da imprensa e o alardeado Grand Prix no último Festival de Cannes, havia um letreiro dizendo algo como “o Cidade de Deus italiano”. Claro que isso não fazia parte do cartaz original e deve ter sido idéia de algum gênio da distribuição nacional ou frase da crítica “especializada”. O fato é que acabei entrando na sessão com a frase na cabeça e com a tarefa de tentar descobrir se tal comparação fazia algum sentido.

Gomorra se refere à máfia local da cidade de Nápoles, a Camorra. No filme, várias histórias são contadas – a saber, dois jovens ignorantes e aspirantes a mafiosos, um menino que entra para o grupo como uma tentativa de obter proteção e ascensão social, um homem que faz o pagamento das famílias protegidas pela máfia, um costureiro que dá aulas a chineses sem que seus empregadores italianos saibam e um especialista em se livrar do lixo dos outros, literalmente – que, eventualmente, se ligam em algum grau. Apesar das histórias individuais, fica claro que o objetivo é demonstrar a vida e seus desdobramentos dentro de um universo controlado em sua totalidade pela máfia italiana. Da praticamente inexistente ação da polícia a dependência dos moradores dos bairros, em Gomorra todos estão sujeitos a ação dos mafiosos e são obrigados a escolher um dos lados para sobreviver na “guerra” dos grupos que lutam pelo poder absoluto.

Para seu tema atual e pesado, Garrone se utiliza de todos os efeitos técnicos e estéticos para representar com imagens toda a dureza e crueza que há na vida dos subúrbios de Nápoles. A câmera na mão e um estilo quase documental de filmar reforçam tal urgência (termo na moda, bastante utilizado hoje em dia) de denunciar (outro termo na moda) as ações da Camorra, que não raramente passam impunes pela justiça. A máfia de Gomorra está bem longa da máfia da família Corleone de Copolla ou dos bares e jantares do Al Capone de De Palma. Ainda que direcionem seus olhares para esse estilo de vida glamourizado, a vida real parece estar mesmo longe da bela fantasia e, a preferência por Tony Montana (personagem central de Scarface, versão de 1983) só demonstra mesmo como os integrantes da Camorra e da máfia verdadeira vivem apenas de sujeira e ilusão (vide a história dos dois jovens), mesmo usando seus agasalhos a la Tony Soprano.

A opção por esse forma mais crua de construir seu filme é o primeiro fato que contesta a referência ao filme do brasileiro Fernando Meirelles. Se Gomorra evita a todo custo uma estilização moderna de suas imagens ou outras formas mais clássicas para desenvolver sua narrativa, Cidade de Deus se apresentava como um espetáculo videoclíptico que somava vários recursos da produção audiovisual da década de 90 e 2000 (principalmente àquela estabelecida com a geração MTV) com um tema essencialmente nacional: a violência e a favela. O que Cidade de Deus fez foi transformar o tema principal e vício do cinema nacional em algo que o grande público pudesse assistir sem muita dificuldade, ao contrário do que fez o cinema novo, que pensou algo parecido, mas não conseguiu se livrar de produzir um cinema consumido apenas por uma pequena elite.

Talvez se possa olhar para os dois filmes, o de Meirelles e o de Garrone, como tentativas de exportar o cinema de seus respectivos países e resgatar ou conquistar olhares do exterior. Se não for um pensamento errado, no caso do primeiro cineasta, deu certo. Ao fazer um filme com um tipo de estética amplamente conhecida e digerida em todo o mundo, Meirelles deu o primeiro passo para sua carreira internacional além de contribuir para que a atenção dada ao cinema brasileiro (que sempre existiu mais em alguns momentos e menos em outros) se reafirmasse e se reforçasse, mesmo que isso acabe soando mais como uma derrota (“se não pode com eles, junte-se a eles”) do que como uma vitória de nossa originalidade. Já Garrone, parece tentar reproduzir em sua crueza um passado do que já foi um dia uma das cinematografias mais influentes do mundo (o neo-realismo) que é a cinematografia italiana, que já há alguns anos carece de produções com boa repercussão mundial. O problema é que talvez ele não tenha se dado conta de que toda a crueza e dureza expostas em seu filme, também já é hoje em dia um recurso cansativamente utilizado, como já foi o glamour da máfia da qual ele tenta se afastar.

Mas, a denuncia nunca é demais e ainda é valida, mesmo que feita através das mesmas novas-velhas fórmulas, vendidas como originais. Assim como foi feito no filme do nosso Zé Pequeno.

Lista de Indicados Oscar 2009

2009-01-23T23:25:00.000-02:00

Nasceu! Ou melhor, saiu a lista de indicados ao Oscar 2009. Para os lobistas de plantão, Batman – O Cavaleiro das Trevas não foi indicado a melhor filme ou melhor direção. Apenas a esperada indicação de Heath Leadger e uma penca de categorias técnicas. O Curioso Caso de Benjamin Button segue na frente com treze indicações, mas algo me diz que o filme de Fincher vai ser daqueles que acabam a noite embriagados, tamanha a frustração de não ganhar nada ou quase nada. Do jeito que é a Academia, isso é apenas um palpite com base no passado. O “filme indiano” de Danny Boyle, Quem Quer Ser Um Milionário, segue em segundo com dez indicações. Até o dia do Oscar, no dia 22 de fevereiro, estrearão mais alguns filmes da lista de indicados. Vale a pena conferir se são nomeações merecidas, mas como Inês é morta, não adianta mais reclamar e só vai restar mesmo dar o seu palpite.

A seguir, a lista de indicados, junto com meu protesto por Wall-E não estar competindo na categoria de Melhor Filme e com a minha torcida para Mickey Rourke ganhar o prêmio de Melhor Ator e ir receber o prêmio bêbado, como fez no Globo de Ouro só para horrorizar Rubens Ewald Filho.

Melhor Filme:
O Curioso Caso de Benjamin Button
Frost/Nixon
Milk- A Voz da Igualdade
O Leitor
Slumdog Millionaire

Melhor Diretor:
David Fincher, O Curioso Caso de Benjamin Button
Ron Howard, Frost/Nixon
Gus Van Sant, Milk- A Voz da Igualdade
Stephen Daldry, O Leitor
Danny Boyle, Slumdog Millionaire

Melhor Atriz:
Anne Hathaway, O Casamento de Rachel
Angelina Jolie, A Troca
Melissa Leo, Frozen River
Meryl Streep, Dúvida
Kate Winslet, O Leitor

Melhor Ator:
Richard Jenkins, The Visitor
Frank Langellla, Frost/Nixon
Sean Penn, Milk- A Voz da Igualdade
Brad Pitt, O Curioso Caso de Benjamin Button
Mickey Rourke, O Lutador

Melhor Roteiro Original:
Courtney Hunt, Frozen River
Mike Leigh, Happy-Go-Lucky
Martin McDonagh, In Bruges
Dustin Lance Black, Milk- A Voz da Igualdade
Andrew Stanton, Jim Reardon and Pete Docter, WALL-E

Melhor Roteiro Adaptado:
Eric Roth and Robin Swicord, O Curioso Caso de Benjamin Button
John Patrick Shanley, Dúvida
Peter Morgan, Frost/Nixon
David Hare, O Leitor
Simon Beaufoy, Slumdog Millionaire

Melhor Ator Coadjuvante:
Robert Downey Jr., Trovão Tropical
Michael Shannon, Foi Apenas um Sonho
Philip Seymour Hoffman, Dúvida
Heath Ledger, Batman- O Cavaleiro das Trevas
Josh Brolin, Milk- A Voz da Igualdade

Melhor Atriz Coadjuvante:
Amy Adams, Dúvida
Penelope Cruz, Vicky Cristina Barcelona
Viola Davis, Dúvida
Taraji P. Henson, O Curioso Caso de Benjamin Button
Marisa Tomei, The Wrestler

Melhor Filme de Animação:
Bolt
Kung Fu Panda
WALL-E

Melhor Direção de Arte:
A Troca
O Curioso Caso de Benjamin Button
Batman - O Cavaleiro das Trevas
A Duquesa
Foi Apenas um Sonho

Melhor Fotografia:
A Troca
O Curioso Caso de Benjamin Button
Batman- O Cavaleiro das Trevas
O Leitor
Slumbag Millionaire

Melhor Edição:
O Curioso Caso de Benjamin Button
Batman - O Cavaleiro das Trevas
Frost/Nixon
Milk- A Voz da Igualdade
Slumdog Millionaire

Melhor Música Original:
Down to Earth de WALL-E, Peter Gabriel e Thomas Newman
Jai Ho de Slumdog Millionaire, A.R. Rahman e Gulzar
O Saya de Slumdog Millionaire, A.R. Rahman e Maya Arulpragasam

Melhor Trilha Original:
O Curioso Caso de Benjamin Button, Alexandre Desplat
Defiance, James Newton Howard
Milk- A Voz da Igualdade, Danny Elfman
Slumbag Millionaire, A.R. Rahman
WALL-E, Thomas Newman

Melhor Figurino:
Austrália
O Curioso Caso de Benjamin Button
A Duquesa
Milk- A Voz da Igualdade
Foi Apenas um Sonho

Melhor Maquiagem:
O Curioso Caso de Benjamin Button
Batman- O Cavaleiro das Trevas
Hellboy II: O Exército Dourado

Melhor Curta:
La Maison en Petits Cubes
Lavatory - Lovestory
Oktapodi
Presto
This Way Up

Melhor Documentário:
The Betrayal (Nerakhoon)
Encounters at the End of the World
The Garden
Man on Wire
Trouble the Water

Melhor Documentário em Curta Metragem:
The Conscience of Nhem En
The Final Inch
Smile Pinki
The Witness - From the Balcony of Room 306

Melhor Filme Estrangeiro:
The Baader Meinhof Complex, Alemanha
The Class, França
Departures, Japão
Revanche, Austria
Valsa com Bashir, Israel

Melhor Mixagem de Som:
O Curioso Caso de Benjamin Button
Batman- O Cavaleiro das Trevas
Slumbag Millionaire
WALL-E
O Procurado

Melhor Edição de Som:
Batman- O Cavaleiro das Trevas
Homem De Ferro
Slumbag Millionaire
WALL-E
O Procurado

Melhor Efeitos Especiais:
O Curioso Caso de Benjamin Button
Batman- O Cavaleiro das Trevas
Homem De Ferro

O Curioso Caso de Benjamin Button

2009-01-23T23:14:00.000-02:00

Era o final da Primeira Grande Guerra Mundial e Benjamin Button nascia em circunstâncias incomuns: seu enrugamento não era devido aos nove meses banhado em líquido, mas a um estado quase decréptico, como se Benjamin Button estivesse no fim de sua vida, nos últimos instantes antes de sua morte. Apavorado, seu pai o larga em uma porta qualquer, que ironicamente se revela uma casa de repouso de idosos. Benjamin então é criado lá como se não tivesse muito tempo de vida, mas, com o passar dos anos, percebe que ao contrário das outras pessoas, ao invés de envelhecer fisicamente ele está ficando mais jovem.

É baseado num conto do autor estadunidense F. Scott Fitzgerald, que o diretor David Fincher (Seven, Clube da Luta, Zodíaco) repete pela terceira vez a parceria com o ator Brad Pitt e cria uma bonita fábula para adultos sobre a morte, o passar do tempo e a aceitação do diferente.

O Curioso Caso de Benjamin Button conta a saga de seu personagem título nascido em Nova Orleans, no estado de Louisiana, desde o ano de 1918 até 2005, com a chegada do Furacão Katrina. O roteiro do filme é de Eric Roth, o mesmo de Forrest Gump – O Contador de Histórias, e talvez por isso a semelhança com a trajetória do personagem abobado de Tom Hanks se faça presente em muitos momentos. Benjamin, ao longo dos anos e com a curiosidade daqueles que são obrigados a enxergar a vida com outros olhos, passa por momentos históricos do século XX e, se não os influencia diretamente como Forrest, não deixa de se enriquecer com todas as experiências.

E assim como o personagem de 1994, ele também cultiva um amor durante toda a vida. Daisy conheceu Benjamin quando os dois ainda eram “crianças” e, apesar de não se prender a esse amor, ele nunca se esqueceu da bela jovem. Entre encontros e desencontros, é no meio de suas vidas, por volta dos quarenta e poucos anos, quando os dois parecem ter fisicamente a mesma idade, que se desenvolvem as reflexões sobre o tempo e a morte de maneira mais presente e inevitável.

No filme de Fincher, a morte é constantemente lembrada como característica intrínseca à vida. Como dizem os personagens, mesmo que lutemos contra e reclamemos, quando chegar a nossa hora, não há nada a fazer a não ser se conformar. A partir disso, pensar como Benjamin Button é pensar como alguém que não permitiu que eventuais adversidades pudessem impedi-lo de descobrir a vida e tudo o mais que ela tem a oferecer.

Assim como uma fábula, cheia de signos e símbolos, a impecável direção de arte, a trilha sonora, a incrível maquiagem, a montagem, tudo construído para capturar o espectador e levá-lo a imergir nesse mundo extremamente misterioso e atraente aos olhos do personagem título. Mas, ao mesmo tempo, um estranho realismo se alia o tempo todo com esses artifícios representativos. Talvez um tema tão caro aos homens até hoje como é a morte ou a passagem de um conto-de-fadas na recém destruída Nova Orleans nos traga a todo o momento de volta ao mundo real, percebendo que aquela história fala de nós mesmos, de nossos medos, de nossos preconceitos, e de nossos sonhos frustrados ou abandonados pelo caminho.

A posição curiosa de Benjamin Button, sua tranquilidade e sua forma de olhar para tudo como se fosse a primeira vez, vai revelando a nossa frente todo um mundo fascinante, e como ele mesmo diz a certa altura do filme, que não olha para si mesmo, nós também deixamos de prestar atenção nele (que contorna em pouco tempo o caráter grotesco de sua aparência em um incrível carisma) para olharmos para o mesmo mundo e para as figuras que encontramos pelo caminho, como se não conseguíssemos mais fazer isso na vida real, quando nossa visão está tão acostumada a tudo, que só precisamos de um detalhe ou de um vislumbre para “concluir” o resto. Talvez por isso, apesar de sabermos seu destino, a cada fase de rejuvenescimento nos espantemos mais com sua aparência, com a qual rapidamente já havíamos nos acostumado antes. É na dificuldade e obstinação ao andar de muletas, num tímido olhar no elevador, na fala mansa, sulista e arrastada ou na postura de um corpo franzino de um quase adolescente que nos transformamos e reagimos da mesma forma que Benjamin, nos identificando, cada um da sua maneira.

Depois do reconhecimento de uma carreia construída com filmes de temáticas fortes como o thriller Seven – Os Sete Pecados Capitais, o cult Clube da Luta e o tenso Zodíaco, David Fincher escolhe aqui um trabalho bastante diferente na história de sua cinematografia, e se sai bem. Se O Curioso Caso de Benjamin Button não é a fábula contemporânea definitiva, é ao menos um belo trabalho de maturidade, seja de seus criadores – e aqui destaco as figuras essenciais de David Fincher e Brad Pitt -, seja do próprio personagem título, que mesmo tendo como “adversidade” uma característica que é o sonho de muitas pessoas, percebe que o caminho do início ao fim acaba sendo bastante semelhante aos que são normais. E é brilhantemente que Daisy diz à frase que resume nossas vidas: “no final, todos nós usamos fraldas”. ;-)

Retrospectiva 2008 - segunda parte

2009-01-18T19:25:00.000-02:00

Por alguns problemas técnicos, esse post vai sem imagens. Ficarei devendo desta vez. ;-)

Julho

Livro de Cabeceira (Peter Greenway) deu inicio aos filmes do mês de férias. Em seguida, Carlitos encontra 2001: Uma Odisséia no Espaço na obra-prima da Pixar, Wall-E (Andrew Stanton). O visceral Cidade Baixa (Sérgio Machado) e o excelente O Prisioneiro da Grade de Ferro (Paulo Sacramento) foram os destaques nacionais. Para completar, o tocante O Escafandro e a Borboleta (Julian Schnabel), o melancólico Morangos Silvestres (Ingmar Bergman) e o maior sucesso comercial do ano Batman – O Cavaleiro das Trevas (Christopher Nolan).

Agosto

O mês do meu aniversário foi um mês de clássicos. Começou com O Anjo Exterminador (Luís Buñuel), seguiu com Manhattan (Woody Allen), o decepcionante Os Bons Companheiros (Martin Scorcese), o comovente neo-realista Ladrões de Bicicleta (Victorio De Sicca), o, por ora, meu filme favorito de Glauber Rocha, Dragão da Maldade, mais um Bergman em Gritos e Sussurros. Menção para outro filme nostálgico como Chega de Saudade, mas desta vez vindo da França, Quando Estou Amando (Xavier Giannoli), para o interessante Time (Kim Ki-Duk) e para o melodramático musical de Lars Von Trier, Dançando no Escuro.

Setembro

Mês de mostras e do novo de Fernando Meirelles agitaram setembro. Da retrospectiva Alain Resnais – A revolução discreta da memória, pérolas como Providence, Muriel ou o Tempo de um Retorno e A Guerra Acabou fizeram-me entender e admirar ainda mais o diretor dos obrigatórios Hiroshima, Mon Amour e o Ano Passado em Marienbad. A mostra Oriente Desconhecido (também realizada no CCBB de São Paulo) reuniu um pouco do trabalho de diretores relevantes da cinematografia asiática. Pude conferir Xiao Wu – Artisan Pickpocket (Jia Zhang-ke), All Tomorrow´s Parties (Yu Lik-Wai) e na primeira semana de outrubro ainda assisti a Samaria (Kim Ki-duk) e Tropical Malady (Apichatpong Weerasethakul). Houve a estréia de filmes de dois dos principais diretores nacionais, o “sem alma” Ensaio Sobre a Cegueira (Fernando Meirelles) e o bom Linha de Passe (Walter Salles). Direto de outra mostra, o insano e brilhante Império dos Sonhos (David Lynch). Lembranças do divertido filme de monstro coreano O Hospedeiro (Joon-ho Bong), de Baixio das Bestas, filme de Cláudio Assis parecido com Amarelo Manga e que novamente não consegui gostar e, por fim, do ótimo documentário Joy Division (Grant Gee).

Outubro

Mês da excessivamente cara Mostra Internacional de Cinema de São Paulo. Para mim, mês da última parte da trilogia da incomunicabilidade de Antonioni, A Noite; de dobradinha Michael Haneke com Cache e Funny Games (original e não a refilmagem) de dobradinha François Truffaut com Jules e Jim e Fahrenheit 451; de conferir o péssimo e constrangedor segundo filme de Richard Kelly depois do cult Donnie Darko, Southland Tales; do ótimo Estômago (Marcos Jorge), do superestimado Canções de Amor (Christophe Honoré); do profundo Felizes Juntos (Wong Kar-Wai); do excelente e clássico A Regra do Jogo (Jean Renoir); de mais um Resnais com Meu Tio da América; do ótimo Na Mira do Chefe (Martim McDonaugh); Julieta dos Espíritos (Federico Fellini) e dois filmes direto da mostra: o engraçadíssimo Segurando As Pontas (David Gordon Green) e A Festa da Menina Morta (Mateus Nachtergaele, sobre o qual eu já escrevi aqui).

Novembro

Novembro foi um mês curto em filmes pela proximidade do final de ano, mas houve boas opções. As lembranças do cinema ficam por conta de Vicky Cristina Barcelona (Woody Allen voltando a forma) e do primeiro e muito bom filme de estréia de Selton Mello na direção, Feliz Natal. No mais, Terra em Transe (de Glauber Rocha), o interessante Estamos Bem Mesmo Sem Você (Kim Rossi Stuart) e dois excelentes filmes: Sindicato de Ladrões (Elia Kazan) com um gigantesco Marlon Brando e o documentário obrigatório Serras da Desordem do cineasta Andrea Tonacci.

Dezembro

O último mês do ano começou muito bem com Pierrot Le Fou, de Jean-Luc Godard, que também apareceu com sua versão dos filmes de ficção científica em Alphaville. No cinema, o novo e divertido dos irmãos Coen, Queime Depois de Ler, Leonera (Pablo Trapero), o espanhol de trash REC (Jaume Balagueró e Paco Plaza), Romance (Guel Arraes) e o novo de Philippe Garrel, A Fronteira da Alvorada. Espaço ainda para Crepúsculo dos Deuses (Billy Wilder, já comentado aqui), o lindo Meu Amigo Totoro (Hayao Miyazaki), o clássico de ficção cientifica de 1951, O Dia Em Que a Terra Parou (Robert Wise), Sr. Vingança (Chan Wok Park), Festim Diabólico (Alfred Hitchcock), o filme natalino definitivo que não poderia faltar nessa época A Felicidade Não Se Compra (Frank Capra) e terminei o ano com o último filme de Robert Altman, A Última Noite.

Esses foram alguns dos destaques que conferi durante o ano. Muita coisa boa e ruim ficou de fora. Para o próximo ano, eu pensarei em uma nova forma de “listar” esses destaques.

Bom, até mais.

Retrospectiva 2008 - primeira parte

2009-01-14T10:26:00.000-02:00

A retrospectiva a seguir se refere a alguns destaques conferidos no ano de 2008. Como assisti a uma grande quantidade de filmes (mais de duzentos), muitos ficarão pelo caminho, mas, como eu não ficaria satisfeito em falar apenas sobre o que foi visto no cinema, apenas citarei algumas produções que me causaram algo, sejam para o bem ou para o mal, assistidas em todas as mídias. A seleção não segue preferência. Espero que te ajude ou inspire a curiosidade na hora de ir atrás de algum filme. Bom, tirem os sapatos e vamos entrando na Mansão Roswell.

Janeiro

O ano começou divagar. O primeiro filme do ano foi Extermínio 2. No cinema, o campeão de audiência Meu Nome Não é Johnny e o filme burocrático de Ridley Scott O Gângster. Em Paris foi só o início da minha opinião de que Christophe Honoré é um picareta. Felizmente, houve boas opções como Felicidade (Todd Solondz), o interessante Maria (Abel Ferrara), uma quase cinebiografia de Brian Jones em Stoned (Stephen Woolley e que assisti no mesmo dia da morte de Heath Ledger) e o fantasmagórico O Sétimo Selo (Ingmar Bergman).

Fevereiro

Mês de entrega de Oscar, foi hora de tentar conferir os cavalos da frente da disputa que faltavam (alguns eu já assistira no final de 2007). Teve a apaixonante Juno (Jason Reitman), mais do mesmo da dupla Tim Burton/Johnny Depp no superestimado Sweeney Todd, mais do mesmo da dupla David Cronenberg/Viggo Mortensen no ótimo Senhores do Crime e a dupla de filmes que deixava todos os outros no chinelo e deve ter causado dores de cabeça nos votantes, Onde Os Fracos Não Tem Vez (Ethan e Joel Coen) e Sangue Negro (Paul Thomas Anderson). Provavelmente, no futuro, esses trabalhos receberão um parágrafo a parte. Destaque ainda para Bagdad Café (Percy Adlon), Uma Verdade Inconveniente (Davis Guggenheim) e Operação França (William Friedkin).

Março

Março foi um bom mês. No cinema, a inspirada e trágica história de Chistopher McCandless em Na Natureza Selvagem (Sean Penn), a boa reflexão que termina como drama adolescente Persépolis (Marjane Satrapi), o nostálgico Chega de Saudade (Laís Bodanzky) e a excelente homenagem à Bob Dylan Não Estou Lá (Todd Haynes). Ainda pude conferir o belíssimo O Castelo Animado (Hayao Miyazaki) em uma mostra do CCBB. As Amigas (Michelangelo Antonioni) fez parte de minha busca por entender a mente desse cineasta e mergulhei de vez no universo “Wong Kar-Waiano” com Dias Selvagens.

Abril

Em abril assisti a um ótimo documentário sobre nomes importantes da ficção científica do século XX, Sci-Fi Boys (Paul Davids). Houve ume dobradinha Jim Jarmush com Daunbailó e Dead Man. No cinema, o tocante A Família Savage (Tamara Jenkins), o primeiro filme americano de Wong Kar Wai, Um Beijo Rodado, o um pouco decepcionante O Passado (Hector Babenco), o excelente e musicalmente grudento pequeno grande filme Apenas Uma Vez (John Carney) e o triunfo de Downey Jr. e da Marvel transformando um de seus personagens mais chatos (opinião que só aumentou na saga Guerra Civil) em um divertido filme, cheio de b om humor e ação em Homem de Ferro (John Favreau).

Maio

No mês das noivas, os olhos do mundo começavam a se voltar para os lançamentos do verão americano. Faculdade a todo o vapor, foi hora de mesclar produções. As menções ficam para o clássico expressionista O Gabinete do Dr.Caligari (Robert Wiene), o preguiçoso-e-frustrante-mas-com-boas-atuações O Sonho de Cassandra (Woody Allen), o segundo longa de Wes Anderson, Rushmore, o inesquecível Amores Expressos (Wong Kar Wai), mais um Jarmush com Sobre Café e Cigarros, o rechaçado por todos Speed Racer (Irmãos Watchowski), o irregular mas interessante Three Times (Hou Hsiao-hsien), o obrigatório Deus e o Diabo na Terra do Sol (Gauber Rocha), a cinebiografia de Ian Curtis Control (Anton Corbijn), o filme pós-trilogia da vingança de Chan Wok Park, I´m A Cyborg, But That´s Ok e o retorno de um certo sessentão em Indiana Jones e a Caveira de Cristal (Steven Spielberg).

Junho

Junho começou muito bem com Eduardo Coutinho em Cabra Marcado Para Morrer e hora de rever Um Homem Com a Camera (Dziga Vertov). Teve o tocante Longe Dela (Sarah Polley) e o outro filme sobre irmãos Antes que o Diabo Saiba Que Você Está Morto (Sidney Lumet). Completando os destaques, O Ano Passado Em Marienbad (Alan Resnais), Uma Mulher é Uma Mulher (Jean-Luc Godard, ah Anna Karina...), A Noite (Michelangelo Antonioni) e enfim consegui assistir a O Balconista (Kevin Smith).

Retropectiva 2008 - primeira parte

2009-01-14T09:45:00.000-02:00

Janeiro

Fevereiro

Março

Abril

Maio

Junho

Junho começou muito bem com Eduardo Coutinho em Cabra Marcado Para Morrer e hora de rever Um Homem Com a Camera (Dziga Vertov). Teve o tocante Longe Dela (Sarah Polley) e o outro filme sobre irmãos Antes que o Diabo Saiba Que Você Está Morto (Sidney Lumet). Completando os destaques, O Ano Passado Em Marienbad (Alan Resnais), Uma Mulher é Uma Mulher (Jean-Luc Godard), A Noite (Michelangelo Antonioni) e enfim consegui assistir a O Balconista (Kevin Smith).

Versão brasileira...

2009-01-12T19:00:00.000-02:00

A dublagem é e, aparentemente, ainda será por algum tempo um assunto controverso no Brasil. Opiniões a favor ou contra brotam de todos os lados, alimentando acalorados debates a respeito do tema e um consenso geral é ainda uma utopia distante. Decidi falar um pouco sobre a dublagem não para por mais “lenha na fogueira”, mas por uma necessidade que senti de escrever sobre o assunto, e essa necessidade partiu de um sentimento de admiração pelos profissionais desse trabalho, não o contrário.

São muitos os argumentos “contra-dublagem”. Desde a “atuação” do dublador (que, geralmente, é também ator de formação) à qualidade de som da dublagem nacional, os detratores desse tipo de trabalho tocam sempre em pontos importantes e fazem críticas pontuais e de verdadeira relevância em muitos casos, mas não em todos. O mais freqüente dos argumentos “contra-dublagem” merece um destaque: o que afirma que a dublagem altera a atuação original do dublador/ator/atriz. Essa afirmação não é errônea. Existem trabalhos onde a dublagem modifica de maneira considerável a voz original, podendo mesmo resultar num produto inferior a seu original, mas essa não é a regra. Para as mudanças no texto, a dublagem deixa claro bem no início que estamos assistindo a uma “versão brasileira”, e não “tradução brasileira” ( “versão brasileira, Herbert Richers”, alguém se lembra?). Xiitas de plantão não podem negar que cada língua possui expressões intraduzíveis ou de significados que, para nós, não fariam o menor sentido, pois dizem respeito a outras vivências e culturas bastante diferentes da nossa. Ou será que podemos esquecer que mesmo as apropriadas legendas passam pelo mesmo sistema de “adaptação”, quando não simplificam textos inteiros? Uma vez que existem histórias de temática universal, não há problema algum em encontrar personagens com sotaques paulistas, cariocas, baianos, jargões como “o cão chupando manga” ou “qualé neguinho” se isso for usado de maneira a contribuir com a identificação com tal personagem ou para nossa melhor compreensão da história – que muitas vezes é o que acaba sustentando a relação filme-espectador. A verdade é que existe um equilíbrio no número de adaptações boas e ruins no que se refere à dublagem nacional. O lugar mais apropriado para se encontrar esse equilíbrio são em trabalhos animados, seja nos tradicionais desenhos ou animes da televisão, ou nos longas-metragens animados que chegam todos os anos às telas de cinema. Por ter uma linguagem mais solta, normalmente com brincadeiras, piadas ou trocadilhos, as animações necessitam de uma adaptação. Um outro ponto freqüente é a questão que se levanta de que “se estamos assistindo um filme dublado, quer dizer que não acompanhamos o desempenho do ator original, uma vez que o ouvimos através de outra pessoa, ouvimos a outra pessoa”. Mas essa afirmação não leva em conta que, no caso dos filmes, o dublador procura, da maneira mais próxima possível, sustentar a entonação, o ritmo, o modo e tudo o que compõe a voz do ator original, não fugindo de sua característica original. Um recurso que vem perdendo um pouco de freqüência por motivos eu desconheço, mas que ainda é utilizado no Brasil, é o recurso do dublador “boneco”. Esse é o caso de dubladores que quase sempre dublam a voz do mesmo ator. Alguns bons exemplos são Mário Jorge, dublador do John Travolta, ou saudoso Newton da Matta, falecido em 2006 e dublador do Bruce Willis.

Pensar na dublagem como uma deturpação da obra original parece às vezes um pensamento bastante ingênuo e desinformado quanto aos profissionais do ramo. No Brasil, o dublador tem de ter registro de ator – até quatorze anos, o jovem não precisa de registro profissional, mas de uma autorização da Vara da Infância e Juventude – e para se obter esse registro, excluindo-se o caso de “eventuais” picaretagens que acontecem em todas as áreas, é preciso que suas atividades como ator ou artista sejam comprovadas com um portfólio ou qualquer outro meio de registro de suas atividades no meio. Além disso, a maior parte dos dubladores nacionais são profissionais que fazem da dublagem sua principal atividade de trabalho, ou seja, há aí todo um estudo acadêmico de atuação somado a uma experiência de campo específica, que é cada vez mais aperfeiçoada com o passar dos anos. E não só isso, dão aulas em escolas de dramatização, atuam em peças de teatro, eventualmente fazem trabalho menores na televisão ou cinema, desenham quadrinhos, escrevem, enfim, realizam uma inumerável quantidade de trabalhos diversos ao de dublagem mas que podem comprovar suas habilidades para esta função.

Claro que não são todos os trabalhos dublados que são dignos de nota e existem estúdios que realmente dispõem de material precário e profissionais inexperientes, mas isso é um fato natural, assim como existem filmes ruins ou com características ruins. Mais fundamentadas seriam as críticas às distribuidoras que cada vez mais adquirem o hábito de utilizar “celebridades” da televisão para dublar os filmes de potencial lucrativo. Atores sem a menor preparação são colocados como protagonista, reservando para os dubladores profissionais os papéis de coadjuvantes que, não raro, roubam a cena. E essa manobra de marketing não é uma decisão dos estúdios, mas das distribuidoras.

Mas o fator mais impressionante é pensar no número de pessoas que critica o material dublado num país onde há cerca de 16 milhões de analfabetos, além das pessoas com dificuldades de leituras por N fatores e, claro, das crianças ainda em idade de alfabetização.

O direito de acesso ao áudio original deve ser inegável àqueles que optarem por esse material, mas que a mesma forma se dê no que diz respeito ao material de áudio dublado. Talvez, ao invés de criticar se uma produção deva ou não ser dublada, fosse mais relevante investir em estudos para uma melhor distribuição e divisão dos dois tipos de áudio (original e dublado), de forma que cada grupo pudesse desfrutar da obra audiovisual da maneira que achar melhor, mas, infelizmente, isso parece ainda uma utopia frente a uma discussão generalizada, de maneira muitas vezes desinformada e preconceituosa.

Por ora, ficam meus parabéns a tantos profissionais da área como Guilherme Briggs, Alexandre Moreno, Alessandra Araújo, Alfredo Rollo, Bianca Alencar, Márcia Regina, Wendell Bezerra, Waldyr Santana, Garcia Neto, Mirian Fischer, Élcio Sodré, Hermes Barolli, Cecília Lemes, Carla Pompillo, Márcio Seixas, e tantos outros.

A seguir, o link para um trabalho feito por alunos da PUC-Rio sobre dublagem.

[youtube=http://br.youtube.com/watch?v=tzr05AjhuVw&feature=related]

[youtube=http://br.youtube.com/watch?v=tG4ddr-Slh0&feature=related]

[youtube=http://br.youtube.com/watch?v=ZRL62tFaytc&feature=related]

[youtube=http://br.youtube.com/watch?v=YvYQGf4VPzw&feature=related]

Feliz ano velho

2009-01-12T18:03:00.000-02:00

Mais um ano cinéfilo chegou ao fim. Foram cerca de 238 filmes que assisti em 2008, entre cinema, televisão, VHS (ainda não aposentei o meu), DVD e outras formas que acabo inserindo em uma das anteriores. Trabalho com uma tabela de registro desde 2005 e, desde então, ano-a-ano o número de filmes vem aumentando, mas não pretendo passar muito da média atual.

Fico com a impressão que 2008 não foi um ano com muitas opções memoráveis no cinema, ao menos, não como a sensação dos anos anteriores. Sendo assim, foi um ano para descobrir circuitos alternativos e investir nos meios caseiros (DVD, VHS e PC). Felizmente, dessa busca, foi possível me aproximar enfim de cinematografias obrigatórias de personagens centrais na história do cinema, coisa que vinha tendo dificuldades por ter de dividir o tempo com os trabalhos e pesquisas da faculdade. Mas foi mesmo a partir dessas pesquisas que, o que era opção, se tornou uma obrigação para, em seguida, se tornar uma necessidade. Com prazer me aproximei de Godard, Glauber, Antonioni, e tantos outros para conferir seus trabalhos. Um estudo sobre as vanguardas européias me auxiliou a entender melhor a linha do tempo cinematográfica e os acontecimentos que pontuaram essa história. Entender as diferenças essenciais entre Vertov e Eisenstein no construtivismo russo, o impressionismo francês,o expressionismo alemão, a trinca neo-realismo italiano/ nouvelle vague francesa / cinema novo brasileiro e de outras nacionalidades, Hollywood, apenas para ficar em alguns temas. Evidente que a intenção era sempre observar e entender seus processos, e não gostar de tudo o que me foi apresentado. É curioso notar que houve vários trabalhos e movimentos com os quais não consegui obter interesse ou identificação apesar da necessidade de estudá-los (não consigo me dobrar a Fellini, Truffaut é absurdamente irregular e, por mais que eu goste de Wenders, tendo a achar que, ao menos a partir da última década e meia, ele é superestimado). Mas é exatamente essa diversidade que alimenta a vontade de continuar a estudar e fazer cinema.

Foi também um ano de descobertas, confirmações e paixões. Ótimas descobertas de nomes do documentário como Eduardo Coutinho e Andrea Tonacci; de confirmações dos cinemas de Paul Thomas Anderson e do cinema nacional e, finalmente, paixão pelo cinema de Resnais e Wong Kar-Wai, cineastas que fazem parte de minha pesquisa acadêmica sobre o espectador.

Enfim, há muito que dizer sobre o cinema do ano de 2008 e, ao longo deste ano, eu poderei retomar pontos importantes e escrever sobre os mesmos de maneira mais aprofundada.

A seguir, um texto que sobre a dublagem e uma retrospectiva pessoal, mês-a-mês, sobre os filmes de 2008.

Muito cinema para todos nós em 2009. ^_^

Temporada de prêmios

2008-12-22T22:12:00.000-02:00

Depois de Cannes, Veneza, Toronto e tantos outros festivais de cinema, começou nos Estados Unidos a temporada de premiações dos melhores filmes do ano... de lá, é claro. SAG, WGA, DGA, AFI, Globo de Ouro, Oscar..Sindicatos, organizações, revistas, sites, programas de TV, todos começam a revelar seus indicados ou vencedores a melhores filmes do ano, dividindo-os em categorias ou elegendo obras únicas.

Sem qualquer intenção de criticar as escolhas dos filmes ou sua qualidade – até porque a grande maioria nem estreou por aqui, guardadas pelas produtoras exatamente para essa época do ano – fica a ressalva de que estas são premiações do cinema (e televisão) AMERICANO e não “mundial” como gostam de dizer por aí. O mundial fica apenas no fato da produção de cinema ianque ser hegemônica ao redor do mundo, resistindo e sufocando a produção local de outros países. Mas não vamos falar disso agora, pois seria necessário falar de outros pontos importantes como sistemas de produção, investimento e lucros, indústria e produção independentes, perfil de público...

O objetivo é dizer que, se sua intenção for torcer o nariz para essas premiações, fique a vontade quanto a isso, mas que não seja também para suas produções. Nem tudo o que se faz na “nave-mãe” é descartável e há sempre boas surpresas no meio, ainda que freqüentemente se encontrem produções que agradem apenas àqueles velhinhos ranzinzas sentados em cadeiras cheias de teia de aranha da academia e da velha guarda dos sindicatos.

Como em QUALQUER parte do mundo, há na terra de Obama produções ruins ou boas, independente da quantidade de produção ou dos meios escusos, pérfidos e sujos que permeiam essa produção. Não devemos em momento algum deixar de discutir e apontar os problemas da produção cinematográfica mundial, principalmente o famigerado cinema norte-americano, mas não nos permitamos que a cegueira de um eventual radicalismo anule a oportunidade de assistir a um bom filme, que faça jus a tudo o que o cinema construiu de bom ao longo dos anos. Sim, existem boas obras no cinema do Tio Sam e, se não for para encontrá-las por meio de suas premiações, que seja por outros meios destituídos de qualquer preconceito que possa evitar a apreciação de uma obra relevante.

Segue abaixo a lista de indicados ao Globo de Ouro 2009 e a esperança de que todos continuem a freqüentar os cinemas, seja para falar bem ou mal, seja para assistir produções americanas, brasileiras, inglesas, italianas, francesas, chilenas, iranianas, coreanas, suecas, dinamarquesas, jamaicanas, tibetanas...

cinema
MELHOR FILME [DRAMA]
O Curioso Caso de Benjamin Button
Frost/Nixon
The Reader
Foi Apenas um Sonho
Slumdog Millionaire

MELHOR FILME [MUSICAL ou COMÉDIA]
Queime Depois de Ler
Simplesmente Feliz
Na Mira do Chefe
Mamma Mia!
Vicky Cristina Barcelona

MELHOR ATRIZ [DRAMA]
Anne Hathaway (O Casamento de Rachel)
Angelina Jolie (A Troca)
Meryl Streep (Doubt)
Kristin Scott Thomas (I’ve loved you so long)
Kate Winslet (Foi Apenas um Sonho)

MELHOR ATRIZ [MUSICAL ou COMÉDIA]
Rebecca Hall (Vicky Cristina Barcelona)
Sally Hawkins (Simplesmente Feliz)
Frances McDormand (Queime Depois de Ler)
Meryl Streep (Mamma Mia!)
Emma Thompson (Last Chance Harvey)

MELHOR ATOR [DRAMA]
Leonardo DiCaprio (Foi Apenas um Sonho)
Frank Langella (Frost/Nixon)
Sean Penn (Milk)
Brad Pitt (O Curioso Caso de Benjamin Button)
Mickey Rourke (The Wrestler)

MELHOR ATOR [MUSICAL ou COMÉDIA]
Javier Bardem (Vicky Cristina Barcelona)
Colin Farrell (Na Mira do Chefe)
James Franco (Segurando as Pontas)
Brendan Leeson (Na Mira do Chefe)
Dustin Hoffman (Last Chance Harvey)

MELHOR FILME DE ANIMAÇÃO
Bolt - Supercão
Kung Fu Panda
Wall-E

MELHOR FILME DE LÍNGUA ESTRANGEIRA
The Baader Meinhof Complex (Alemanha)
Everlasting Moments (Suécia/Dinamarca)
Gomorra (Itália)
I’ve loved you so long (França)
Waltz With Bashir (Israel)

MELHOR ATRIZ COADJUVANTE
Amy Adams (Doubt)
Penelope Cruz (Vicky Cristina Barcelona)
Viola Davis (Doubt)
Marisa Tomei (The Wrestler)
Kate Winslet (The Reader)

MELHOR ATOR COADJUVANTE
Tom Cruise (Trovão Tropical)
Robert Downey Jr. (Trovão Tropical)
Ralph Fiennes (A Duquesa)
Philip Seymour Hoffman (Doubt)
Heath Ledger (Batman - O Cavaleiro das Trevas)

MELHOR DIRETOR
Danny Boyle (Slumdog Millionaire)
Stephen Daldry (The Reader)
David Fincher (O Curioso Caso de Benjamin Button)
Ron Howard (Frost/Nixon)
Sam Mendes (Foi Apenas um Sonho)

MELHOR ROTEIRO
Simon Beaufoy (Slumdog Millionaire)
David Hare (The Reader)
Peter Morgan (Frost/Nixon)
Eric Roth (O Curioso Caso de Benjamin Button)
John Patrick Shanley (Doubt)

MELHOR TRILHA SONORA ORIGINAL
Alexandre Desplat (O Curioso Caso de Benjamin Button)
Clint Eastwood (A Troca)
James Newton Howard (Defiance)
A. R. Rahman (Slumdog Millionaire)
Hans Zimmer (Frost/Nixon)

MELHOR CANÇÃO ORIGINAL
Down to Earth (Wall-E)
Gran Torino (Gran Torino)
I Thought I Lost You (Bolt - Supercão)
Once In A Lifetime (Cadillac Records)
The Wrestler” (The Wrestler)

televisão
MELHOR SÉRIE [DRAMA]
Dexter
House
In Treatment
Mad Men
True Blood

MELHOR SÉRIE [MUSICAL ou COMÉDIA]
30 Rock
Californication
Entourage
The Office
Weeds

MELHOR ATRIZ [DRAMA]
Sally Field (Brothers and Sisters)
Mariska Hargitay (Law and Order: SVU)
January Jones (Mad Men)
Anna Paquin (True Blood)
Kyra Sedgwick (The Closer)

MELHOR ATRIZ [MUSICAL ou COMÉDIA]
Christina Applegate (Samatha Who?)
America Ferrea (Ugly Betty)
Tina Fey (30 Rock)
Debra Messing (The Starter Wife)
Mary-Louise Parker (Weeds)

MELHOR ATOR [DRAMA]
Gabriel Byrne (In Treatment)
Michael C. Hall (Dexter)
Jon Hamm (Mad Men)
Hugh Laurie (House)
Jonathan Rhys Meyers (The Tudors)

MELHOR ATOR [MUSICAL ou COMÉDIA]
Alec Baldwin (30 Rock)
Steve Carell (The Office)
Kevin Connolly (Entourage)
David Duchovny (Californication)
Tony Shaloub (Monk)

MELHOR MINISSÉRIE OU FILME
A Raisin in the Sun
Bernard and Doris
Cranford
John Adams
Recount

MELHOR ATRIZ DE MINISSÉRIE OU FILME
Judi Dench (Cranford)
Catherine Keener (An American Crime)
Laura Linney (John Adams)
Shirley Maclaine (Coco Chanel)
Susan Sarandon (Bernard and Doris)

MELHOR ATRIZ COADJUVANTE EM MINISSÉRIE OU FILME
Eileen Atkins (Cranford)
Laura Dern (Recount)
Melissa George (In Treatment)
Rachel Griffiths (Brothers and Sisters)
Dianne Wiest (In Treatment)

MELHOR ATOR EM MINISSÉRIE OU FILME
Ralph Fiennes (Bernard and Doris)
Paul Giamatti (John Adams)
Kevin Spacey (Recount)
Kiefer Sutherland (24: Redenção)
Tom Wilkinson (Recount)

MELHOR ATOR COADJUVANTE EM MINISSÉRIE OU FILME
Neil Patrick Harris (How I Met Your Mother)
Denis Leary (Recount)
Jeremy Piven (Entourage)
Blair Underwood (In Treatment)
Tom Wilkinson (John Adams)

Dados da Retomada

2008-12-16T00:21:00.000-02:00

Alguns dados referentes ao cinema da Retomada no período de 1995 a 2007:

Número de longas lançados:

1995: 13 filmes

1996: 18 filmes

1997: 21 filmes

1998: 23 filmes

1999: 28 filmes

2000: 22 filmes

2001: 30 filmes

2002: 29 filmes

2003: 29 filmes

2004: 28 filmes

2005: 45 filmes

2006: 70 filmes

2007: 78 filmes

Público:

1995: 3.123.508

1996: 1.070.852

1997: 3.750.913

1998: 4.330.557

1999: 6.092.101

2000: 6.341.269

2001: 7.948.065

2002: 7.093.550

2003: 21.584.122

2004: 16.568.848

2005: 10.178.369

2006: 10.641.707

2007: 9.013.789

As 10 maiores bilheterias desde 95:

1º) Dois filhos de Francisco (2005): 5.319.677

2º) Carandiru (2003): 4.693.853

3º) Se Eu Fosse Você (2006): 3.644.956

4º) Cidade de Deus (2002): 3.307.746

5º) Lisbela e o Prisioneiro (2003): 3.169.860

6º) Cazuza – O Tempo Não Pára (2004): 3.082.522

7º) Olga (2004): 3.076.297

8º) Os Normais (2003): 2.977.641

9º) Xuxa e os Duendes (2001): 2.621.793

10º) Tropa de Elite (2006): 2.417.193

Os dados estão disponíveis no site da Ancine - http://www.ancine.gov.br/.

- Curioso perceber como o expressivo salto na quantidade de produções do ano de 2004 para o ano de 2005 seguiu paralelamente a um decréscimo de público.

- 2003, o ano pós-Cidade de Deus viu Carandiru se tornar a maior bilheteria de um filme nacional – e ficou nessa posição até 2005 - e teve o recorde de público da retomada.

- Há pouco mais de quatro anos eu assisti Cazuza – O tempo Não Pára no antigo Cine Ipiranga, um dos mais famosos cinemas do centro de São Paulo, situado na Avenida Ipiranga e que fica de frente a outro clássico, o Marabá. Infelizmente, essas salas estão fechadas desde então (o Marabá ainda exibiu alguns filmes até meados desse ano), sem previsão alguma de reabertura ou reformas. São os cinemas “multiplex” vencendo a batalha.

A beleza de Miyazaki

2008-12-11T23:15:00.000-02:00

Miyazaki tem muito a dizer. Tem tanto a dizer que sua obra não se reflete apenas nas palavras de seus personagens ou na escrita de suas histórias, seja para a televisão, para o cinema ou para meios impressos. Para se ter uma pequena idéia de tudo o que ele tem a dizer, é necessário bastante atenção a todos os componentes de qualquer obra sua. A riqueza de detalhes de suas composições só não parece ser maior do que o esforço depositado ali para que tamanha grandeza repouse numa simplicidade gritante. Se a arquitetura moderna clamava aos quatro cantos que “menos é mais”, em Miyazaki o menos parece ser muito mais.

Fica uma forte impressão ao final de cada filme do animador e cineasta japonês de que estamos diante de alguém que não abre mão, de maneira alguma, da animação tradicional, apenas incorporando novos recursos tecnológicos como meras ferramentas de apoio para esse fim. Mais ainda, Miyazaki nunca deixa em segundo plano sua arte de pinturas, assim como não deixa de lado outras características presentes na maior parte de sua obra, como a preocupação com a natureza ou a aviação, sempre presente em algum nível (fruto das lembranças de sua infância onde o pai trabalhava em uma fábrica de lemes para aviões). O que poderia ser confundido com conservadorismo acaba se revelando como um dom único, de alguém que vive para a arte como forma de conscientização dos males que provocamos ao nosso planeta.

Outra bem sucedida iniciativa é a confiança na possibilidade de se criar algo original, mesmo que trabalhando com um folclore popular que poderia não fazer o menor sentido fora de terras asiáticas. Nunca duvidamos do mundo mágico ou dos personagens divertidos, estranhos, belos ou bizarros que protagonizam as histórias do criador japonês, porque ele, desde o início, os coloca em posições simbólicas, mas nunca fechadas em estereótipos. Mesmo os vilões, ainda que possam estar sugeridos superficialmente como tais através de seu aspecto, nunca podem ser taxados essencialmente como alguém mal. A inversão visual de papéis que Miyazaki constrói em seus filmes mexe com a passividade do espectador, acostumado a receber arquétipos de bandeja. A partir disso, um porco heróico nos remete à ícones do cinema hollywoodiano como Clark Gable, por sua postura e seus princípios de honra, mas que não deixa de ser fisicamente um porco. Ou Sophie, protagonista de O Castelo Animado, que devido a uma maldição passa boa parte da história como uma velha de aparência feia e frágil. Totoro, um “bichinho bonito e fofo”, faz sua magia através de berros assustadores e o que dizer da muitas vezes sombria casa de banhos onde Chihiro é obrigada a trabalhar para salvar os pais? Estas obram não duvidam em momento algum de nossa inteligência, pelo contrário, parecem querer estimulá-la visualmente a todo o instante. A superficialidade de um mundo visualmente esgotado pelo excesso é substituída aqui por um exercício apurado do olhar diante de outro mundo, um pouco mais belo, um pouco mais colorido, por vezes, um pouco mais sombrio, mas, geralmente, muito parecido com o nosso. Para se perceber isso é só prestar atenção nas velhas entrelinhas.

Se nas últimas décadas viu-se crescer certo interesse do ocidente pelo oriente, não há como negar que boa parte desse interesse partiu da cultura popular e sua intrínseca característica de absorver tudo ao seu redor, principalmente aquilo que, aparentemente, seja exótico. Não foi diferente com os filmes, com as pinturas, com os mangás e, finalmente, com os animes japoneses. E ainda que seja um sacrilégio reduzir um filme de Miyazaki a um simples anime (desenho animado japonês), é provável que ele não veja inconveniente algum nisso, pois dentro de sua obra também há um vasto espelho do que a de mais belo na cultura milenar japonesa e do que há na nossa própria cultura, a cultura ocidental de novos e velhos mundos. E se através dessa absorção, pudermos aprender algo mais, nem que seja uma mudança simples de olhar quanto às pequenas coisas da vida, parte dos objetivos de filmes como Porco-Rosso, Meu Vizinho Totoro, A Viagem de Chihiro, Princesa Monoke, Nausicaä, entre tantos outros, estará atingido.

E que as tantas aposentadorias anunciadas por Miyazaki ao longo dos anos, continuem a ser apenas estímulo para que ele retorne com mais obras-primas.

Arigatou gozaimasu, sensei.

Crepúsculo dos Deuses

2008-12-08T23:09:00.000-02:00

Não é sempre que um título em português para uma produção estrangeira seja tão sonoro e tão oportuno como no caso de Sunset Blvd: Crepúsculo dos Deuses (1950) é considerado por muitos a obra-prima de Billy Wilder, uma obra de absoluta relevância na história do cinema, cujos ecos soam nítidos e firmes até os nossos dias.

O roteirista fracassado Joe Gillis (William Holden), fugindo de seus cobradores, acaba numa imensa mansão que pensa estar abandonada, até descobrir que ali vivem a ex-estrela do cinema mudo Norma Desmond (Gloria Swanson) e seu fiel empregado Max von Mayerling (Erich Von Stroheim). Ao descobrir a ocupação de seu visitante, Norma decide contratá-lo para revisar o roteiro que vem escrevendo há anos e que será seu grande retorno (nada de "volta", como ela mesma afirma) ao estrelato. O filme será dirigido pelo lendário Cecil B. DeMille. Gillis, a fim de unir o útil ao agradável (mais útil por causa de suas dívidas do que agradável) acaba aceitando a proposta e dá-se início a uma bizarra relação entre Norma e Gillis, com o empregado Max para fechar a trinca.

É dentro dessa história que Wilder vai realizar um filme imenso, que tem como uma de suas maiores forças o fato de ser também uma imensa contradição. A história da ex-dama do cinema mudo que vive esquecida pela mídia e pelo grande público - ficção que se confunde com a vida real, uma vez que a própria Swanson já participara de mais de 50 filmes e na época de Crepúsculo... estava praticamente esquecida - é apenas um dos "cutucões" nas feridas que existem no grande corpo de Hollywood. As diferenças de tratamento, o papel dos agentes, a relação dos estúdios com o lucro, o Star-System, enfim a grande aura de "negócios" que envolve TODO o universo Hollywoodiano é tratado ou citado em algum nível no filme. E a competência na realização de Crepúsculo dos Deuses fez do próprio filme um sucesso inquestionável e um símbolo da era de ouro de Hollywood.

Felizmente, isso é plenamente justificável ao se assistir a película e ver desfilarem a frente atores de extrema competência, encaixados numa mis-en-scène perfeita. Gloria Swanson é um monstro no papel de Norma, crescendo na tela a cada aparição e dizendo frases pontuais e certeiras, como aquela que se tornou uma das mais famosas do cinema "Eu sou grande. Os filmes é que ficaram pequenos". Os contrastes do preto-e-branco acentuados nas cenas de Gillis e Norma apenas potencializam a relação de caça e caçador que eles partilham ao longo do filme. A auto-referência se expande quando vemos em cena outras figuras decisivas na história do cinema como Buster Keaton, Hedda Hopper e o próprio DeMille, vivendo a si mesmo na tela. Além disso, o inusitado roteiro nos remete a obras não necessariamente literárias: o protagonista que se revela já defunto (e o vemos morto) no início do filme remete imediatamente ao excêntrico Brás Cubas, da obra de Machado de Assis; e influenciou a forma de personagens de consagradas produções recentes a contarem suas histórias, como o Lester Burham (Kevin Spacey) de Beleza Americana (1999).

O filme acaba se revelando um sofisticado exercício de metalinguagem, onde aponta o dedo para o próprio rosto e se denuncia diante do espectador, mas não deixa também de fazer a ação inversa e apontar o dedo em nossa direção. O ápice de toda a construção de Crepúsculo dos Deuses culmina num final arrebatador, onde os excessos parecem emergir de maneira natural e o absurdo faz todo o sentido com o que fora construído até ali. Mesmo a previsibilidade do desfecho não deixa de ser um interessante componente numa obra que se propôs desde o início a criticar a tradição do cinema. A cena de Norma descendo a escadaria e crescendo em nossa direção parece simbolizar um cinema feito em indústria, que nos engole por inteiro e nos sufoca, ditando a direção da maior parte da produção cultural do último século e de parte do início desse novo século. Mas assim como Gillis, seja por necessidade, preguiça ou pura conveniência, aceitamos essa imposição e, não há problema algum nisso, desde que estejamos a par daquilo que ingerimos e que nos responsabilizemos por eventuais efeitos colaterais, caso contrário, o antiácido talvez não ajude muito. ;-)

Considerações de um Noitão HSBC

2008-11-26T21:57:00.000-02:00

Da Cama Para a Fama (Torremolinos 73)

Produção espanhola de 2003 que conta a história de um vendedor de enciclopédias e sua esposa que, passando por uma crise financeira, acabam aceitando a inusitada proposta de seu chefe de filmar suas relações sexuais para um “estudo científico” que está sendo feito na... Escandinávia (??!!). A produção é charmosa e cativante em sua primeira metade. A absurda situação acaba transformando a vida do casal, que começa a ascender socialmente com o dinheiro ganho e a recuperar o ânimo já perdido com a rotina de tantos anos de casamento. Alfredo (Javier Cámara), inspirado por Ingmar Begman, vai descobrindo e experimentando pouco a pouca as nuances da linguagem cinematográfica (sim, ele faz isso em sues filmes pornô-amador... ou melhor, estudos científicos), chegando até a escrever um roteiro inspirado em O Sétimo Selo. Carmem (Candela Peña) faz emergir sua sensualidade adormecida, ainda que das maneiras mais estabanadas possíveis. Mas é o desejo desta de ser mãe que acaba conduzindo o filme para uma segunda parte que deixa cair bastante o ritmo até então constante e divertido. Apesar de tratar de questões interessantes nessa parte, como as imposições do chefe de Alfredo quanto às decisões finais de seus filmes, a produção oscila entre comédia e drama de maneira desequilibrada, e algumas conclusões acabam parecendo um tanto absurdas e contrastantes com o que havia se construído até então – mesmo com uma história tão improvável como essa -, e isso fica explícito, por exemplo, na solução para o desejo de Carmem. Mas mesmo com um final um pouco preguiçoso, esse Torremolinos 73 vale por sua divertida e inteligente primeira metade, boa o suficiente para nos manter até o final do filme a espera de mais uma boa sacada, mesmo que ela não venha.

Vicky Cristina Barcelona

As duas amigas Vicky (Rebeca Hall) e Cristina (Scarlett Johansson) chegam a Barcelona com objetivos diferentes, mas que já refletem suas personalidades. Vicky está na viagem fazendo pesquisas para sua tese. Ela é prática, objetiva, centrada. Cristina está lá porque acabou um relacionamento e precisa de novos ares, de novas aventuras. Ela é impulsiva, instável, pseudo-artista. As duas são “opostos” que se entendem. Em determinado momento elas conhecem Juan Antonio (Javier Bardem), pintor charmoso, modelo de artista exótico latino que vive uma estranha relação de amor e ódio com sua ex-mulher e gênio-indomável Maria Elena (Penélope Cruz, linda, e reafirmando a teoria de que é uma atriz muito mais competente falando sua língua materna). Ah! , Vicky está noiva de um advogado certinho, mas fica balançada pelo pintor Juan Antonio, que se envolve com Cristina, que se envolve com Maria Elena, que se envolve com Juan Antonio... É assim, nessa mistura de personagens arquetípicos e das cores da Espanha que Woody Allen tece mais uma vez suas questões existenciais a respeito do amor e do sentido da vida. Mas dessa vez ele parece não utilizar apenas um alterego, como acontece em filmes nos quais não atua, mas divide suas neuroses em várias facetas, trabalhando os clichês ambulantes que são as personagens do filme em favor de determinada linha de pensamento. Allen parece estar mais tranqüilo com o fato de que algumas coisas na vida que não necessariamente necessitam de alguma razão para ser ou acontecer. Tranqüilidade que só poderia mesmo ter vindo com a idade e com a experiência de alguém que viveu a vida fazendo filmes como parte de sua terapia. Vicky Cristina Barcelona é um filme leve, seguro, gostoso de assistir, menos ambicioso do que as últimas e irregulares produções londrinas do diretor. Fica apenas um “porém” quanto ao final do filme: como tem acontecido com freqüência em mais e mais produções, ele aparece em forma de uma inconclusão um tanto quanto preguiçosa. Não chega a frustração sem vergonha que é o final de O Sonho de Cassandra, até porque o diretor nunca fecha seus filmes de maneira definitiva, mas para quem já ousou se despedir do público na companhia do fantasma de Humphrey Bogart (em Sonhos de um Sedutor), fazer com que tudo volte ao normal soa mais com “tirei o meu da reta”.

Rebobine, Por favor

A fim de atualizar seus conhecimentos a respeito do atual mercado de locação de filmes, o dono de uma locadora (Danny Glover) deixa seu ajudante (Mos Def) tomando conta do local por alguns dias, deixando como única recomendação que ele não permita que seu amigo (Jack Black) chegue perto do lugar. Pois o pior acontece e o personagem de Black desmagnetiza acidentalmente todas as fitas do local. Utilizando uma técnica conhecida como “suecada”, os dois amigos reencenam os filmes em versões de mais ou menos vinte minutos e com os recursos disponíveis e logo fazem da velha locadora um sucesso novamente. Essa é o plot principal do novo filme do diretor Michel Gondry. Diretor de rara inventividade técnica, a história permite que Gondry exiba toda a sua capacidade inventiva como uma homenagem aos diversos “filmes sessão da tarde” que formaram muitas crianças e jovens entre a década de 80 e 90 e, possivelmente, aos pioneiros do primeiro cinema - quando a linguagem cinematográfica era somente um esboço inconsciente - e aos desbravadores do vídeo dos anos 80, aos quais o próprio Gondry deve bastante. Mas assim como em seu filme anterior The Science of Sleep, o diretor esbanja técnica, mas economiza em roteiro e, se antes ele ainda podia se apoiar no carisma de Stephane (Gael Garcia Bernal), aqui nem mesmo os simpáticos moradores do bairro da locadora salvam a fita da mediocridade. Se Woody Allen utilizou os clichês da melhor maneira possível em seu novo filme, Gondry escolheu o que há de pior, com um resultado pífio e muito, mas muito aquém do seu ainda melhor filme Brilho Eterno de Uma Mente Sem Lembranças. Se tantos anos na direção de excelentes videoclipes foram capazes de alimentar toda a sua imaginação, resultando numa sempre segura e corajosa condução das imagens, não custava nada ao diretor um pouco mais de modéstia e exercício de observação e estudo de roteiros (e olha que os roteiros de Charlie Kaufman não são pouca coisa). Talvez, inconscientemente, Gondry tenha tentado fazer também seu filme sessão da tarde. Diversão despretensiosa, criativa, com potencial “cult”. Só se esqueceu que o público dessa época também mudou, e que a cultura da nostalgia já passou da fase de celebrar os anos 80. E, além de parar no tempo, ainda colocou um rótulo na embalagem de seu produto escrito “descartável”. ;-)

Cinema histórico em tempo real

2008-11-10T13:27:00.000-02:00

Numa época de convergência de mídias em meios digitais, uma época pós-vanguardas, pós-moderna, digital, saturada de imagens e de extrema velocidade, como permanece o cinema como um dos alicerces da cultura da sociedade, e mais, como produzir imagens numa época onde já se viu de tudo e onde o espectador não mais pode ser um mero receptor de determinada informação? Qual é o audiovisual produzido no cinema do final do século XX e nesse início de século XXI?

A década de 90 chegou em meio a uma nova ordem, não só no que diz respeito a questões políticas, mas também a um novo cenário social e tecnológico. Após períodos conturbados, de disputas e conflitos, o homem do final do século finalmente gozava de certa liberdade de direção. Toda a tecnologia inventada, explorada e utilizada nas décadas anteriores agora caminhava por um percurso diferente, não tão centrado e de forma muito mais abrangente. Percurso este com uma nova característica que se mostrou essencial ao desenvolvimento dessa tecnologia: a convergência. Os meios de comunicação passaram a manter um contato mais freqüente entre si, trocando experiências e percebendo que muitas vezes o desenvolvimento de suas linguagens – e cada meio possui a sua linguagem específica – ocorria de forma paralela. E o cinema foi dentre esses meios o que mais transitou por outras formas de linguagens e, conseqüentemente, absorveu e as converteu para o seu próprio fim. E por mais estranha que possa parecer essa característica de absorção – isso se pensarmos na linguagem cinematográfica como uma das mais enraizadas dentro das linguagens de mídia comunicacional -, é ela também quem reafirma o poder do cinema em transformar o seu redor em matéria-prima essencial para seu desenvolvimento.

Ao longo do século XX, a importância e a utilização da imagem atingiram proporções nunca antes experimentadas. A imagem, que já ganhara um novo sentido e abrira novos horizontes com a fotografia, ganhava o mundo através do cinema, sendo utilizada tanto em fins meramente comerciais, como para propagar ideologias (vide filmes como O Triunfo da Vontade, de Leni Riefenstahl, O Encouraçado Potemkin, de Eisnstein ou Intolerância, de D. W. Griffith) e mesmo ditar a moda e os costumes de seu tempo. A televisão consolidou o fascínio do público pelo material audiovisual e, se num primeiro momento, procurava simular no lar a experiência do cinema, não tardou a encontrar seu espaço próprio, a ponto de fazer a produção cinematográfica repensar seu papel na indústria de entretenimento e seus fins. Se o cinema trouxe a projeção como uma das partes principais de seu aparato técnico, foi a transmissão na maquinaria televisual (a televisão e posteriormente o vídeo) que trouxeram novos aspectos a imagem, agora ao alcance de todos e em tempo real (Phillipe Dubois).

E é neste último ponto (o tempo real), que se estruturou o desenvolvimento dos meios e da cultura contemporânea. Pensar em tempo real nos remete à velocidade com a qual é transmitida determinada informação de sua fonte emissora até o seu receptor. Quando, num primeiro momento, a barreira da velocidade foi aparentemente quebrada pela emissão em cadeia global pela televisão e, posteriormente, pela conectividade da internet, a percepção do usuário começou a sofrer alterações. O advento de novos meios de comunicação assim como um freqüente uso da imagem (diretamente ligado a lógica capitalista e conseqüentemente, ao consumo de produtos e afins), provocaram no espectador uma vontade cada vez mais crescente de ingerir novas sensações. Paralelo a isso, o cinema foi sofrendo dentro de seu universo algumas divisões que iam desde interesses pessoais a curiosidade de se experimentar novas técnicas de linguagem.

A favor da já citada propagação da imagem por todos os cantos, um tipo de cinema se estabeleceu como modelo tanto para fins comerciais quanto forma de expressar a vontade das massas: o cinema de Hollywood. Cinema construído a base de estrelas (sejam atores, diretores, produtores, roteiristas, etc.), de grandes orçamentos, de grandes estúdios, de grandes bilheterias, de premiações, o cinema de Hollywood perpetuou o modo de vida norte-americano e veio de encontro à nova realidade do mundo pós-guerra, com seu país saindo como grande vencedor e modelo de prosperidade. E ainda que houvesse uma grande produção independente, voltada a fins mais próximos a verdadeira realidade do povo ou de maior alcance artístico (e havia mesmo algumas produções de grande porte também com esses fins), a grande indústria do cinema aos poucos popularizou um formato de fazer cinema que, em detrimento a qualidade (roteiro), abusava de elementos como a estética e a popularização de suas estrelas. Ao mesmo tempo em que o cinema de Hollywood construía suas bases (que vinha desde o cinema mudo, passando pela guerra e pelo pós-guerra, chegando aos chamados blockbusters na década de 70), em outras partes do mundo, mais especificamente na Europa, o cinema era experimentado de outras formas. Além da já oposição cultural do velho continente em relação à América, outro olhar predominava e se refletia diretamente na produção audiovisual. Na Rússia, Sergei Eisenstein e Dziga Vertov, foram pioneiros em repensar a construção da imagem em suas formas de montagem (e Einsestein levou a gramática cinematográfica proposta por Griffith a um novo patamar, com sua montagem intelectual). Os alemães não fizeram diferente com seu expressionismo, revelando as angústias do povo na construção de uma estética extremamente particular e que viria a influenciar em algum grau todas as gerações posteriores, sem se restringir apenas a Alemanha. Mas é no período pós-guerra e em suas décadas posteriores que essa produção cinematográfica atingiu graus nunca antes alcançados. Partindo, antes de qualquer coisa, de um retorno ao interior do homem, livre de qualquer intromissão externa provocada pela nova ordem social, política e econômica e pela lógica consumista e generalizante que ganhava cada vez mais força por todo o mundo (e essa busca por uma espécie de “pureza” foi presença constante no pensamento das vanguardas artísticas européias desde o início), novos “cinemas” foram emergindo por todos os lados, a começar pelo neo-realismo italiano. A saída do cineasta dos grandes estúdios, indo buscar seu material diretamente nas ruas das cidades devastadas (e aqui encontramos uma referência aos filmes de Vertov, ou mesmo podemos voltar ainda mais no tempo, até os filmes dos irmãos Lumière) trouxe uma nova dimensão à construção da imagem. Além disso, os teóricos e críticos de cinema resolveram fazer eles próprios seus filmes a fim de trabalhar a linguagem que por tanto tempo apenas “assistiram”. Desse tipo de movimento – influenciado pelo neo-realismo e por alguns filmes da era clássica de Hollywoood – nasceu a Novelle Vague francesa. Alan Resnais, Claude Chabrol, Eric Rohmer, François Truffaut, Jean-Luc Godard (especialmente Godard), entre outros, criaram uma nova forma de se fazer cinema. Um cinema a baixo custo, sem estrelas, autoral, de imagens com sentido e motivo de estar ali, com um trabalho sonoro específico e trabalhado (ou mesmo sem qualquer som), cinema de crítica e muitas vezes de homenagem ao próprio cinema. E sendo inspiração para outros cinemas, como o Cinema Novo, no Brasil. As conseqüências desse movimento podem ser encontradas já na década de 70, quando Jean-Luc Godard deu inicio a diversos experimentos com a imagem enquanto fazia parte do grupo Dziga Vertov (e posteriormente também).

Nesse momento, a sociedade passava por um conturbado período. A Guerra Fria e a corrida armamentista desenvolviam cada vez mais a tecnologia, que era repassada para os setores de consumo e transformada em eletrodomésticos. Desse momento advém o computador,construindo bases que permanecem até seu formato atual. As ditaduras espalhadas pelo mundo e alguns conflitos sem motivos reais ou específicos (como a guerra do Vietnã) geraram um novo censo crítico na população que, ainda que continuasse a consumir os produtos e absorver um sem fim de imagens publicitárias, começa a questionar sua postura de completa passividade. Pensando no que ocorreu com o cinema dos Estados Unidos, grande catalisador da cultura consumista, é nessa época que surgem cineastas que, assim como os franceses na Novelle Vague ou italianos neo-realistas, vão buscar um cinema mais autoral, um cinema de rua, de pessoas comuns, de marginalizados, de crítica. Surge Martin Scorcese, Francis Ford Copolla, Brian de Palma, John Cassavetes e Stanley Kubrick (que já ganharam seu espaço desde a década de 60) que, ainda que viessem a fazer parte dessa mesma indústria – e não é essa a grande iniciativa do sistema, absorver tudo o que o envolve? – criaram obras que eram verdadeiros estudos da sociedade americana. E o mesmo pode ser observado em outros locais do mundo. A Alemanha viu renascer seu cinema com cineastas como Win Wenders, Rainer Werner Fassbinder e Werner Herzog. Na Itália, já desde os anos cinqüenta e sessenta, Frederico Fellini e Michelangelo Antonioni eram os dois grandes exemplos do cinema pós-neo-realismo. Ingmar Bergman e seu cinema existencialista vinham da Suécia. Isso sem contar toda a história da cultura audiovisual do oriente, de nomes como Ozu e Kurosawa.

Mas a partir de meados da década de oitenta, a imagem audiovisual se transforma mais uma vez. É com o vídeo e seu fácil acesso aos seus realizadores, além de, num primeiro momento, ser a ponte entre cinema e televisão, podendo ser parte de ambos, que um novo tipo de experimentação começa a se dar no campo do audiovisual. Artistas, cineastas, videomakers, reformulam o papel do audiovisual eliminando a necessidade de um único meio específico de projeção e transmissão (vide as instalações), além de um novo mergulho à construção do conjunto de imagens e sons que não mais seguissem uma ordem linear, podendo ou não fazer algum sentido ao espectador - e nesse processo nasce a linguagem do videoclipe, preparando-nos definitivamente para a era digital e toda a velocidade dos meios de comunicação.

O cinema chega aos anos 2000 com uma infinidade de referências, tecnológicas e culturais que foram surgindo ao longo de quase um século. Não é de se espantar que esse cinema esteja agora diante de um novo público, acostumado a imagens de todos os tipos, sejam imagens sublimes ou cruéis; público que não mais se satisfaz com o passivo posto de espectador e necessita de alguma forma da chamada “interação” com a obra apresentada.

É na absorção do que acontecia ao seu redor que o cinema reforçou suas bases e foi capaz de sobreviver às transições enfrentadas pelo público e pelo próprio curso da história. Desde o início, é possível identificar em alguns cineastas a busca por algo que se aloja entre o aparato técnico e o material subjetivo dentro da construção das imagens que, possivelmente, contribuiu para que o cinema contemporâneo faça surgir no espectador uma nova sensação. Essa sensação não está ligada apenas a imagem, não está ligada apenas ao som, mais a uma simbiose perfeita entre esses dois elementos e o rico material exterior que percorre a sociedade, seja de natureza concreta ou subjetiva. E o resultado desse processo é um novo audiovisual dotado de possibilidades a serem desvendados não apenas a partir do aparelho visual, mas de toda a proporção no corpo humano e dentro de seu psicológico.

A Festa da Menina Morta

2008-11-04T01:32:00.000-02:00

Sempre estou disposto a conferir atores trocando seus papéis habituais e encarando a direção de um filme. É interessante a forma como se dá essa inversão de funções e como se constrói esse olhar que por tanto tempo era apenas paisagem. Vez em quando, as surpresas têm um sabor doce, em outros casos, um pouco azedo.

Infelizmente, A Festa da Menina Morta, primeiro filme dirigido pelo excelente ator Mateus Nachtergaele, fica com o segundo time.

Na história, um pequeno povoado da região do rio Amazonas se prepara para a comemoração da tal festa. Há vinte anos, uma menina morreu e nunca foi encontrada. Na época, uma sucessão de fatos levou as pessoas a acreditarem que Santinho (Daniel de Oliveira) pudesse realizar milagres e, a partir de então, além de se comemorar a data de aniversário da morte da menina, as pessoas vão até Santinho em busca de bênçãos, aconselhamentos, milagres. A história do filme é centrada nos dois dias de preparativos, tendo a festa como o clímax.

Como um bom ator, Mateus sabe extrair o que de há melhor em seus protagonistas. Daniel de Oliveira transita perfeitamente entre os extremos pelos quais percorrem as reações de Santinho. Os desconhecidos Juliano Cazarré (Tadeu, irmão da menina morta), Conceição Camarotti (Das Graças) e Ednelsa Sahdo (a Tia) não deixam por menos e compõem perfeitamente papéis de importância que orbitam ao redor da figura de Santinho. Mas se coordenando a função que o consagrou, o diretor exibe toda a experiência que adquiriu ao longo de sua carreira, na direção ele peca numa seqüência de equívocos que, não só prejudicam o ritmo do filme, mas apontam para certas manias de outras produções nacionais.

Se, num primeiro momento, os longos planos-seqüência dão maior destaque a atuação de seus atores, a sucessão eventual por planos-detalhes se evidencia totalmente desnecessária, e logo se percebe certa “lógica de montagem” com plano-seqüência/plano-detalhe/ plano-seqüência, chegando a cansar o espectador, tamanha a repetição. Se a intenção de Mateus era explorar “tempos mortos”, deveria ter investido um pouco mais no estudo de obras de cineastas que utilizaram o recurso a exaustão e com extrema excelência, como o mestre Antonioni. É provável que o problema de ritmo pudesse ser compensado se o roteiro fosse mais bem trabalhado. Se as imagens são construídas a passos de tartaruga (contribuindo para que a bela direção de fotografia de Lula Carvalho seja apreciada, mesma com a predominância de espaços interiores no filme), esse tempo parece não dar conta das informações que o espectador recebe do filme. Além de ter de remontar o quebra-cabeça que é a história da menina morta - que em momento algum é inteiramente esclarecida -, temos a crise de fé pela qual passa Tadeu, o crescente incomodo psicológico que Santinho vem sentindo em relação à lembrança de sua mãe, a relação incestuosa dele com seu pai (vivido por um subaproveitado Jackson Antunes), além da sugestão de histórias paralelas das tias que o diretor insinua, mas nunca leva a adiante. O pior fica para a rápida resolução dos conflitos, beirando a preguiça no caso de Tadeu e ao clichê dramalhão no caso da mãe de Santinho.

A Festa da Menina Morta, em toda a sua crueza de imagens e dureza de seus personagens, lembra o cinema de Cláudio Assis, com quem Mateus trabalhou em Amarelo Manga e Baixio das Bestas. Mas assim como os filmes do pernambucano, carece da falta de alguma coisa. Na esperança de apresentarem o ser - humano em toda a sua natureza imoral e irracional, levado apenas pelos desejos, esses filmes acabam num limbo de pretensão e vazio ideológico e, se por um lado ressaltam a evidente qualidade técnica da atual cinematografia nacional, por outro, simplesmente assumem a outra face da moeda cinema padrão / cinema marginal, reafirmando que o importante é “chocar” e ver como somos todos podres pó dentro. Ou seja, a mesma masturbação mental de sempre.

O balconista e a geração X

2008-11-01T01:21:00.000-02:00

É provável que você já tenha ouvido por aí alguém dizer que hoje em dia a adolescência se estende até os trinta anos (e há quem diga quarenta). Eu mesmo vivo usando isso como desculpa para me redimir de eventuais futuros fracassos. Mas de onde surgiu essa idéia? Bom, eu não sei, mas encontro uma geração que viveu isso de maneira como nenhuma outra: a geração do início dos anos noventa. É ali, na década do pós-tudo (pós-guerra fria, pós-ditadura, pós-glam rock, pós-extravagâncias, pós-beatles, pós etc.), onde se bateu o martelo para o caminho da informatização digital e onde a globalização se estabeleceu de uma vez que os jovens adolescentes dos anos oitenta desembarcavam na idade adulta.

Kevin Smith era um desses jovens representantes da geração X quando, em 1994, lançou o seu O Balconista. O filme produzido com baixíssimo orçamento acabou recebendo prêmios em Sundance e em Cannes. Com isso, Smith deu início a uma série de filmes que contavam com o mesmo universo de personagens e que discutiam sobre os principais assuntos que permeavam a cabeça dessa geração: cultura pop, problemas com empregos, amigos, namoradas, futuro, sexo, quadrinhos, Star Wars (?!)... Nada muito diferente do que a geração atual discute, com uma ou outra alteração (troque Star Wars por algum Senhor dos Anéis ou Harry Potter, um grunge por um emo ou indie da vida e teremos um acordo).

No universo de filmes como Procura-se Amy, Barrados no Shopping ou Dogma, figuras outsiders transitavam dentro do limbo que é, para alguns, a idade dos vinte e poucos aos trinta anos, que refletia talvez a realidade de seus criadores.

Da grande leva de diretores independentes que emergiram nos Estados Unidos na década de noventa – Richard Linklater, Gus Van Sant, Todd Solondz, Jim Jarmusch (este já vinha se firmando desde a década de 80, com Estranhos no Paraíso ou Daubailó), Edward Burns, além do próprio Smith, para citar apenas alguns nomes – surgiram histórias de personagens que, de alguma forma, negavam-se a aceitar suas condições de mudanças e de assumir o controle de suas vidas. Presos a pensamentos de auto-depreciação, baixa auto-estima (vide Felicidade, de Solondz), dificuldades em assumir responsabilidades e deixar o apego às lembranças do passado, dificuldades de relacionamentos, esses personagens vagavam por aí, discutindo sobre assuntos banais, desses que passam por nossa cabeça numa longa viagem de ônibus no dia-a-dia. Utilizavam as formas mais absurdas possíveis para suprirem suas faltas ou saciarem seus desejos reprimidos em meio a uma década de transição, entre o fim e o começo de um novo século. Resumindo, eram personagens absurdamente ordinários e, exatamente por isso, humanos.

Em O Balconista 2 (2005), é curioso observar como Kevin Smith olha para seu universo dez anos depois, como um Deus que enxerga suas crias e como se intromete em seus destinos. Parece bem claro que o diretor percebe que sua geração recebeu uma espécie de prorrogação para sua adolescência, mas que esse tempo enfim passou e chegou a hora das escolhas serem feitas, seja para o bem ou para o mal, assim como seus personagens.

Agora, próximos dos quarenta anos (alguns mais, poucos menos, e outros que já ultrapassaram esta faixa), a geração X parece enfim encontrar um lugar para si, seja de maneira inquieta (Gus Van Sant tem Elefante, Last Days, Paranoid Park), inventiva (como o prolífico Richard Linklater de filmes tão dispares como Antes do Amanhecer, Escola do Rock e Scanner Darkly) e até desencanada, como os projetos recentes de Smith Menina dos Olhos, O Balconista 2 e Zack and Miri Make a Porno.

E ainda que a obra desses cineastas não traga mais a mesma dose de inventividade de tempos atrás, ela carrega um forte sentimento de honestidade daqueles que viveram seus anos como puderam, e aproveitaram o tempo extra que lhes foi concedido, mesmo que fosse para reclamar desse tempo e do fato dele ter que acabar.

Batman - O Cavaleiro das Trevas

2008-10-28T03:12:00.000-02:00

A uma tragédia anunciada logo na primeira parte de Batman – o Cavaleiro das Trevas e podemos perceber isso nos pequenos detalhes.

Se estamos todos na expectativa de nos encontrarmos com o personagem do Coringa (Heath Ledger), ele surge e desaparece da mesma forma como conduzirá toda a sua trajetória e dos habitantes de Gotham ao seu redor, sem qualquer segurança ou aviso prévio. Há ainda pessoas que se vestem de Batman tentando fazer justiça com suas próprias mãos, fazendo com que Bruce Wayne (Christian Bale) repense o papel que desempenha e revise os objetivos que tinha ao assumir o manto de homem-morcego. Um homem busca a justiça sem se render de maneira alguma ao sistema (Aaron Eckhart como promotor Harvey Dent) e tendo como poucos aliados o tenente Gordon (Gary Oldman) e como inimiga toda a máfia da cidade (e fora dela). É com esses e outros elementos que Christopher Nolan tece uma cadeia de eventos e acontecimentos que, inevitavelmente, nos levarão a fins extremos em ambos os lados, e some-se a isso a trajetória de cada personagem que não poderão mais carregar em si a alcunha de herói ou vilão.

A aula de cinema que é Cavaleiro das Trevas escorre por cada canto de sua produção. Não há desperdício de película nem situações inúteis a compor roteiro. Cada elemento tem seu “porque” de existir. Se a situação pede dramaticidade, ficamos próximos dos personagens, sentimos suas emoções. Se o tom é épico, a trilha pontual reforça os sentimentos, as tomadas aéreas se fazem presentes, a grua percorre seu caminho de cima a baixo. Há ação, romance, humor, terror. Em pouco mais de 140 minutos, Nolan faz de seu filme uma síntese de nossos dias, tão caóticos como o Coringa, pois se nos espantamos com as empreitadas do Palhaço do Crime, também o fazemos no mundo real, onde existem os mesmos massacres, onde existe o mesmo receio em andar pelas ruas e ser atingido por nossos próprios policiais, onde a corrupção disfarça, esconde e confunde bandido e mocinho.

Bruce Wayne, a fim de poder lidar com a infinita dor da perda de seus pais, assumiu a imagem mais assustadora que mantinha em seus pesadelos e fez dela um meio para livrar o mundo da corrupção. A intenção era de que a mesma imagem que pusesse o medo servisse de inspiração para as pessoas. A esperança de que isso se torne realidade surge na imagem do promotor Harvey Dent, que faz com que Bruce chegue aos seus limites, a ponto de suportar ver seu amor (Maggie Gyllenhaal) se distanciando cada vez mais. Mas como já foi dito, O Cavaleiro das Trevas é uma tragédia, e não tardará para que a esperança se transforme em desespero.

E esse desespero tem nome: Coringa. Heath Ledger encarna a versão definitiva do personagem. Não há origem, não há motivos, não há desculpas, o Coringa é o que é. Como uma força incontrolável, sua teia “não planejada” de eventos leva os habitantes de Gotham a seu extremo limite, e mais fundo irão seus “heróis”. Fica a constatação do tipo de ator que Heath Ledger poderia ter sido se não houvesse falecido no começo deste ano. Sua entrega ao personagem (como já havia feito em filmes como O Segredo de Brokeback Moutain e Candy) apenas apontam uma crescente evolução artística e uma capacidade de síntese assustadora. Os olhos de seu Coringa estão sempre abertos, movimentam-se de maneira veloz e precisa afim de não perder um único lance. A língua que molha o redor dos lábios a todo instante, parece nos lembrar quando temos alguma marca ou machucado e ali mexemos todo o tempo. Sua voz nasalada e sinistra nas mesmas proporções. Um andar duro, cômico, e alerta. Nada da fanfarronice histriônica de Jack Nicholson. O Coringa de Ledger está anos-luz a frente do Coringa de Tim Burton.

Christopher Nolan clama a quem quiser ouvir, desde o filme anterior, que seu Batman poderia ser real, isto é, não há nada de gratuito na história do menino que viu os pais sendo mortos e que jurou defender a justiça. Escrevendo o roteiro junto com irmão Jonathan Nolan, a partir de um argumento de David Goyer (roteirista de Batman Begins), Nolan resume uma questão a anos trabalhada de diferentes formas, a de que Batman não é um super-herói. Ele não tem super-poderes, é apenas alguém muito inteligente movido por sentimentos profundos. E se no filme anterior tínhamos um Wayne inexperiente, que falhava a todo instante, no novo filme vemos sua natural evolução (e as cenas em Tóquio são emblemáticas nesse sentido), tanto em seu aparato técnico e necessidades, quanto a sua forma de pensar. Aqui também há os momentos de desespero, e ainda maiores do que no primeiro, mas Bruce não hesita em tomar as difíceis decisões que lhe aparecessem a todo o instante. O domínio de produção que Nolan exibe no filme é impressionante. O diretor tem classe, muita classe. É escola Scorsese e Michael Mann da melhor qualidade. O trabalho com os excelentes atores, as câmeras precisas, a fotografia e, acima de tudo, o roteiro, lançam o diretor definitivamente ao patamar de “grande”, e fazendo de um blockbuster um cinema autoral.

Muito mais poderia ser dito a respeito do filme. Há ali muitos destaques merecidos, como o papel do Tenente Gordon, uma alma pura em meio ao inferno e, a jornada de outro cavaleiro, Harvey Dent, o Cavaleiro Branco de Gotham. Assistir a sua jornada em paralelo a de Batman é tão comovente como a do morcego e, ao final, percebe-se como Harvey acaba sendo o grande alicerce de toda a história, sendo sua presença o motor e vários conflitos ao longo da exibição.

A vontade de continuar a escrever sobre o filme só não é maior do que a de revê-lo. Fica a dica, no, ao que parece, quase impossível caso de alguém ainda não ter visto Batman – O Cavaleiro das Trevas, que vá tranqüilo ao cinema. Sente-se, relaxe e permita ser conduzido sem medo ao universo das sombras de Gotham, que tão bem reflete nossa sociedade. Se isso parece assustador, não se esqueça em momento algum que ainda podem existir cavaleiros que lutem por motivos muito mais nobres que o dinheiro e o poder, heróis anônimos, e esperamos que eles não vivam o suficiente para se tornarem vilões, como diz Harvey Dent, mas que a paz chegue antes e eles possam deixar o anonimato e viver em harmonia com todos os outros.

O Prisioneiro da Grade de Ferro

2008-10-28T03:04:00.000-02:00

Confesso que estava com um pouco de receio em escrever um texto sobre o filme O Prisioneiro da Grade de Ferro (Auto Retratos), de 2003, direção de Paulo Sacramento, documentário filmado ao longo de sete meses no ano anterior (2001) a implosão de alguns pavilhões da Casa de Detenção de São Paulo, o Carandiru.

Falar do Carandiru já seria difícil sem o devido conhecimento quanto aos anos de existência deste hoje mítico local, de tantas histórias e simbolismos para a sociedade paulistana. Eu mesmo, que vivi a vida toda em São Paulo, sei pouco sobre a história do complexo penitenciário.

Diante disso, tentarei registrar apenas algumas impressões e reflexões quanto ao filme, tentando seguir um percurso que não afirme nada que não seja algo que, de fato, esteja ali.

No ano anterior a desativação do complexo penitenciário, a produção do filme ensinou 20 presos a operarem câmeras de vídeo, e durante sete meses foi registrado o cotidiano do Carandiru. O resultado final é uma mescla de imagens feitas por profissionais do cinema e pelos próprios presos.

Imaginar como se davam as relações ou mesmo o dia-a-dia dentro da casa de detenção sem ter realmente estado no local, vivido aquela situação, é algo impossível para aqueles que nunca fizeram parte da população do Carandiru. Dito isso, é assombrosa a forma como somos conduzidos para os corredores, para dentro das celas, pelos pátios e outros ambientes com uma incrível liberdade. Surpreendentemente, os presos abrem suas portas, tanto para seus colegas que seguram as câmeras quanto para o pessoal da produção (inclusive o próprio Sacramento) e não têm medo de mostrar à sujeira, as condições de vida, as drogas (e vemos a produção de maconha, cachaça e mesmo crack já em sua forma de consumo), os ratos – aparentemente, a outra população do local - com uma hospitalidade inacreditável. Não consigo deixar de pensar no glamour simbólico que uma câmera de vídeo pode provocar num público sem acesso devido à educação – e falo aqui da maioria de nossa população. Claro que, mesmo com toda essa liberdade, temos apenas uma representação imagética, jamais tátil.

As duas horas de duração são realizadas a partir de um excelente trabalho de montagem. Sacramento, em seu primeiro longa-metragem, tinha em seu currículo “apenas” a direção dos curtas Ave (1992) e Juvenília (1994), a montagem dos filmes Tônica Dominante (2000), de Lina Chamie, e de Cronicamente Inviável (2000), de Sérgio Bianchi, e a produção e montagem do bem visto longa-metragem de Cláudio Assis Amarelo Manga (2002). A montagem é feita como se dividida em capítulos, sendo alguns pavilhões o tema principal e alguns subtemas surgidos posteriormente, como faxina, dia de visita, o templo religioso, assim como seus personagens – os presos que habitam cada pavilhão. Não existe um modo formal onde se encaixa a “narrativa”, não há um início ou um fim, mas uma minuciosa seleção dentro das mais de 170 horas de registro original dentro do local. Percebe-se que um assunto escolhido poderia ser uma ponte para o próximo material a ser exibido e assim se sucede as escolhas até que se encontre um conjunto suficiente de seqüências que expressem uma mensagem – e não serei eu a afirmar qual de fato seria essa mensagem.

O Prisioneiro da Grade de Ferro (Auto Retratos) é um documento histórico, mas extremamente humano. É impensável reagirmos imparcialmente às cenas e aos comentários dos presos ou dos ex-diretores que aparecem ao final do filme. Sejam pensamentos pró ou contra, a verdade é que somos também tomados por um sentimento que permeia a vida dos moradores da Casa de Detenção de São Paulo: o de conflito. Confrontamos nossos pensamentos contra nossos sentimentos. A razão é a todo instante obrigada a dividir o espaço com a compaixão, e tentamos apenas sobreviver a esse embate. Mas é certo que as marcas deixadas por esse conflito psicológico não são tão intensas quanto aquelas que carregaram todos os que fizeram parte da população do Carandiru.

Em Paris

2008-10-28T03:01:00.000-02:00

Paul (Romain Duris) está deprimido. De volta à casa do pai, ele sofre com a fim de seu relacionamento com uma moça. Jonathan (Louis Garrel), seu irmão mais jovem, passa do dia experimentando as “emoções” que lhe cruzam o caminho ao mesmo tempo em que tenta trazer o irmão de volta a vida normal. Em meio a tudo isso o pai dos dois, que nada pode fazer quanto à vida dos filhos.

Basicamente, essa é a trama de Em Paris (Dans Paris), novo filme de Christophe Honoré, que esteve em cartaz há algum tempo nos cinemas.

Disse basicamente, mas poderia dizer que é só isso o que acontece no filme. Nenhuma reflexão profunda, nenhuma moral da história, nenhuma análise a respeito das paixões humanas, nada disso, mesmo que, no início, possamos ser levados a pensar que alguns desses itens venham acontecer.

Na impossibilidade de ser a figura central da história, Jonathan, no início do filme, toma para si o papel de narrador. Sim, ele fala com o público. Um interessante artifício, mas que perde suas possibilidades no decorrer do filme. Somos apresentados a Paul e presenciamos seus últimos momentos com a namorada, aqueles momentos onde o casal parece saber sobre o inevitável, mas luta desesperadamente tentando sustentar as colunas e vigas de um teto que não suportará por muito tempo.

Logo estaremos assistindo a cenas familiares a todos os que já passaram pelo processo da separação, como ficar deitado o dia inteiro com as mesmas roupas, falta de apetite, poucas palavras e, porque não, uma ou outra vontadezinha de acabar logo com tudo. Jonathan tenta alegrar o irmão, fazê-lo sair de casa para que se encontrem em um local referente à sua infância, mas chega a ser engraçado o número de distrações que encontra pelo caminho. Paul faz o típico intelectual rejeitado enquanto Jonathan, muito mais pelo que parece ser uma escolha de vida do que uma característica sua, vive uma autêntica despreocupação. O pai dos dois tenta ora ou outra fazer diferença na vida dos filhos, mas sabe bem que não pode fazer nada a não ser assistir às escolhas que os dois fazem de suas vidas.

O filme de Honoré tem bons momentos. A bela fotografia apenas realça a beleza da Paris de Jonathan (se bem que filmar em Paris já é um baita passo para se fazer um filme esteticamente bonito) e contrasta com a escuridão do apartamento onde Paul passa a maior parte do tempo. Falar das difíceis relações humanas é sempre interessante, o que cria um interesse maior do espectador pelo personagem de Paul (apesar da presença sempre cativante de Jonathan). O bom elenco faz um trabalho coeso.

O “contudo” fica na escolha do como contar tudo isso. Parece que o roteiro quer contar coisas demais para um dia só, o que acaba levando o filme a uma conclusão rápida e forçada. Os irmãos passam a maior parte do filme separados e em dinâmicas de vida opostas, o que faz com que a premissa do filme perca seu sentido em alguns momentos. O mesmo acontece na escolha do que contar. Não foi possível desenvolver em noventa e poucos minutos temas como amor, desilusão, família, redenção (e existem outros filmes que conseguiram cumprir tal tarefa com mérito). Além disso, Honoré, nos momentos em que se utiliza de alguns artifícios, como a conversa de Jonathan com o espectador e seus pontos-de-vista, faz as coisas destoarem e perderem-se em inúteis exercícios estéticos. Fico pensando qual seria o verdadeiro motivo de utilizar o ator Louis Garrel na produção. Visto em filmes recentes como Os Sonhadores e Amantes Constantes, não consegui entender direito a intenção do personagem de Garrel “quebrando” a estrutura da ficção e ainda por cima (e isso é uma interpretação pessoal) dialogando com o próprio cinema - na cena em que aparece na frente de dois cartazes, um de The Last Days, filme de Gus Van Sant com Michael Pitt, com quem Garrel trabalhou em Os Sonhadores e Marcas da Violência, de David Cronenberg, uma das produções que mais se difere da cinegrafia do cineasta e uma das que mais obteve sucesso também. Poderia fazer algum sentido se fosse essa a proposta original do filme, o que não me pareceu ser.

Como estudante, sou totalmente a favor das experimentações dentro da estrutura da narrativa e da linguagem cinematográfica e, apesar de conhecer pouco da obra do diretor, sei que o mesmo tem repertório suficiente para isso, mas acho que algo deu errado no experimento dessa vez. Ele utilizou demais onde, provavelmente, o menos se encaixaria melhor. Suas intenções foram maiores do que seu produto.

O dispensável anticlímax do filme deixa a mesma sensação incômoda do fim de um relacionamento e um dos pensamentos que a isso sucede: o de que as coisas (e nesse caso, o filme) poderiam ter sido diferente. Melhores? ;-)

Factotum

2008-10-28T02:47:00.000-02:00

Antes de qualquer coisa, tenho que confessar que meu primeiro contato com Charles Bukowski foi em uma edição passada da Mostra Internacional de Cinema de São Paulo, onde obtive conhecimento do filme Factotum (que, como não pude assistir na própria Mostra, anotei os dados do filme e fiquei a espera de sua estréia em circuito nacional, como faço com tantos outros que provavelmente nunca entrarão em cartaz). Dito isso, minha análise será puramente sobre o filme, seus aspectos objetivos, não fazendo comparação à obra escrita de Bukowski, a qual ainda não tive acesso, mas que garanto ter entrado na minha lista de autores a conhecer.

Factotum nos apresenta uma parcela da vida de Hank Chinalski (Matt Dillon), visivelmente um alter-ego para o próprio Bukowski. Chinalski é escritor e, quando não está escrevendo, passa seus momentos bebendo, fumando, procurando emprego e sendo despedido. Numa interpretação adiantada, poder-se-ia dizer que Chinalski vive uma vida boêmia, assim como tantos outros escritores e filósofos de perfil parecido. Mas basta assistir ao filme para perceber que não é bem assim.

Chinalski têm objetivos: escrever, beber, observar a vida a sua volta, e, por que não, vivê-la (do seu jeito, claro). Não há em momento algum indício de que ele não goste da vida que leva, mesmo em um dos poucos momentos onde consegue se expressar abertamente deixando clara a sua indiferença quanto a sua condição de vagabundo. Tem consciência até mesmo das poucas relações que cria em sua vida, principalmente com as mulheres. São regadas por algum tipo de interesse mútuo, seja para ganhar dinheiro ou simplesmente sexo. As personagens de Lili Taylor (em boa atuação) e Marisa Tomei (breve participação) são apenas exemplos das diversas relações que o protagonista teve ao longo de sua vida.

Chinalski parece há muito ter percebido esse lado cruel da vida humana e simplesmente abdicou de tudo em favor de seu próprio estilo de vida. Difícil seria afirmar que alguém que escreve tenha desistido de tentar viver, muito pelo contrário, o fato dele continuar escrevendo é porque acredita que existem coisas a serem ditas, ou que, no mínimo, ele ainda tenha o que dizer.

Matt Dillon que há muito vinha seguindo o caminho dos ex-galãs em decadência, faz a mesma coisa que muitos de seus colegas vêm fazendo: arriscando-se no cinema independente, e acaba acertando em cheio. Compõe um Chinalski bêbado, barrigudo, sujo, de imagem repugnante para os amantes da boa etiqueta, porém, acima de tudo, charmoso e sedutor na medida certa, seduzindo-nos a entrar em seu mundo e vermos a vida pelo seu próprio ponto-de-vista. Dillon, que concorreu a uma estatueta por outro filme independente, Crash – No Limite, nos devolve a esperança para uma carreira que parecia fadada as vídeo locadoras.

Enfim, em Factotum a vida nos parece mais suja do que o de costume, as pessoas nos parecem mais desprezíveis e ignorantes do que o de costume. As pessoas retratadas no filme fazem parte da maior parcela do povo americano, bastante diferente da classe média que reina nas produções em geral. Pessoas desiludidas tentando sobreviver seja com o salário do fim de mês, que unicamente suplanta suas necessidades básicas ou arriscando-se em jogos de azar ou em alguma relação prazerosa ou vantajosa.

Diante de uma realidade tão fria, uma das sensações ao se assistir ao filme e para aqueles que simpatizaram com seu protagonista é a de que há momentos onde se torna tentador a idéia de seguir a “religião” de Chinalski e dar uma grande risada da vida que corre logo ali, do outro lado da janela.

* Apenas por curiosidade, Factotum no dicionário significa algo como “pessoa que faz o serviço de outra”, “pessoa indispensável”, “pessoal que tudo sabe fazer ou resolver”. Para os que assistiram ao filme, lembrar das constantes mudanças de emprego do protagonista é quase automático.

** Mais de um ano e meio depois de ter escrito esse texto, fiz minha lição de casa e enfim entrei em contato com a obra de Bukowski (logo após passar uma época sonhando com meus dias caso eu tivesse feito parte da geração beat). Parei na metade do livro que lia e pretendo retornar a ele assim que possível (apareceram-me outras obras e me perdi entre a leitura de "umas e outras").